La producción tendrá como protagonista a Nero, un gato negro callejero que en inglés será interpretado por Mark Ruffalo.

La historia se ambientará en Venecia, Italia, donde Nero ha pasado años moviéndose entre canales, supersticiones y problemas. Sin embargo, su vida dará un giro cuando comience a cuestionarse si realmente ha tomado el camino correcto.

El conflicto principal estará marcado por una deuda con Rocco, un jefe mafioso felino al que dará voz Laurence Fishburne. A partir de ahí, Nero se verá obligado a formar una inesperada amistad que podría ayudarlo a encontrar su verdadero propósito.

El teaser adelanta ese tono con una escena que juega directamente con el imaginario de las películas de mafia, aunque llevado al terreno familiar de Pixar.

En el avance, Nero y Rocco protagonizan una interrogación por un supuesto robo de atún, pero terminan distraídos por una ampolleta que se balancea.

La referencia mafiosa también aparece en la música del adelanto, que utiliza guiños al clásico tema de El Padrino compuesto por Nino Rota.

Vean el tráiler a continuación.

Uno de los elementos más llamativos de Gatto será su propuesta visual. La película marcará un nuevo experimento para Pixar, ya que combinará animación CGI con una estética de pintura hecha a mano, pensada para capturar la textura y el encanto de Venecia.

La película será dirigida por Enrico Casarosa, quien anteriormente estuvo a cargo de Luca, otra producción de Pixar ambientada en Italia.

Gatto será el largometraje número 32 de Pixar y llegará a los cines el 4 de marzo de 2027.

Mucho de lo anterior se debe a que sus películas suelen estar atravesadas por una calidez poco común y una sensibilidad que le permite abordar frustraciones, anhelos y pérdidas sin caer en el cinismo ni en el sentimentalismo fácil.

La música también ha sido una pieza fundamental dentro de esa identidad autoral. Desde Once, la pequeña producción independiente que terminó ganando el Óscar a Mejor Canción Original, pasando por Begin Again, cuya secuencia de dos personajes recorriendo Nueva York mientras comparten una misma lista de reproducción continúa circulando ampliamente en redes sociales, hasta llegar a Sing Street, considerada por muchos como su obra más celebrada, Carney ha logrado crear una interesante filmografía.

Y en ella, las canciones no solo son un acompañamiento para la historia, ya que han logrado funcionar como una extensión emocional de los personajes.

Esa tradición vuelve a estar presente en Letras Robadas (Power Ballad), una película que inicialmente parece construida a partir de elementos familiares dentro de la filmografía de Carney, pero que encuentra personalidad propia gracias a la interpretación de Paul Rudd y a una historia que se interesa menos por la fama que por las personas que quedaron al margen de ella.

Y es que lo que comienza como un relato sobre una canción apropiada por otro artista termina convirtiéndose en una reflexión sobre los sueños incumplidos, las decisiones que cambian una vida entera y los vacíos que muchas veces logra llenar el amor.

La historia sigue a Rick Power, un músico estadounidense que vive en Irlanda y que alguna vez estuvo cerca de alcanzar el éxito junto a una banda prometedora. Sin embargo, su realidad actual es muy distinta: su talento musical solo sirve para tocar en una banda que se dedica a las fiestas de matrimonios. Y a pesar de mantener una vida familiar estable, igual carga con la sensación de haber dejado escapar su gran oportunidad.

Todo cambia cuando conoce a Danny Wilson, una estrella pop en busca de un nuevo éxito, a quien le muestra una canción que ha estado perfeccionando durante años. Meses después de tocar juntos durante una noche, Rick descubre que esa composición se ha transformado en un fenómeno mundial sin que nadie conozca su verdadero origen.

Tomando esa base, lo más interesante de Letras Robadas es que evita el camino fácil. La película nunca transforma a Danny en un villano absoluto por apropiarse de la canción ni convierte a Rick en una víctima perfecta. Carney entiende que la industria musical es mucho más compleja que una simple disputa entre buenos y malos, logrando así encontrar sus mejores momentos en esas zonas grises donde las responsabilidades se mezclan con las inseguridades y las ambiciones personales.

Nick Jonas sorprende dando vida a un Danny que posee el carisma necesario para justificar su fama, pero también transmite una constante necesidad de validación e inclusive tiene la incapacidad para entender que la apropiación de las experiencias ajenas no es una simple inspiración base. Especialmente cuando no se entiende el verdadero motor artístico tras las letras.

Por eso también la película pertenece principalmente a Paul Rudd. El actor entrega una interpretación particularmente contenida y melancólica, plasmando a un Rick que es un hombre que aparentemente tiene todo lo necesario para ser feliz, pero que sigue atormentado por aquello que no consiguió. Rudd logra abordar esa contradicción, convirtiendo al personaje en el corazón emocional de la película.

En el camino, Carney también vuelve a demostrar su gran habilidad para filmar el proceso de una creación musical. Algunas de las mejores escenas consisten simplemente en músicos compartiendo un espacio, tocando melodías o teniendo problemas en medio de guitarras y baterías.

La película también logra expandir también una mirada particularmente amarga sobre el concepto del éxito. A diferencia de otras producciones centradas en la música, Letras Robadas dedica buena parte de su tiempo a quienes no llegaron a convertirse en estrellas. Y eso termina siendo el condimento ideal para la historia que desarrollan una vez que Rick hace todo lo necesario para validar su valor autoral sobre una canción que se transforma inevitablemente en el mayor hit del mundo.

En medio de lo anterior, no todo funciona con la misma efectividad. Algunos personajes y tramas secundarias quedan relegadas, incluyendo lo que ocurre con la propia familia de Rick, pero al menos la película deja en claro que su prioridad apunta más a las carencias que el músico fallido no ha logrado resolver por si mismo.

Por eso lo más relevante es que Letras Robadas no trata realmente sobre una canción robada. Es más sobre la forma en que las personas procesan sus arrepentimientos, sobre los sueños que nunca se cumplieron y sobre la posibilidad de encontrar valor en aquello que sí logramos construir.

En esa línea, aunque la nueva obra de Carney no alcanza las alturas de Sing Street ni tiene el impacto emocional de Once, igual confirma que

John Carney sigue siendo un cineasta a seguir cuando se trata de explorar la relación entre música, identidad y la forma en que lidiamos con nuestras emociones. Y por eso a nadie le debería sorprender que esta termine siendo una película cálida, reflexiva y sorprendentemente madura sobre el éxito, el fracaso y todo lo que existe entre ambos extremos.

Con un estreno programado para el próximo 10 de julio de 2026, esta nueva versión volverá a contar la historia de la joven navegante que responde al llamado del océano y abandona por primera vez la isla de Motunui para emprender una peligrosa travesía destinada a salvar a su pueblo.

El papel principal estará a cargo de Catherine Lagaʻaia, quien interpretará a Moana en esta nueva versión. Por su parte, Dwayne Johnson retomará el personaje de Maui, el semidiós que ya había interpretado en la película animada estrenada en 2016.

Vean el tráiler a continuación.

Uno de los aspectos más llamativos del nuevo avance es la confirmación del regreso de Tamatoa, el gigantesco y vanidoso cangrejo obsesionado con los objetos brillantes.

El personaje volverá a ser interpretado por Jemaine Clement, quien también le dio voz en la versión original.

El elenco además incluye a Rena Owen como la abuela Tala, John Tui en el papel del jefe Tui y Frankie Adams como Sina, la madre de Moana.

La dirección estará a cargo de Thomas Kail, reconocido por su trabajo en Hamilton.

En el apartado musical, la película contará con nuevas interpretaciones de las canciones creadas originalmente por Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foaʻi y Mark Mancina, quien también regresa para encargarse de la banda sonora.

Moana llegará exclusivamente a los cines el próximo 9 de julio.

Sony Pictures presentó el primer tráiler de The Social Reckoning, película que funcionará como una obra complementaria al largometraje dirigido por David Fincher en 2010.

La principal novedad es que Aaron Sorkin, guionista de la película original y ganador del Premio Óscar por ese trabajo, asumirá esta vez tanto la escritura como la dirección del proyecto.

En lugar de centrarse en los orígenes de Facebook, la nueva producción pondrá el foco en una de las mayores controversias de la compañía. La historia seguirá a Frances Haugen, una ingeniera que decidió filtrar documentos internos de la red social, exponiendo prácticas y decisiones que generaron cuestionamientos globales sobre el impacto de la plataforma.

Según la sinopsis oficial, Haugen se asociará con el periodista Jeff Horwitz, del Wall Street Journal, en una investigación que terminará revelando algunos de los secretos mejor guardados de la empresa tecnológica.

Vean el tráiler a continuación.

La película está inspirada en hechos reales y toma como base los artículos periodísticos que dieron origen a The Facebook Files, una serie de reportajes publicados por el Wall Street Journal que expusieron información interna sobre el funcionamiento de Facebook y sus efectos sobre los usuarios.

El elenco será encabezado por Mikey Madison en el papel de Frances Haugen y Jeremy Allen White como Jeff Horwitz.

Uno de los personajes más llamativos será nuevamente Mark Zuckerberg, interpretado por Jeremy Strong. El avance adelanta que el fundador de Facebook tendrá un papel relevante dentro de una historia centrada en las consecuencias de las decisiones tomadas por la compañía durante la última década.

The Social Reckoning llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 9 de octubre de 2026.

Esteves le mandó una foto del premio y el actor chileno no entendía bien de qué se trataba, hasta que se dio cuenta de que había sido reconocido por su trabajo en Los Renacidos, un thriller chileno-argentino, que debutará este jueves en los cines nacionales.

“No me lo esperaba para nada. Yo no estaba en el festival; estaba en Chile y me llegó una foto de Santi sosteniendo con su mano el premio. No entendía, cómo que le hacía zoom a la imagen y como que estaba medio borrosa la foto”, relató a La Cuarta.

Pero más allá de la anécdota, el intérprete aseguró que se trata de un “reconocimiento muy lindo”, y que no le pertenece sólo a él, sino a la película.

“Creo que un esfuerzo colectivo muy grande, de mucha entrega, mucho sacrificio por creer en esto, creer en el cine, creer en la capacidad que tenemos de contar historias y conmovernos y entretenernos y reflexionar, y que eso reciba un premio, es un reconocimiento externo para un grupo que lo dio todo por contar eso”, reflexionó.

Los Renacidos

Los Renacidos sigue la historia de dos distanciados hermanos, enredados en el negocio familiar de ayudar a la gente a fingir su propia muerte.

Fontaine da vida a Manuel, un médico que intentó escapar de su destino y crear una nueva vida alejado de su familia, pero es nuevamente absorbido por sus garras.

“Manuel es un personaje que es un médico y que eso lo tiene en un permanente conflicto ético, porque ha usado su saber y conocimiento y lo ha prestado para un negocio turbio. Entonces eso va un poco en contra de sus principios como médico, pero al mismo tiempo también como que lo necesita”, explicó el actor.

“Él ha intentado huir de eso y está rehaciendo su vida en otro lugar, alejado... Pero los fantasmas del pasado lo vienen a buscar y lo arrastran de vuelta”, continuó.

“Entonces, es un personaje que está todo el tiempo en esta pugna en la que tiene que ser astuto, pero también tiene un conflicto ético con lo que está haciendo”, recordó.

La cinta resonó en Pedro y lo llevó a la reflexión. “Yo creo que es una película que sí, en cierto grado, habla de cómo hay fuerzas más grandes que uno, de cuánto control tiene uno sobre su destino como individuo, y que finalmente hay dinámicas más grandes que a uno lo pueden llevar por un camino u otro, y uno finalmente no tiene tanta posibilidad de escoger realmente el destino que uno quiere”, aseguró

“Y eso yo creo que es algo lindo de observar. Cómo a pesar de que este personaje intenta escapar de esta maquinaria oscura en la cual participó alguna vez, esa maquinaria lo persigue y lo determina”, añadió.

- Se trata de un thriller muy intenso y con una historia llamativa. ¿Qué fue lo primero que te atrajo al guión de la película?

Me pareció muy llamativo esto de que tomara elementos de película de género, así como el thriller, como la road movie y la trajera a la geografía latinoamericana, y que además fuese una historia completamente ficticia, que no está basada en hechos reales, no está basada en un período histórico, sino que es realmente un imaginario, desplegado desde un autor.

- Dices que la cinta tiene elementos de película de género. Pero a tu juicio, ¿qué diferencias tiene esta cinta con otros thriller latinoamericanos?

Yo creo que lo principal es que, a pesar de que es una película de género, un thriller, que tiene el elemento del policial, incluso tiene un poco de ciencia ficción, porque hay un conocimiento médico en la película que no existe en la vida real, eso yo creo que es algo bastante original, pero también es una película bastante personal.

O sea, tiene una mirada de autor que tiene que ver con ese drama familiar que está latente ahí dando vueltas y que, nos persigue a los personajes permanentemente.

Y eso creo que es la diferencia porque no es simplemente una acción que solamente queda en eso. Está atravesada por esta fibra que es más personal y que tiene que ver con los vínculos de estos personajes, los vínculos previos, los vínculos familiares.

- ¿Qué crees que representa Manuel dentro de la historia? ¿Redención, supervivencia o culpa?

Yo creo que hay un poco de esas tres cosas. A ratos hay un poco de las tres, pero sin duda creo que lo principal es la supervivencia. Es alguien que se pasa gran parte de la película intentando regresar al lugar desde donde comienza.

- Hablando de la grabación, ¿cómo viviste el proceso porque grabaron en la cordillera y en la frontera? ¿Cómo influyó el el entorno en las actuaciones?

Bueno, de partida decir que grabamos en unos lugares hermosos... Grabamos en el paso fronterizo desde Mendoza hacia Chile, principalmente, y en lugares alrededor de Mendoza. Es realmente muy lindo, nos tocó nieve, nos tocó frío, nos tocó sol, nos tocó de todo.

¿Y cómo influyó en el tono? Bueno, a mí me gusta mucho el imaginario que tiene la película de estos personajes que son todos montañeses. Y me gusta pensar en que son animales carroñeros, como que habitan la montaña y que se pelean quizás por un pedazo de carne, que son medio solitarios, que a veces se unen, pero se traicionan.

Creo que es ese imaginario del animal carroñero, de los ermitaños, creo que lo evoca el mismo paisaje en el cual sucede la película, y yo creo que todo eso le da un tono también... como es una película que habla mucho de la muerte, la relación con la muerte y esto, la idea de renacer y todo eso, también tiene algo medio como de ultratumba. Eso también lo hablamos con la gente de la película, con Santi, con Marco, que son personajes un poco como los boteros del infierno.

Entonces, todo ese imaginario como de la muerte y del cadáver, creo que es como, no sé, lo que pasa cuando uno va en la carretera y ves tirado un animal muerto. Es como yo lo relaciono con eso un poco.

- Manuel es un personaje mendocino, ¿cómo fue interpretar el acento argentino?

Un desafío. Bueno, me lo tomé con mucha responsabilidad, dije: “La única manera de hacerlo es prepararlo.” Y lo preparé con mucha anticipación.

Trabajé con una coach muy seca y que llegó a través de la producción de la película y ella me me orientó muchísimo.

Después, ya en el rodaje, me apoyé mucho en mis compañeros; me apoyé mucho en Marco Caponi, el que hacía de mi hermano. Fue un gran compañero, pero también es un personaje que no tiene tantas palabras; entonces no fue tan terrible.

Bueno, Santi Estévez también me ayudaba mucho; él tiene muy buen oído y estaba muy pendiente de eso.

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La producción, desarrollada por Amazon MGM Studios junto a la productora Hello Sunshine, llegará a la plataforma el próximo 1 de julio con una primera temporada compuesta por ocho episodios.

La historia se sitúa en 1995 y sigue a una joven Elle Woods, interpretada por Lexi Minetree, durante sus años de preparatoria.

En ese contexto, mucho antes de llegar a Harvard, deberá enfrentar amistades complejas, romances inesperados y los desafíos propios de la adolescencia.

La serie también profundizará en la relación entre Elle y su madre (June Diane Raphael), mostrando cómo ese vínculo familiar se convierte en uno de los pilares fundamentales para formar la personalidad que más tarde conocerán los seguidores de la franquicia.

Vean el tráiler:

El proyecto fue creado por Laura Kittrell, quien además ejerce como showrunner junto a Caroline Dries. Entre los productores ejecutivos también figura Reese Witherspoon, protagonista de las películas originales y quien está detrás de Hello Sunshine.

Uno de los aspectos más llamativos del anuncio es que Prime Video decidió renovar la producción para una segunda temporada incluso antes del estreno de sus primeros episodios, reflejando la confianza de la plataforma en el proyecto.

El lanzamiento coincide además con las celebraciones por el 25° aniversario de la película original. Como parte de las actividades promocionales, se realizará un evento especial denominado “Elle World” en Nueva York, donde los fanáticos podrán recorrer experiencias inspiradas en el universo de Elle Woods.

El actor interpretará a Long John Silver, uno de los villanos más emblemáticos de la literatura universal y una figura que ayudó a definir gran parte de la imagen moderna de los piratas en la cultura popular.

El proyecto estará dirigido por Ridley Scott, quien volverá a ponerse detrás de cámaras para una nueva producción de gran escala basada en una de las novelas de aventuras más influyentes de todos los tiempos.

El guion correrá por cuenta de Jack Thorne, reconocido recientemente por su trabajo en la aclamada serie Adolescence. Además de escribir el libreto, también participará como productor ejecutivo.

La historia sigue a Jim Hawkins, un joven que descubre un mapa que revela la ubicación de un legendario tesoro escondido por el capitán Flint. Su hallazgo lo lleva a embarcarse en una peligrosa travesía a bordo del barco Hispaniola.

Durante el viaje, la expedición se verá amenazada por una conspiración liderada por Long John Silver, el astuto cocinero de una sola pierna que planea amotinarse para quedarse con la fortuna.

La novela original es considerada una de las obras más influyentes del género.

De hecho, muchos de los elementos que hoy se asocian a las historias de piratas, como los mapas marcados con una “X”, los tesoros enterrados y los marineros con pata de palo, fueron popularizados gracias a la novela.

La isla del tesoro ha sido adaptada numerosas veces para cine y televisión. Entre las versiones recientes se encuentran una película animada de Disney y la serie Black Sails, que funcionó como una precuela de la historia original.

La película está basada en la novela homónima de Peter Heller y tiene como protagonista a Jacob Elordi, quien interpreta a Hig, un piloto viudo que figura entre los pocos sobrevivientes de una pandemia global que arrasó con gran parte de la población.

Tras la catástrofe, Hig vive aislado en un hangar de aviones junto a su perro y a un desconfiado compañero armado llamado Bangley, personaje interpretado por Josh Brolin.

La rutina del protagonista cambia por completo cuando intercepta una misteriosa transmisión radial proveniente de un lugar desconocido. Convencido de que podría tratarse de otros sobrevivientes, decide emprender una peligrosa búsqueda para descubrir su origen.

Vean el tráiler a continuación.

El elenco también incluye a Margaret Qualley, Allison Janney y Guy Pearce, quienes darán vida a distintos personajes que cruzarán el camino del protagonista en este mundo devastado.

De acuerdo con la sinopsis, Qualley interpretará a Cima, una mujer que sobrevive cultivando sus propios alimentos mientras protege su territorio de posibles invasores.

El guion fue escrito por Mark L. Smith, conocido por su trabajo en The Revenant y Twisters, mientras que la producción habría contado con un presupuesto superior a los $100 millones de dólares.

La Guerra de los Últimos llegará a los cines de Latinoamérica el próximo 27 de agosto.

El adelanto muestra una escena clave para la historia: el momento en que Scooby-Doo conoce a Shaggy.

En las imágenes del breve teaser, el famoso gran danés corre por un bosque cercano a un campamento de verano antes de encontrarse con quien se convertirá en su inseparable compañero de aventuras.

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La producción se encuentra actualmente en rodaje en Atlanta y buscará reinventar los orígenes del grupo mediante una historia ambientada durante las vacaciones de sus protagonistas.

Según la sinopsis oficial, la trama seguirá a Shaggy y Daphne durante su último verano en un campamento cuando se ven involucrados en un misterioso caso relacionado con un cachorro gran danés perdido que podría haber sido testigo de un asesinato sobrenatural.

A medida que la investigación avanza, ambos unirán fuerzas con Velma, una joven caracterizada por su enfoque científico y racional, y con Freddy, un recién llegado al pueblo que terminará convirtiéndose en una pieza fundamental para resolver el enigma.

El elenco principal estará encabezado por Tanner Hagen como Norville “Shaggy” Rogers, Mckenna Grace como Daphne Blake, Abby Ryder Fortson en el rol de Velma Dinkley y Maxwell Jenkins interpretando a Fred Jones.

La serie también contará con la participación de Paul Walter Hauser, aunque Netflix todavía no ha revelado qué personaje interpretará dentro de la historia.

Detrás del proyecto se encuentran Josh Appelbaum y Scott Rosenberg como guionistas y showrunners, mientras que el primer episodio será dirigido por Toby Haynes (Doctor Who, Black Mirror, Andor).

La sexta entrega de la saga de comedia recaudó $105,5 millones de dólares en todo el mundo durante sus primeros días en cartelera. De esa cifra, $55 millones de dólares provinieron de Norteamérica y otros $50,5 millones de dólares del mercado internacional.

El resultado representa el mejor estreno en la historia de la franquicia y demuestra que el regreso de los hermanos Wayans, junto a Anna Faris y Regina Hall, logró devolverle la vida a una franquicia que había ido en declive con sus últimas películas.

En ese sentido, basta decir que la nueva película ya superó la recaudación total que alcanzó Scary Movie 5 durante toda su exhibición en cines y quedó muy cerca de los registros obtenidos por algunas de las secuelas más exitosas de la serie.

La situación fue muy distinta para Amos del Universo. La adaptación protagonizada por He-Man consiguió $54,3 millones de dólares a nivel global, prácticamente la mitad de lo obtenido por Scary Movie durante el mismo período.

La adaptación sumó $29,3 millones de dólares en Norteamérica y otros $25 millones de dólares en mercados internacionales. Pese a ello, desde Amazon MGM minimizaron la importancia de la taquilla y destacaron el potencial que tendrá posteriormente en streaming.

Fuera de esos estrenos, el terror sigue marcando presencia en las boleterías. Obsesión superó los $200 millones de dólares mundiales y se convirtió en la película más exitosa en la historia de Focus Features.

Por su parte, Backrooms alcanzó los $212 millones de dólares globales en apenas dos semanas y estableció un nuevo récord para A24.

Y, finalmente, durante el fin de semana la película de Super Mario Bros alcanzó la marca de los mil millones de dólares, siendo la primera película de 2027 en alcanzarla.

La cifra fue alcanzada poco más de dos meses después de su estreno y en un escenario en donde la película ya llegó a las plataformas de descarga digital.

Lo importante es que la marca confirma el enorme arrastre comercial de Mario fuera de los videojuegos, pero también refuerza la fortaleza de la alianza entre Nintendo, Universal Pictures y el estudio de animación Illumination.

Y aunque es probable que no alcanzará los $1.360 millones de dólares que logró la primera película, la secuela igualmente deja a la franquicia en una posición privilegiada.

Super Mario dominando la recaudación

Con sus nuevas cifras, Nintendo tiene ahora las dos adaptaciones de videojuegos más exitosas de la historia en la pantalla grande.

En Estados Unidos, The Super Mario Galaxy Movie es la película más exitosa del año con $428,5 millones de dólares recaudados.

A nivel internacional, la secuela suma $571,5 millones de dólares y solo es superada por Pegasus 3, una comedia deportiva china que recaudó $656,4 millones.

En el total mundial, Mario es seguido por el biopic de Michael Jackson, que alcanza $888 millones de dólares.

El desempeño de la segunda película de Mario deja prácticamente asegurada una tercera película de la franquicia del fontanero, aunque el próximo proyecto de Nintendo e Illumination tendría a Donkey Kong como protagonista.

El video ya se encuentra disponible a través de Spotify y Apple Music, ofreciendo además un nuevo vistazo a algunos momentos protagonizados por Jessie, uno de los personajes centrales de la película.

Según explicó previamente la cantante, la inspiración surgió inmediatamente después de ver una versión preliminar.

Musicalmente, el tema marca un regreso a las raíces country que caracterizaron sus primeros trabajos discográficos, especialmente durante la etapa de álbumes como Taylor Swift, Fearless, Speak Now y Red.

El videoclip comienza con una escena que muestra el primer encuentro entre Jessie y Woody, acompañados por Tiro al Blanco. A partir de ahí, la historia repasa distintos momentos importantes en la vida de la vaquera.

Entre las imágenes aparecen secuencias que recuerdan el abandono que sufrió el personaje cuando su antigua dueña la dejó dentro de una caja de donaciones, una de las escenas más recordadas de Toy Story 2.

También se muestran nuevas interacciones con el resto de los juguetes, incluyendo a Buzz Lightyear, mientras el montaje alterna recuerdos del pasado con material aparentemente perteneciente a la quinta película.

Hacia el final del videoclip aparece una niña pelirroja jugando con Jessie en un columpio de neumático y disfrutando de una tarde al aire libre, imágenes que diversos seguidores han interpretado como parte de la trama de Toy Story 5.

La canción fue compuesta junto al productor Jack Antonoff, colaborador habitual de Swift.

Además de formar parte de la banda sonora de la película, el tema de seguro será impulsada con una campaña para que sea una candidata para competir en la categoría de Mejor Canción Original en los próximos Premios Oscar.

Pueden escuchar la canción a continuación.

La escena muestra a la joven kryptoniana, interpretada por Milly Alcock, aterrizando en el planeta junto a Krypto cuando aún no habla inglés y recién comienza a enfrentarse a un mundo completamente desconocido.

Esperándola se encuentra su primo Kal-El, más conocido como Superman y encarnado por David Corenswet. Sin embargo, el encuentro no resulta tan sencillo como podría parecer.

Aunque Superman intenta darle una cálida bienvenida, existe un problema inesperado: el héroe criado en Kansas no habla kryptoniano, lo que provoca una imposibilidad para comunicarse.

En ese escenario, el clip utiliza subtítulos para mostrar los comentarios de Kara sobre los esfuerzos de su primo por comunicarse con ella e incluso sobre el llamativo traje que utiliza como protector de la Tierra.

La secuencia termina justo antes de mostrar el momento en que aparentemente comienzan a manifestarse los poderes de la protagonista, dejando uno de los puntos clave de la escena fuera del adelanto.

El video también da cuenta de una versión más joven de Krypto, el popular perro superpoderoso que ya debutó en Superman.

La nueva película de Supergirl buscará explorar la relación de Kara con la Tierra y contrastar su visión del mundo con la de Superman, quien ya demostró en su propia película un profundo vínculo con la humanidad.

l estreno está programado para el próximo 26 de junio.

La decisión marca un nuevo desafío para una producción que ya era considerada una de las apuestas más arriesgadas de Hollywood para 2026.

No solo se trata de una adaptación de un poema épico escrito hace casi tres mil años, sino también de una película con un presupuesto gigantesco destinada a convertirse en uno de los principales estrenos del verano estadounidense.

De hecho, diversos reportes apuntan a que La Odisea es actualmente la película con clasificación R más costosa de la historia, con alrededor de $250 millones de costo, superando a otras producciones orientadas a audiencias adultas.

Pero la película, que llegará a los cines el próximo 16 de julio de 2026 de la mano de Universal Pictures, fue filmada íntegramente con cámaras IMAX, reforzando la intención de convertirla en un espectáculo pensado para las pantallas más grandes posibles.

Y por eso no sorprende que durante esta jornada se diese a conocer que hubo caída en el servicio de preventa de entradas en algunos cines de Estados Unidos.

Una apuesta comercial categoría R

La clasificación R no es una sorpresa considerando el material original. El relato de Homero incluye guerras, masacres, monstruos mitológicos, esclavitud, castigos divinos y múltiples episodios de violencia que forman parte central del viaje del héroe.

Sin embargo, este tipo de clasificación suele representar una dificultad comercial adicional. Al limitar el acceso de los espectadores más jóvenes, las películas R generalmente tienen menos posibilidades de transformarse en fenómenos masivos en comparación con producciones aptas para todo público o con clasificación PG-13.

Aun así, la historia reciente demuestra que existen excepciones. Películas como Joker, Deadpool y La Pasión de Cristo lograron convertirse en enormes éxitos de taquilla pese a estar dirigidas a audiencias adultas.

El propio Nolan ya desafió esa lógica con Oppenheimer. La película biográfica recaudó cerca de $1.000 millones de dólares en todo el mundo, ganó el Oscar a Mejor Película y demostró que una producción para mayores de edad todavía puede transformarse en un evento cultural global.

Ahora, el director intentará repetir la hazaña con una propuesta todavía más ambiciosa al seguir la historia de Odiseo, interpretado por Matt Damon, en su largo viaje de regreso a Ítaca tras el fin de la Guerra de Troya. El elenco también incluye a Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Zendaya y Charlize Theron, entre otros nombres.

La gran incógnita es si una epopeya mitológica de gran presupuesto podrá atraer al público suficiente para justificar la mayor apuesta comercial de una película con clasificación R en la historia de Hollywood.

Es decir, mientras menos se piense en lo que ocurre en pantalla, mayores son las posibilidades de disfrutar una propuesta que constantemente privilegia el absurdo por sobre cualquier intento de coherencia.

Lo anterior se debe al hecho de que lamentablemente esta nueva entrega está muy lejos de jugar en la misma liga que las mejores sátiras cinematográficas. En lugar de construir una historia reconocible sobre la cual insertar situaciones ridículas, la película prefiere avanzar a punta de sketches, referencias y bromas dispersas que en general están desconectadas entre si.

Es decir, más que una comedia con una narrativa que se va deformando progresivamente, da la impresión de ser una colección de ideas lanzadas una tras otra sin demasiada preocupación por cómo encajan. Por supuesto, eso no significa que esta secuela no tenga un par de momentos graciosos, ya que cuando la película decide perder completamente la vergüenza y abrazar el mal gusto con entusiasmo, logra arrancar algunas carcajadas

En ese escenario, esta nueva Scary Movie incluye secuencias que funcionan precisamente porque los Wayans parecen recordar que la saga nació para ser ofensiva, ridícula y completamente desatada.

El problema es que esos aciertos aparecen de manera demasiado esporádica y nunca alcanzan el nivel de descontrol de la primera Scary Movie ni la precisión cómica que la franquicia encontró en la tercera entrega dirigida por David Zucker, uno de los responsables de clásicos como ¿Y dónde está el piloto? y ¿Y dónde está el policía?

Por eso mismo, intentar explicar la trama tampoco tiene demasiado sentido, principalmente porque la película parece muy poco interesada en tener una.

Obviamente existe un nuevo asesino con máscara de Ghostface y una nueva generación de jóvenes que termina convertida en su objetivo. También regresan personajes de las primeras películas, algunos vivos, otros que deberían estar muertos y otros cuya existencia simplemente contradice todo lo que ocurrió antes. Pero en el medio de todo eso no hay mucho más.

Basta decir que la secuela gira en torno a cómo las hijas de Cindy Campbell comienzan a ser perseguidas por el asesino mientras su madre abandona una absurda reclusión para reencontrarse con los viejos sobrevivientes de la saga. Y todos ellos continúan siendo exactamente tan exagerados, incompetentes y ridículos como los recordábamos hace más de dos décadas.

En esa línea, la película mantiene intacta la filosofía de burlarse de todo lo que encuentra a su paso. No importa si se trata de celebridades, franquicias de terror, fenómenos virales o incluso de la propia historia de Scary Movie.

De hecho, es precisamente cuando mira hacia sí misma que encuentra algunos de sus mejores momentos. Los Wayans aprovechan varias oportunidades para reírse de las secuelas que se realizaron sin ellos y de cómo la saga terminó transformándose en algo distinto después de que perdieron el control creativo.

Sin embargo, ese mismo enfoque también termina evidenciando las principales debilidades de la película. Muchas escenas funcionan como ocurrencias aisladas que nunca son desarrolladas más allá de su premisa inicial.

Por eso mismo, quizás lo más entretenido termina siendo todo aquello relacionado con el legado de la propia franquicia. Las constantes referencias a las secuelas que ignoraron a los Wayans funcionan mejor que gran parte de las parodias contemporáneas.

También ayuda que los personajes mantengan intactas sus características más reconocibles: Shorty sigue tan permanentemente drogado como siempre y Ray continúa siendo objeto de exactamente los mismos chistes gay que lo acompañan desde el año 2000.

Donde la película encuentra algo de estabilidad es en el regreso de Anna Faris y Regina Hall. Ambas demuestran una vez más que fueron el corazón de la saga desde el principio. Faris tiene una capacidad casi sobrenatural para interpretar las situaciones más estúpidas con absoluta seriedad, mientras Hall sigue extrayendo humor incluso de los diálogos más flojos. Cada vez que la película se concentra en ellas, el resultado mejora inmediatamente.

El problema es que esos momentos nunca terminan de construir algo más grande. A diferencia de las mejores entregas de la saga, esta nueva Scary Movie parece más preocupada de acumular referencias que de encontrar una mirada burlona sobre el cine de terror actual. Inevitablemente hay bromas sobre éxitos recientes, algunos golpes efectivos contra ciertas modas de Hollywood y un puñado de chistes maravillosamente imbéciles, pero también una sensación constante de que la película está persiguiendo tendencias en lugar de satirizarlas.

Por eso, aunque resulta agradable volver a ver reunidos a los responsables de las primeras películas y reencontrarse con los personajes, la sensación final es más nostálgica que entusiasta. Hay algunos momentos divertidos para justificar el regreso, pero no los suficientes para convertirlo en un verdadero regreso triunfal.

Quizás eso sea lo más decepcionante de todo. Después de tantos años de espera, uno esperaba una película capaz de recordarnos por qué Scary Movie logró revivir al cine de parodias. En cambio, lo que obtenemos es una secuela que ocasionalmente encuentra esa chispa irreverente del pasado, pero que la mayor parte del tiempo parece conformarse con hacer lo mínimo.

Scary Movie ya está en cines.

La producción debutará el próximo 15 de julio con el estreno de sus dos primeros capítulos. A partir de ahí, la plataforma lanzará un nuevo episodio cada semana hasta completar su emisión el 19 de agosto.

Basada en la novela homónima de Marissa Stapley, la historia sigue a Lucky, una estafadora profesional cuya vida cambia por completo cuando un millonario robo sale mal y la obliga a huir para mantenerse con vida.

Mientras intenta escapar de las consecuencias del atraco, la protagonista se convierte en objetivo tanto del FBI como de un peligroso jefe criminal, quedando atrapada entre dos amenazas que la persiguen por motivos distintos.

Vean el tráiler:

Además de Taylor-Joy, el elenco incluye a Annette Bening, Timothy Olyphant, Aunjanue Ellis-Taylor, Drew Starkey, Clifton Collins Jr. y William Fichtner.

En ese escenario, Lucky desde ya se perfila como una de las principales apuestas de Apple TV+ para el segundo semestre.

Konami confirmó que Silent Hill: Townfall llegará el próximo 24 de septiembre a PlayStation 5, Steam y Epic Games Store, marcando el regreso de la franquicia con una propuesta enfocada en la exploración, la tensión psicológica y el misterio.

El anuncio estuvo acompañado por un nuevo tráiler presentado durante la reciente edición de State of Play, instancia que permitió ver nuevos escenarios, fragmentos de jugabilidad y algunos de los horrores que esperan a los jugadores.

Desarrollado por el estudio escocés Screen Burn Interactive y copublicado por Annapurna Interactive junto a Konami, el juego trasladará la acción a St. Amelia, una isla azotada por el viento y envuelta por una inquietante capa de niebla.

La historia seguirá a Simon Ordell, un hombre que regresa a la isla tras ser llamado para “arreglar las cosas”. Sin embargo, al llegar se encontrará con una comunidad atrapada en el silencio y rodeada por fenómenos que parecen desafiar toda explicación racional.

Uno de los elementos más llamativos del nuevo adelanto es un pequeño televisor portátil CRTV que acompaña al protagonista durante su recorrido. A través de este dispositivo, Simon comienza a descubrir fragmentos de un pasado que lentamente vuelve a emerger.

Según lo mostrado en el tráiler, la exploración tendrá un papel central en la experiencia. A ello se sumarán secuencias de evasión marcadas por la tensión, enfrentamientos frenéticos y acertijos narrativos diseñados para revelar los secretos ocultos de la isla.

Junto con anunciar la fecha de lanzamiento, Konami también abrió las reservas de las ediciones estándar y deluxe.

Esta última incluirá un libro de arte digital, la banda sonora, un traje alternativo para Simon y acceso anticipado de 48 horas antes del lanzamiento oficial.

Las reservas además otorgarán contenido adicional como diseños especiales para el televisor CRTV, incluyendo una apariencia oxidada y otra inspirada en la playa que estará disponible exclusivamente para los jugadores de PlayStation 5.

El anuncio fue realizado durante Anime Expo, uno de los eventos más importantes de la industria que se desarrolla en Los Ángeles.

En ese marco, la compañía adelantó parte de las producciones que formarán parte de su programación futura.

Entre los títulos más destacados figura la tercera temporada de Los Diarios de la Boticaria, serie que se ha consolidado como uno de los mayores éxitos recientes del anime gracias a su combinación de misterio, drama y política ambientada en una corte imperial.

La plataforma también confirmó la segunda temporada de Gachiakuta, adaptación del manga de Kei Urana que rápidamente se transformó en una de las propuestas de acción y fantasía más comentadas de los últimos años.

A esas producciones se suman nuevas series como Firefly Wedding, Overgeared, I Became a Legend after My 10 Year-Long Last Stand, The Ogre’s Bride, The Villager of Level 999 y Victoria of Many Faces.

La lista también contempla el regreso de franquicias ya conocidas por los suscriptores. Entre ellas destacan las segundas temporadas de Saga of Tanya the Evil y Sasaki and Peeps, dos títulos que cuentan con una sólida base de seguidores dentro del catálogo de Crunchyroll.

Por otro lado, la compañía anunció la llegada de The Oblivious Saint Can’t Contain Her Power, ampliando su oferta de adaptaciones de novelas ligeras y fantasía, uno de los géneros que continúa dominando la producción de anime actual.

Además de estos anuncios, Crunchyroll confirmó que las series Goodbye, Lara y Tomb Raider King debutarán en la plataforma durante julio, ampliando aún más la oferta de estrenos para la temporada de verano del hemisferio norte.

Y en esa decisión, la película dirigida por Travis Knight (Kubo y la búsqueda samurái, Bumblebee) abraza lo extravagante, lo ridículo y lo artificioso para dar forma a una versión que parece extraída directamente de los sueños más delirantes de un fan de la serie original.

Por supuesto, la propuesta no es una recreación al pie de la letra. En el camino incorpora un tramo ambientado en la Tierra que rara vez funciona del todo, o al menos no hasta que el desenlace consigue darle un propósito para reforzar la figura del héroe.

Sin embargo, esta adaptación cinematográfica cuenta con diseños de personajes, un mundo fantástico e incluso un espíritu cómico que abraza los aspectos más juguetones de una serie de animación que, en el fondo, fue creada para vender juguetes.

La historia comienza en Eternia, un mundo donde la magia y la tecnología conviven para dar forma a un escenario plagado de criaturas extrañas, héroes con habilidades extraordinarias y villanos desalmados empeñados en expandir el caos. En ese contexto, la paz encabezada por el rey Randor llega a su fin tras un devastador ataque de las fuerzas de Skeletor, quien busca obtener la Espada de Poder para acceder a la energía cósmica que reside en la legendaria arma.

Sin embargo, la intervención de la hechicera Sorceress permite enviar tanto la espada como al joven y enclenque príncipe Adam hacia la Tierra: el mundo de origen de su madre, la reina Marlena, y el único lugar donde Skeletor jamás pensaría buscarlo.

Tras esa introducción, y sin demasiadas sorpresas, la historia impulsa a un Adam ya adulto a recuperar -de forma bastante ridícula- la Espada de Poder que perdió durante su llegada al planeta. Mientras trabaja en Recursos Humanos y nadie cree sus relatos sobre Eternia, su gran desafío termina siendo demostrar por qué es el elegido para poner fin al régimen de terror que Skeletor ha impuesto sobre su hogar durante más de quince años.

A partir de esa base, y sin desarrollar una narrativa particularmente profunda, la película apuesta constantemente por la entretención liviana y un tono cargado de humor, aunque sin olvidar una regla fundamental: jamás burlarse de aquello que representa la franquicia.

Por el contrario, abraza con convicción los aspectos más extraños y coloridos de este universo, permitiendo que la fantasía, la acción y el absurdo convivan sin que nada resulte fuera de lugar.

En esa ruta, uno de los mayores aciertos de la película es el propio viaje de Adam gracias al trabajo de Nicholas Galitzine. El actor logra validar el recorrido del héroe para que He-Man termine sintiéndose como la encarnación de un ideal heroico más que como un simple hombre musculoso con una espada mágica.

Lo mismo ocurre con Skeletor, quien conserva el espíritu de villano caricaturesco y extravagante de la serie animada, pero sin perder la crueldad necesaria para que sus esbirros le teman -aunque esos momentos son muy graciosos- y también pueda convertirse en una amenaza real cuando la película lo requiere.

Aunque hay varios elementos que no terminan de funcionar del todo, tanto las secuencias de acción como la construcción del mundo terminan impulsando una aventura que consigue justificar su propia existencia, dar credibilidad a su entorno y poblar la historia de personajes secundarios que cumplen exactamente el rol que deben cumplir: ser figuras de acción tan llamativas que uno entiende perfectamente por qué esta franquicia nació para vender juguetes.

Pero en eso también existe encanto. Aunque la película recurre constantemente a ideas que el cine fantástico y las historias de héroes han utilizado hasta el cansancio como el tema del elegido, la búsqueda del destino, la lucha contra el tirano o la necesidad de creer en uno mismo, igual consigue ejecutarlas con suficiente convicción y carisma como para que funcionen una vez más.

No porque reinvente esas fórmulas, sino porque entiende perfectamente qué tipo de aventura quiere ser y jamás intenta disfrazarse de algo más complejo o trascendente.

Esa misma honestidad también se refleja en la forma en que abraza el legado de la serie animada de los años ochenta. Lejos de avergonzarse de sus raíces, la película las celebra constantemente a través de personajes reconocibles, frases que los fanáticos identificarán de inmediato y una representación de Eternia que incorpora desde sus elementos más clásicos hasta algunos de los aspectos más extraños y absurdos de la mitología.

El resultado termina sintiéndose como una verdadera carta de amor a una franquicia que durante décadas fue considerada demasiado extravagante para una adaptación moderna, pero que aquí encuentra precisamente en esa extravagancia su principal fortaleza.

Lo anterior se extiende al trabajo musical. La banda sonora incorpora canciones ampliamente reconocibles que encajan sorprendentemente bien dentro de la propuesta, desde el clásico “Boys Don’t Cry” de The Cure hasta “What’s Up?” de Four Non Blondes, una elección muy celebrada al considerar su vínculo con uno de los memes más populares asociados a He-Man.

A eso se suma “Princes of the Universe” de Queen, una canción inseparable de Highlander -franquicia que incluso recibe una referencia dentro de la película- pero que termina integrándose de forma natural a la épica de esta aventura. Y, aun así, el largometraje no depende únicamente de esas selecciones musicales. El trabajo del compositor Daniel Pemberton resulta sobresaliente durante toda la película y encuentra su punto más alto en “Eternia”, un tema épico y de ritmo pegajoso que además cuenta con la inconfundible guitarra de Brian May.

Solo basta agregar que lo más satisfactorio de la película es que entiende algo que muchas adaptaciones modernas olvidan: He-Man no necesita ser transformado en una figura sombría, torturada o excesivamente seria para funcionar.

Su esencia siempre estuvo ligada a la fantasía desbordada, lo cómico de su propia plasticidad, el heroísmo sin complejos y a la idea de que un joven aparentemente común puede convertirse en el hombre más poderoso del universo. La película comprende esa premisa y la celebra sin ironías, permitiendo que He-Man vuelva a sentirse como el ícono que marcó a toda una generación.

Por eso resulta tan positivo que esta nueva adaptación de Los Amos del Universo no sea la película oscura y grandilocuente que algunos imaginaron durante años, ni tampoco la que muchos esperaban tras la elogiada serie animada de Kevin Smith. Es decir, realmente creo que termina siendo algo más valioso: una producción que entiende exactamente qué hace especial a esta franquicia.

Con humor, acción, monstruos, magia, tecnología imposible y una enorme dosis de sinceridad, la película consigue que Eternia vuelva a sentirse como un lugar fascinante. Y en tiempos donde tantas adaptaciones parecen avergonzarse de aquello que las hizo populares, resulta refrescante encontrarse con una que simplemente levanta la Espada de Poder y proclama con orgullo: “¡Yo tengo el poder!“.

Amos del Universo llegará a los cines este 4 de junio.

A grandes rasgos, el foco de la serie está en la historia de Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera que comienza a cuestionar las verdades impuestas dentro de una gigantesca comunidad subterránea que cree ser el último refugio de la humanidad.

En esa línea, uno de los mayores enigmas de la serie siempre ha sido el destino del mundo exterior y las razones que obligaron a miles de personas a vivir aisladas bajo tierra durante generaciones.

Claro que el final de la segunda temporada comenzó a ofrecer pistas importantes al introducir una historia ambientada en el pasado, donde una periodista investiga información relacionada con un supuesto ataque mediante armas radiológicas.

Por eso mismo el nuevo adelanto deja claro que esa línea temporal tendrá un papel mucho más relevante en los próximos episodios. De hecho, el lema promocional de la temporada es “la verdad está en el pasado”.

El tráiler también confirma que Juliette sobrevivió a los dramáticos acontecimientos que cerraron la segunda entrega. Sin embargo, la protagonista parece haber perdido sus recuerdos y todo apunta a que podría estar siendo manipulada.

Además de nuevas referencias a misteriosas pastillas y advertencias ocultas, las imágenes muestran la posible activación del denominado “procedimiento de resguardo”, un sistema diseñado para eliminar a todos los habitantes de un silo en caso de emergencia.

Vean el tráiler a continuación.

La tercera temporada de Silo se estrenará el próximo 3 de julio.

La serie ya tiene asegurada una cuarta y última entrega, que pondrá fin a la adaptación de la saga literaria.

El director de clásicos como Taxi Driver, Buenos Muchachos y Toro Salvaje confirmó que utilizó tecnología desarrollada por la empresa Black Forest Labs durante la etapa de preproducción de una de sus películas.

La revelación llegó a través de un video y declaraciones entregadas a The New York Times, donde también se informó que el cineasta participa como inversionista y asesor de la compañía desde hace aproximadamente un año.

“Estoy interesado en la intersección entre la tecnología y la narración, y en cómo eso puede ampliar los límites de la creatividad para crear experiencias más profundas y ricas para el público”, afirmó Scorsese.

Sin embargo, el realizador aclaró que el uso de la inteligencia artificial estuvo lejos de reemplazar labores creativas fundamentales. Según explicó, la herramienta fue utilizada principalmente para generar storyboards y comunicar de mejor manera sus ideas al resto del equipo de producción.

“Durante 70 años he creado mis propios storyboards. Siempre ha existido el problema de cómo comunicar lo que ves en tu cabeza al elenco y al equipo”, señaló el director, destacando que la tecnología le permitió compartir sus visualizaciones de forma más rápida y eficiente.

Scorsese agregó que recientemente probó el sistema en una secuencia específica y que la posibilidad de generar imágenes de referencia de manera inmediata resultó liberadora desde el punto de vista creativo, además de optimizar tiempos durante la preproducción.

Aunque no se ha confirmado qué proyecto utilizó estas herramientas, bien podría tratarse de What Happens at Night, su nueva película protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence.

La posibilidad volvió a cobrar fuerza luego de que resurgiera una entrevista concedida por Kyle Eastwood, hijo del actor y reconocido músico de jazz.

Durante la conversación hace algunos meses con un medio francés, y que recién ahora causa más revuelo, Kyle se refirió a la extensa trayectoria compartida con su padre y dejó entrever que el veterano realizador ya se encuentra retirado de la actividad cinematográfica.

“Ahora está retirado, tiene 95 años. Pero he tenido mucha suerte de poder trabajar con él en muchas películas. Fue una gran experiencia para mí”, señaló el músico.

Lo anterior sería la confirmación oficial de que Eastwood no tendría planes de regresar detrás de cámaras tras su último largometraje.

Una leyenda viviente

A lo largo de más de cinco décadas como director, Eastwood construyó una de las filmografías más influyentes de Hollywood, con títulos como Imperdonables, Río Místico, Million Dollar Baby, American Sniper, Sully y Gran Torino.

Tras varios décadas trabajando como actor, que lo convirtieron en un ícono del western, su debut como realizador se produjo en 1971 precisamente con el thriller psicológico Play Misty for Me.

A partir de ahí inició una carrera que se extendió por 40 películas y que lo convirtió en una de las figuras más respetadas de la industria cinematográfica.

Consideren que otro detalle que venía alimentando aún más las especulaciones fue el hecho de que Eastwood prácticamente no participó en la promoción de Juror #2, película que tuvo un lanzamiento discreto en su estreno limitado en cines de Estados Unidos, pues terminó llegando rápidamente al streaming.

Además, lo otro no menor es que su última aparición como actor fue en Cry Macho de 2021, lo que refuerza la sensación de que una de las carreras más extraordinarias del cine ya habría llegado a su punto final.

La historia de esta película comienza cuando un peligroso experimento militar logra escapar de una base secreta, desatando una gigantesca operación de búsqueda para intentar contener una amenaza que rápidamente se sale de control.

Mientras un grupo de mercenarios de élite intenta detener a los fugitivos, una exfrancotiradora interpretada por Adria Arjona se convierte en uno de los principales objetivos de la persecución.

En ese contexto, la mujer no solo deberá proteger a sus seres queridos, sino también sobrevivir al ataque de supersoldados altamente avanzados, diseñados específicamente para matar y operar con una eficacia devastadora.

Y ante una amenaza prácticamente imposible de detener, la exmilitar se verá obligada a recurrir a todas sus habilidades de combate para enfrentar a enemigos que superan ampliamente las capacidades humanas convencionales.

Según adelanta el primer avance, la película apostará por intensas secuencias de acción cuerpo a cuerpo, persecuciones y enfrentamientos marcados por una fuerte dosis de violencia y adrenalina.

Vean el tráiler a continuación.

El reparto incluye además a Drew Starkey, Rebecca Hall, Reginald VelJohnson, Michael Biehn, Eric Wareheim, Alex Pereira y Dan Stevens, actor que vuelve a colaborar con Wingard tras su participación en proyectos anteriores.

Onslaught llegará a los cines el próximo 4 de septiembre.

La historia sigue a un grupo de ladrones de bancos que utiliza las redes sociales para transmitir y amplificar la notoriedad de sus atracos, convirtiendo cada golpe en un fenómeno viral.

Sin embargo, la creciente fama del grupo también atrae la atención de las autoridades. Un experimentado agente del FBI y una brillante ingeniera informática comienzan a seguir sus pasos para intentar detenerlos.

El elenco principal está encabezado por Nicholas Hoult, Anna Sawai, Rhenzy Feliz y Pete Davidson, quienes interpretan a los integrantes de la banda criminal que desafía constantemente los límites de la ley.

Por otro lado, John C. Reilly encarna al agente federal encargado de la investigación, mientras que Zoë Kravitz da vida a la especialista tecnológica que colabora en la persecución.

La producción también cuenta con la participación de Christian Slater, quien interpreta al gerente de una entidad bancaria que se transforma en uno de los principales objetivos de los delincuentes.

Más allá de las secuencias de acción y los espectaculares robos, el avance deja entrever que la película buscará abordar temas relacionados con la economía global, la cultura digital y la obsesión contemporánea por la fama en internet.

Vean el tráiler a continuación.

Cómo Robar un Banco llegará a los cines el próximo 4 de septiembre en Estados Unidos.

La artista confirmó que la canción estará disponible en plataformas digitales desde el próximo 5 de junio, mientras que la película llegará a los cines chilenos el 18 del mismo mes.

El sencillo fue escrito y producido por Swift junto a Jack Antonoff, uno de sus colaboradores más habituales durante los últimos años.

Además de formar parte de la banda sonora oficial de la película, la canción tendrá versiones alternativas acústica y de piano que serán distribuidas en ediciones especiales en formato CD.

Según la información entregada por la producción, "I Knew It, I Knew You" está inspirada en Jessie, la vaquera introducida en Toy Story 2 y uno de los personajes más populares de la saga.

El director y guionista Andrew Stanton explicó que la canción fue concebida específicamente para acompañar la historia del personaje dentro de la nueva película.

“Es increíble lo significativo que ha sido contar con Taylor para escribir e interpretar esta canción. Su conexión con Jessie y la forma inmediata en que entendió lo que el personaje estaba atravesando fue innegable”, señaló Stanton.

En esta nueva aventura, Woody, Buzz Lightyear, Jessie y el resto de los

juguetes enfrentarán un desafío distinto cuando una tableta llamada Lilypad llegue a la vida de Bonnie y cambie la forma en que la niña se relaciona con el juego.

Toy Story 5 contará nuevamente con la dirección de Andrew Stanton, la música de Randy Newman y las voces de Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack en inglés.

La película se estrenará exclusivamente en cines el próximo 18 de junio.

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La producción marcará el regreso de la saga tras años de intentos fallidos por concretar una nueva adaptación para la gran pantalla.

La película original, dirigida por John Carpenter, presentó a Snake Plissken, un exsoldado convertido en forajido que debía infiltrarse en una gigantesca prisión construida sobre Manhattan para rescatar al presidente de Estados Unidos.

Snake fue interpretado por Kurt Russell y terminó convirtiéndose en un personaje de culto gracias a su parche en el ojo, su actitud desafiante y su estética postapocalíptica.

Aunque los detalles de la nueva historia se mantienen bajo reserva, diversos reportes señalan que Snyder busca una version más cruda y cercana a la película original, apostando por efectos prácticos y locaciones reales.

En esa línea, la intención sería alejarse del estilo visual más estilizado que ha caracterizado a gran parte de sus obras y acercarse a la propuesta que mostró en su debut cinematográfico con el remake de Dawn of the Dead.

El proyecto será producido por The Picture Company junto a StudioCanal, empresa que controla los derechos de la franquicia junto a Carpenter, quien además participará como productor ejecutivo.

Durante años, distintos directores estuvieron vinculados a posibles remakes de la película, incluyendo a Robert Rodriguez, Leigh Whannell, Len Wiseman y el colectivo Radio Silence, aunque ninguna de esas

versiones logró avanzar.

La nueva adaptación llega en un momento particular para Snyder, quien actualmente trabaja en la postproducción de The Last Photograph, un drama independiente ambientado en Sudamérica. Mientras tanto, StudioCanal busca convertir nuevamente a Escape from New York en una franquicia cinematográfica relevante para las nuevas generaciones.

La producción de A24 recaudó más de $81 millones dólares en su estreno norteamericano, cifra que la transformó en la apertura más grande en la historia de la distribuidora independiente.

A nivel global, la película alcanzó $118 millones dólares durante sus primeros días en cartelera, consolidándose además como uno de los estrenos de terror más exitosos del año.

El impacto también se trasladó a Latinoamérica, donde la producción lideró la taquilla impulsada por la popularidad que la historia ya tenía entre las generaciones más jóvenes.

En Chile, la película superó los 100 mil espectadores durante su primer fin de semana, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más destacados del año para una producción independiente.

Backrooms, un éxito viral

La película es dirigida por Kane Parsons, cineasta de apenas 20 años que anteriormente alcanzó notoriedad gracias a una serie de cortometrajes publicados en YouTube inspirados en el universo de Backrooms.

Con los resultados que la película consiguió en su primer fin de semana, Parsons ya se convirtió en el director más joven en alcanzar el número uno de la taquilla estadounidense.

Consideren que la película está protagonizada por Renate Reinsve y Chiwetel Ejiofor, quienes son el foco de una historia basada en una popular leyenda urbana de internet.

Y es que el concepto de Backrooms surgió en 2019 a partir de una imagen publicada en foros online y posteriormente evolucionó hasta convertirse en una de las creepypastas más conocidas de la cultura digital, acumulando cientos de millones de reproducciones en videos y relatos creados por la comunidad.

La sexta entrega de la saga presentó su tráiler final de cara a su estreno programado para esta semana.

A grandes rasgos, la película marcará el retorno de una de las series de comedia más exitosas de los años 2000, conocida por parodiar grandes éxitos del cine de terror y la cultura popular.

La gracia es que este nuevo proyecto cuenta nuevamente con la participación de los hermanos Wayans, responsables creativos de las primeras entregas y figuras fundamentales en el éxito inicial de la franquicia.

Vean el nuevo tráiler a continuación, que aborda una parodia a Get Out.

Marlon Wayans y Shawn Wayans escribieron el guion de esta secuela junto a Rick Alvarez, quien ha sido un colaborador habitual de la familia en producciones como ¿Y dónde están las rubias?, Little Man y Scary Movie 2.

En tanto, la dirección quedó en manos de Michael Tiddes, cineasta que anteriormente trabajó con los Wayans en películas como A Haunted House y Fifty Shades of Black.

Entre las principales novedades destaca también el regreso de Anna Faris y Regina Hall, quienes retomarán sus icónicos papeles de Cindy Campbell y Brenda Meeks.

La producción también recuperará a varios actores de entregas anteriores, incluyendo a los propios Marlon y Shawn Wayans, junto a Lochlyn Monroe, Dave Sheridan, Cheri Oteri, Chris Elliott y Jon Abrahams.

La nueva Scary Movie 6 llegará a los cines chilenos el próximo 4 de junio.

Y todo indica que su secuela, Man of Tomorrow, seguirá el mismo camino e inclusive podría ser aún más comiquera.

Basta con ver la nueva imagen revelada por el director a través de redes sociales, en la cual presenta al Lex Luthor interpretado por Nicholas Hoult con la clásica armadura de combate.

Dicha armadura, que surgió en la serie animada de Los Superamigos y luego fue incluida en los cómics, ganando mayor importancia durante este siglo, anticipa desde ya que Luthor entrará en acción física una vez que tenga que hacer equipo con Superman para enfrentar la amenaza extraterrestre de Brainiac.

Vean la imagen a continuación.

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Man of Tomorrow llegará a los cines en julio de 2027 y será parte del nuevo universo expandido DC, que hasta ese punto solo incluirá películas ligadas al hombre de acero (La otra será Supergirl).

Además del retorno de gran parte de los actores de la película anterior, la secuela estará marcada por la inclusión de Lars Eidinger como Brainiac, que aquí será -como en la serie animada de Superman en los noventas- un androide extraterrestre superinteligente que evoluciona constantemente.

En tanto, también incluirá a otros personajes del universo DC, incluyendo a John Stewart, el Green Lantern que debutará en la serie de HBO que se estrenará este año.

Man of Tomorrow llegará a los cines chilenos el 8 de julio de 2027.

Con un estreno programado para agosto, la película está dirigida por David Robert Mitchell, cineasta conocido por títulos como It Follows y Under the Silver Lake, quien esta vez apuesta por una historia de supervivencia con elementos fantásticos y dinosaurios.

La trama se desarrolla en la calle Oak, un tranquilo barrio suburbano que ve su realidad completamente alterada tras un misterioso evento cósmico.

A raíz del fenómeno, todo el vecindario es transportado a un lugar desconocido y separado del mundo tal como lo conocen.

En medio de ese escenario, en donde toda tecnología no funciona por la falta de luz eléctrica, la familia Platt deberá permanecer unida para intentar sobrevivir mientras descubre qué ocurrió y cómo regresar.

El problema es que al lugar al que fueron transportados incluyen dinosaurios, por lo que el tranquilo suburbio es transformado en un territorio hostil e impredecible.

Vean el tráiler a continuación.

La producción cuenta con un elenco encabezado por Anne Hathaway y Ewan McGregor, acompañados por Maisy Stella, Christian Convery, Jordan Alexa Davis y P. J. Byrne.

Detrás del proyecto también figura J.J. Abrams a través de su productora Bad Robot, compañía responsable de producciones como Star Wars: The Force Awakens y Lost.

El final de la Calle Oak llegará a los cines el próximo 13 de agosto.

La sorpresa obviamente es mayor porque ambas producciones originales, realizadas con presupuestos acotados, lograron imponerse ante un regreso de Star Wars que prometía dominar la pantalla grande a siete años del Episodio 9, El Ascenso de Skywalker.

En primer lugar, Backrooms, de A24, consiguió el mayor estreno en la historia del estudio - con más de $80 millones de dólares- y también marcó un récord para una película de terror original en su debut.

Además, su director, Kane Parsons, tiene solo 20 años y con este lanzamiento pasó de crear videos en YouTube a encabezar la taquilla cinematográfica.

Obsesión, de Curry Barker, también mantuvo un rendimiento inusual. La película aumentó sus ventas por tercer fin de semana consecutivo pese a competir con otro fenómeno del mismo género.

Esa película de terror pasó de $17,1 millones de dólares en su estreno a $23,9 millones de dólares en su segunda semana y luego a $26,4 millones de dólares durante el último fin de semana.

Con ese desempeño, Obsesión ya superó los $100 millones de dólares solo en Estados Unidos y se convirtió en el mayor lanzamiento de Focus Features.

En contraste, The Mandalorian and Grogu recaudó alrededor de $25 millones de dólares en su segundo fin de semana y cayó al tercer lugar, marcando una gran declive en su desempeño en la recaudación.

De hecho, esta nueva película de Star Wars tuvo una baja porcentual mayor que Solo: A Star Wars Story y podría quedar como el estreno menos taquillero de Disney dentro de la saga.

Todo estos resultados golpean una idea instalada en Hollywood desde la pandemia: que solo las grandes franquicias podían convocar público masivo a las salas.

Y es que, esta vez, el evento cinematográfico no vino de una marca conocida, sino de dos películas de terror originales que conectaron con audiencias jóvenes. Todo esto mientras Star Wars enfrenta señales cada vez más difíciles de ignorar.

De partida, Gunn explicó por qué Superman y Brainiac no logran entenderse, anticipando una tensión que iría más allá de la clásica pelea entre héroe y villano.

“Brainiac es lo que ocurre cuando la inteligencia pierde TODA conexión con la humanidad. Y Superman es tan humano como cualquiera, así que… entiendo por qué tienen conflicto”, escribió Gunn en X.

El comentario fue realizado a propósito del aniversario del debut de Brainiac en Action Comics #242, una de las apariciones más importantes del villano en la mitología de DC.

En ese contexto, Gunn aclaró además que no adaptará directamente la saga de Panico en el Cielo, historia en la que Brainiac cumple un rol central dentro de los cómics. “Es un historia entretenida, pero en realidad no”, dijo Gunn sobre esa posible influencia. Luego agregó que leyó “casi todas las historias de Brainiac” para construir su versión.

El director también explicó que tomó “fragmentos y piezas” de distintas etapas del personaje.

Por otro lado, la idea también conecta con el cierre de Superman, donde el personaje interpretado por David Corenswet defiende ante Lex Luthor su propia humanidad.

De ahí que Man of Tomorrow podría retomar ese tema como eje central: qué significa ser humano cuando se enfrenta a una inteligencia fría, superior y desconectada.

La película también tendrá un giro particular, ya que Superman y Lex Luthor deberán unir fuerzas contra Brainiac, pese a su histórica rivalidad.

En la película, David Corenswet volverá como Superman, mientras que Nicholas Hoult retomará el papel de Lex Luthor. Lars Eidinger interpretará a Brainiac. El elenco también incluirá a Rachel Brosnahan como Lois Lane, Milly Alcock como Kara Zor-El y Aaron Pierre como Jon Stewart.

Man of Tomorrow tiene programado su estreno para el 8 de julio de 2027.

La producción logró superar los 100 mil espectadores en salas chilenas, una cifra poco habitual para una película nacional independiente y que la consolidó como uno de los títulos más comentados del último año. De hecho, nosotros la catalogamos como un longametraje que es una obra maestra.

La historia se sitúa en San Carlos, comuna de la Región de Ñuble cuyos habitantes quedan indignados luego de que la vecina ciudad de Chillán obtiene el reconocimiento a la mejor longaniza de Chile. Frente a lo que consideran una injusticia, un grupo de vecinos inicia una cruzada -bajo el grito de que la longaniza es sancarlina- para conseguir una denominación de origen oficial que permita recuperar el prestigio de su tradicional producto.

A partir de esa premisa, la película desarrolla una mezcla de documental y ficción que utiliza “los paisajes de la zona, las texturas culturales y la atmósfera social para retratar con humor y humanidad las tensiones, contradicciones y aspiraciones que surgen en un entorno donde todos se conocen y cada logro -o fracaso- se multiplica en el boca a boca del pueblo”.

El longametraje fue filmado íntegramente en el sur del país y cuenta con un elenco compuesto por actores no profesionales, entre ellos Luisa Marabolí, Exequías Inostroza, Roberto Betancourt y Alexis Marín.

Denominación de origen llega al streaming

La llegada a Mubi permitirá que la película amplíe considerablemente su alcance luego de su recorrido por salas de cine y festivales. El estreno en la plataforma está previsto para algún momento de este año en toda la región.

“Que Mubi lleve Denominación de Origen a su plataforma es muy significativo para nosotros. No solo porque permite que la película siga viviendo más allá de su recorrido por cines y festivales, sino también porque la acerca a nuevas audiencias en Latinoamérica a través de una plataforma con una mirada cinematográfica muy atractiva”, señaló Alzamora a Variety.

El director también destacó la posibilidad de que una historia profundamente arraigada en la realidad chilena pueda conectar con espectadores de otros países.

“También siento que hay algo muy bonito en que una película tan local, tan ligada a personajes rurales y a una identidad chilena muy específica, pueda conectar con audiencias de distintos países. Al final del día, en toda Latinoamérica compartimos muchas contradicciones, sentidos del humor y formas de salir adelante”, agregó.

Tengan en cuenta que Denominación de Origen consigue que una cruzada aparentemente absurda por una longaniza termine transformándose en un relato sobre comunidades que luchan por no quedar relegadas al margen. Ahí radica buena parte de la fuerza de una película que encuentra en lo local una puerta para hablar de experiencias mucho más amplias.

Y ahora, con su llegada a Mubi, la producción de Tomás Alzamora tendrá la oportunidad de extender ese alcance más allá de las salas chilenas. Una nueva etapa para una película que encontró en la defensa de una identidad regional una historia capaz de resonar mucho más allá de la región del Ñuble.

La nueva entrega debutará el próximo 21 de junio a las 21:00 horas a través de HBO y HBO Max. La temporada estará compuesta por ocho episodios que serán estrenados semanalmente y cuya emisión concluirá el 9 de agosto.

La serie está basada en Fuego y Sangre, la novela de George R.R. Martin que relata la historia de la Casa Targaryen dos siglos antes de los eventos mostrados en Juego de Tronos, enfocándose en una gran Guerra Civil que marca el comienzo del fin de esa dinastía.

En ese escenario, el avance anticipa una nueva etapa del conflicto que divide a la familia gobernante de Westeros, profundizando el enfrentamiento entre las facciones que disputan el control del Trono de Hierro.

Vean el tráiler a continuación.

El avance presenta algunos momentos de la Batalla del Gaznate, uno de los enfrentamientos más importantes y sangrientos del universo de Juego de Tronos.

En dicho conflicto, ambos bandos se enfrentan en una batalla naval que incluye dragones y, por supuesto, muertes por doquier.

La tercera temporada contará nuevamente con las actuaciones de Matt Smith, Emma D’Arcy y Olivia Cooke, quienes encabezan un elenco que también incluye a Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell y Tom Glynn-Carney, entre otros.

La producción sigue siendo liderada por Ryan Condal como cocreador, showrunner y productor ejecutivo. George R.R. Martin también continúa vinculado al proyecto como cocreador y productor ejecutivo.

A través de una narrativa metatextual en la que un afamado director intenta dar forma al guion de su próximo proyecto, Amarga Navidad explora los anhelos, bloqueos y, por supuesto, vacíos de los autores que no logran encontrar la inspiración.

En ese camino, y respaldado por un elenco que trabaja a primerísimo nivel, Almodóvar concreta una película elegante que una vez más lo reafirma como un autor que maneja a la perfección la narrativa, el subtexto y las ideas que quiere explorar.

Pero bajo ese velo también existe una mirada mordaz sobre el vampirismo autoral: el proceso mediante el cual un creador se nutre de las vivencias ajenas para alimentar una obra con una vida que él mismo es incapaz de experimentar de la misma forma.

Con lo anterior en cuenta, Amarga Navidad se enfoca en Elsa (Bárbara Lennie), quien encuentra refugio en el trabajo tras la solitaria muerte de su madre, algo que pasó hace más de un año.

Convertida en una reconocida directora de publicidad, ella intenta mantener el control de su vida a través de una rutina laboral inagotable, aunque esa aparente fortaleza no es más que una forma de escapar de un duelo que nunca termina de procesar. Y es ahí donde una crisis de pánico la obliga a replantearse el rumbo de su vida.

Claro que la historia de Elsa es también la historia de Raúl (Leonardo Sbaraglia), un célebre cineasta atrapado en un bloqueo creativo que funciona como un evidente alter ego del propio Pedro Almodóvar.

En ese contexto, y en medio del fin de su nexo laboral con su productora de siempre (Aitana Sánchez-Gijón), el director ficticio crea a una directora ficticia que termina reflejando sus propias obsesiones y conflictos. Todo lo anterior es un juego de espejos en el que un director imagina a una directora, mientras intenta transformar las experiencias de quienes lo rodean en la materia prima de su próxima película.

A medida que ambos relatos avanzan, Almodóvar construye un juego de espejos entre autor y personaje, realidad y ficción, para indagar en cuánto de la vida propia y ajena puede ser utilizado en nombre de la creación artística.

Más allá del atractivo telón cinematográfica que logra armar el director, con encuadres precisos y un gran trabajo técnico, uno de los puntos más llamativos de Amarga Navidad está en el retrato de una construcción viva que cambia constantemente y que, a la vez, refleja los procesos que dan forma a la construcción artística.

En un comienzo, por ejemplo, la pareja de Elsa ocupa un lugar clave en el relato, reflejando elementos de la propia vida de Raúl. Sin embargo, a medida que el cineasta avanza en la escritura, la realidad de esa ficción comienza a modificarse, cambiando focos, emociones e incluso relaciones.

Todo se entrelaza y difumina bajo la fijación obstinada de una búsqueda autoral que parece no conducir a ninguna parte hasta llegar a un momento de iluminación.

En todo ese trabajo, Amarga Navidad se convierte en una fascinante reflexión sobre cómo las historias cambian mientras son contadas y sobre la imposibilidad de separar al autor de su obra.

Al mismo tiempo, el director español explora la forma en que la realidad termina siendo absorbida, reinterpretada y transformada por la ficción, en una película que encuentra buena parte de su fuerza precisamente en ese permanente juego de espejos entre la vida y la creación artística, como si fuese el reflejo de un Almodóvar que se exorciza a sí mismo para desnudar los impulsos emocionales y creativos que dan forma a su trabajo.

Y aunque Amarga Navidad nunca abandona la elegancia formal que caracteriza al cine de su reconocido autor, lo más llamativo es que detrás de cada giro narrativo, cada reflexión sobre la ficción y cada personaje parece existir una pregunta profundamente personal sobre el acto de crear.

De ahí que la película termine funcionando no solo como una exploración sobre los límites entre la vida y el arte, sino también como el retrato de un autor que, después de décadas contando historias de forma brillante, aún parece intentar comprender por qué necesita seguir haciéndolo. Y la vorágine que se acerca a la respuesta, claramente está atrapada entre la cabeza y el corazón.

Amarga Navidad ya se encuentra en cines.