“El amor no es amor si cambia al encontrar cambios, o si se doblega ante quien lo destruye”, señalaba William Shakespeare en el soneto 116. Esa afirmación Zito la plasma en este proyecto de 17 canciones junto a varios camaradas, en el que se hace oda al andar y a los acompañantes de este camino.

“Hay otros discos y colaboraciones que muestran distintas etapas mías, pero Amor & Lealtad es la columna vertebral de mi carrera. Es donde está mi esencia más real. Cada entrega representa una versión distinta de mí: el hambre, la guerra mental, el crecimiento y ahora la visión”, pone en claro el inquieto músico nacional.

Además, este paria del hip hop chileno se acompaña de otras ovejas negras de la escena como Ceaese, Douglass, $lum, Discan, Enzo Desgracia, entre muchos otros. En una propuesta que podría espantar al hiphopero más conservador por sus ritmos y líricas.

-Bueno, sacaste otros proyectos, pero Amor & Lealtad es esta historia principal, ¿o no?

-Para mí este concepto también tiene mucho que ver con el amor al proceso y la lealtad a tu visión. Son ideas que nacen de mi experiencia, de entender que uno tiene que ser fiel a sí mismo incluso cuando todo alrededor cambia. Amor & Lealtad no es solamente un nombre, es una forma de caminar: respetar a tus amigos, respetar la calle, aprender de la tristeza y seguir avanzando sin traicionarte.

Quiero que los niños escuchen rap y se queden con eso. Que entiendan que el proceso también vale, que tener visión te puede llevar lejos y que crecer en comunidad siempre te hace más fuerte. Siento que este disco resume quién soy hoy.

-Está ambicioso: harto nombre potente y 17 temas.

-Sí, y eso fue intencional. Quería hacer un álbum grande, de verdad. No un proyecto rápido para llenar plataformas. Hay mucho trabajo detrás, mucha curaduría en los feats, en los beats, en la narrativa y en la energía de cada track.

También quería juntar distintas piezas importantes del rap chileno en un mismo universo. Que se sintiera como un movimiento, donde no existan diferencias entre vieja o nueva escuela, porque al final tenemos más cosas en común: el amor al hip hop. Quería que se sintiera como algo colectivo, no solamente como ‘el disco de Zito’.

-¿Y cuál es el concepto de Amor & Lealtad?

-El concepto nace de dos palabras que para mí pesan más que cualquier otra cosa. El amor es lo que construye, y la lealtad es lo que sostiene cuando todo se cae. Pero también lo veo como amor al proceso y lealtad a tu visión. Para mí representa mantenerse firme en lo que uno cree, aunque el camino sea difícil. Ser fiel a ti mismo, cuidar tus códigos, valorar a la gente real y entender que incluso la tristeza y los momentos duros forman parte del crecimiento.

También hay una crítica social importante dentro del disco. Desde chico siempre vi cosas que nunca me hicieron sentido: que la educación tenga precio, que el agua tenga dueño, que vivir muchas veces signifique trabajar toda la vida para construirle el sueño a alguien más mientras uno deja el propio de lado. Siento que muchas veces el sistema no está diseñado para enseñarnos a descubrir quiénes somos realmente, sino para convertirnos en piezas funcionales dentro de una estructura donde sobrevivir termina siendo más importante que vivir.

Y ahí nace mucho el concepto de Amor & Lealtad. Porque para mí el amor es aprender a valorarte, confiar en ti y entender tu propósito. Y la lealtad es mantenerte firme en eso aunque el entorno te quiera moldear o quebrar. Este disco también habla de ir en contra de un sistema que muchas veces está equivocado, recuperar la identidad propia y entender que cuando uno aprende a amarse y ser leal consigo mismo, también empieza a cuidar mejor a su gente y a su comunidad.

-También háblame de la producción y los beats.

-La producción está muy trabajada. Quise que el sonido tuviera identidad cinematográfica y callejera al mismo tiempo. Hay beats oscuros, energéticos, atmósferas densas, samples emocionales y también temas más agresivos para pegar fuerte en vivo.

Cada instrumental fue elegido para transmitir algo específico. No quería canciones genéricas. Incluso los detalles pequeños —intros, efectos, ambientes— ayudan a construir el universo del disco. Siento que musicalmente es el proyecto más sólido que he hecho hasta ahora.

-¿También te toma en un momento donde estás pleno?

-Sí, y eso cambia todo. Antes muchas canciones venían desde el caos. Ahora sigo teniendo hambre, pero tengo más claridad mental. Estoy más enfocado en construir, en mi disciplina, en mi visión artística y en el futuro. Creo que este disco me encuentra mucho más consciente de quién soy y de hacia dónde quiero llevar mi carrera.

-¿Qué se viene?

-Se vienen muchas cosas. Quiero seguir expandiendo este universo, llevar el disco a distintos escenarios y seguir conectando con la gente de una manera más real. También vienen videoclips, colaboraciones y proyectos que van a mostrar otra etapa de mi carrera.

También queremos cerrar el ciclo del álbum con un evento grande, donde podamos unir al rap chileno de la nueva escuela y ponerle la guinda a la torta con el show en vivo de Amor & Lealtad 3. Quiero que Amor & Lealtad 3 no se sienta solo como un lanzamiento, sino como un momento para el rap chileno. Esto recién está empezando.

La compañía confirmó que el juego será lanzado durante la primavera de 2027 y que llegará simultáneamente a PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC y Nintendo Switch 2.

El primer tráiler mostró varias de las novedades que marcarán esta conclusión de la historia de Cloud Strife y compañía, incluyendo una característica que los seguidores llevaban años esperando.

Por primera vez en esta trilogía, los jugadores podrán pilotar la legendaria nave Highwind, utilizada para recorrer libremente el mundo y acceder a distintas regiones del mapa.

Las imágenes también confirmaron que Vincent Valentine y Cid Highwind serán personajes completamente jugables durante los combates, ampliando el elenco disponible respecto a lo visto en Final Fantasy VII Rebirth.

Vean el avance a continuación.

Final Fantasy VII Revelation pondrá fin a una saga que comenzó en 2020 con Final Fantasy VII Remake y continuó en 2024 con Final Fantasy VII Rebirth.

En esa línea, presentará la apocalíptica batalla final contra Sephiroth y la resolución sobre el destino de Midgar.

Otro de los elementos más esperados será descubrir cómo Square Enix resolverá las variaciones argumentales introducidas en los dos juegos anteriores.

Tanto Remake como Rebirth expandieron la historia original con nuevos personajes, eventos inéditos y cambios que alteraron el conocimiento que los fanáticos tenían sobre algunos de sus momentos más importantes.

Claro que todo eso ahora se resolverá durante el primer semestre del próximo año.

Paramount Games confirmó que el proyecto ahora está siendo desarrollado por PlatinumGames, el afamado estudio japonés conocido por títulos de acción como Bayonetta y NieR: Automata.

La compañía también tiene experiencia previa con la franquicia de las Tortugas Ninja, ya que fue responsable de Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutants in Manhattan.

Vean el teaser:

La adaptación estará basada en el cómic El Último Ronin, una historia publicada por IDW que presenta una versión mucho más oscura del universo de las Tortugas Ninja.

La trama se desarrolla en un futuro donde Leonardo, Donatello y Raphael han muerto, dejando a Michelangelo como el último miembro sobreviviente del grupo mientras emprende una misión de venganza.

Según la descripción oficial, el proyecto será un videojuego AAA de acción y aventura centrado en la historia del último héroe sobreviviente y su búsqueda por ajustar cuentas con los responsables de la caída de su familia.

Por ahora no se han revelado detalles concretos sobre su jugabilidad, aunque el historial de PlatinumGames sugiere una fuerte apuesta por la acción.

Tampoco existe una fecha de lanzamiento confirmada. Lo único asegurado es que llegará a consolas y PC.

El videojuego fue revelado mediante un primer tráiler que mostró varias secuencias de acción protagonizadas por enormes robots de combate, dejando en evidencia un enfoque centrado en enfrentamientos rápidos y espectaculares.

Tanto el ritmo como la puesta en escena de la acción están marcadas por intensas batallas entre mechas que estarán al corazón de esta propuesta.

Vean el tráiler a continuación.

Según la información compartida por Bandai Namco, el proyecto será un juego de acción de alta movilidad que buscará combinar secuencias cinematográficas con enfrentamientos de gran escala.

La compañía también adelantó que la historia se desarrollará en un universo completamente nuevo, separado de las distintas líneas temporales que han caracterizado a la franquicia Gundam durante décadas.

De acuerdo con la descripción oficial, los jugadores deberán enfrentarse a una historia centrada en cambiar el destino de la humanidad mientras participan en conflictos protagonizados por gigantescos robots de combate.

Por ahora no se han entregado detalles concretos sobre sus mecánicas o estructura. Tampoco se ha confirmado si la experiencia estará enfocada principalmente en la campaña para un jugador o si incluirá modos multijugador relevantes.

Gundam Rogue Orbit llegará a PlayStation 5, Xbox Series X|S y PC durante 2027.

Bajo el título de Star Wars: Galactic Racer, y desarrollado por el estudio Fuse Games, el proyecto reapareció durante Summer Game Fest con un nuevo tráiler que permitió observar más de su jugabilidad y confirmó su lanzamiento para el próximo 6 de octubre.

La propuesta apostará por una mezcla de carreras arcade y aventura, ofreciendo tanto una campaña para un jugador como distintos modos competitivos para quienes prefieran enfrentarse a otros pilotos.

Uno de los elementos más llamativos es el regreso de personajes vinculados a las clásicas carreras de pods de La Amenaza Fantasma. Entre los corredores confirmados aparecen nombres conocidos como Sebulba y Ben Quadinaros.

Vean el tráiler a continuación.

La historia estará ambientada en la era de la Nueva República, después de los acontecimientos de El Retorno del Jedi, y se desarrollará principalmente en los territorios menos controlados del Borde Exterior.

En la campaña principal los jugadores participarán en una competición conocida como la Liga Galáctica, donde distintas facciones y corredores luchan por el control de las carreras más importantes de la galaxia.

El juego también permitirá competir en escenarios inspirados en varios planetas de Star Wars, incluyendo Tatooine, Jakku, Ando Prime, Lantaana y Sentinel One, cada uno con rutas y desafíos diferentes.

Además de los tradicionales pods, los jugadores podrán utilizar speeders terrestres, motos deslizadoras y otros vehículos especialmente creados para esta nueva entrega. También se incluirá un sistema de personalización y construcción de vehículos.

El modo online permitirá carreras para hasta 12 participantes e incorporará un sistema de clasificación competitivo.

Star Wars: Galactic Racer llegará el 6 de octubre a PlayStation 5, Xbox Series X|S y PC.

Durante la presentación se mostró un nuevo adelanto de su próximo videojuego, anteriormente conocido de manera informal como Project Robot y que ahora recibió su nombre definitivo: Gen Atlas.

El tráiler permitió observar por primera vez secuencias de jugabilidad y ofreció una mejor idea de la propuesta visual y temática del proyecto, que parece desarrollarse en un mundo dominado por enormes estructuras mecánicas en ruinas.

Las imágenes muestran a un gigantesco robot aparentemente destruido, cuyos fragmentos terminan reuniéndose mientras una enorme cabeza flotante vuelve a conectarse con el resto de su cuerpo.

En paralelo, otro personaje mecánico de menor tamaño recorre estos escenarios enfrentándose a grupos de enemigos extraterrestres utilizando armamento de fuego, algo poco habitual dentro de la trayectoria de Ueda.

El adelanto también incluyó secuencias de exploración, desplazamientos mediante propulsores, enfrentamientos contra colosales máquinas y persecuciones con vehículos de alta velocidad.

Vean el tráiler a continuación.

La propuesta parece mantener algunos de los elementos característicos de los trabajos anteriores del diseñador japonés, especialmente la relación entre personajes de tamaños muy distintos y la sensación de aventura en escenarios monumentales.

Sin embargo, el nuevo juego también apunta a una mayor presencia de acción y combate respecto a las experiencias más contemplativas que caracterizaron a sus obras previas.

Por ahora, Gen Atlas continúa rodeado de misterio y sol está claro que saldrá en Steam, Xbox Series X|S y Playstation 5. Pero a pesar de que el estudio no anunció una fecha de lanzamiento ni entregó detalles concretos sobre su historia, igual desde ya se instalará como uno de los videojuegos más esperados de los próximos años.

El título aprovechó la presentación para revelar nuevos detalles de su historia y de varios de sus personajes.

Sin embargo, uno de los aspectos que más llamó la atención fue la presencia de un personaje cuya apariencia está inspirada en el fallecido rapero Tupac Shakur, una de las figuras más influyentes de la historia del hip hop.

Pero la relación del juego con el mundo del rap no termina ahí. Snoop Dogg también forma parte del elenco del videojuego dando vida a Orpheus, uno de los personajes que aparecerán a lo largo de la historia.

Vean el tráiler a continuación.

Stranger Than Heaven narrará una extensa historia que abarca medio siglo y seguirá la vida de Makoto Daito (Yu Shirota), un joven que se embarca en una compleja búsqueda de identidad y supervivencia a través de distintas etapas de la historia japonesa.

La aventura se desarrollará en cinco ciudades inspiradas en ubicaciones reales y recorrerá diferentes periodos históricos entre 1915 y 1965, incluyendo escenarios basados en Fukuoka, Hiroshima, Osaka, Shizuoka y Tokio.

Además de los tradicionales combates cuerpo a cuerpo característicos de RGG Studio, el juego incorporará actividades secundarias relacionadas con el entretenimiento de cada época, apuestas, exploración urbana y una importante presencia de la música dentro de su narrativa.

Stranger Than Heaven será lanzado por SEGA y llegará a PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC y Xbox Game Pass. Aunque todavía no tiene fecha de lanzamiento, ya se perfila como uno de los proyectos más ambiciosos en la historia del estudio japonés.

Studio MDHR confirmó que ya trabaja en un nuevo videojuego protagonizado por el popular personaje y sus compañeros de aventura.

Aunque los desarrolladores no revelaron una fecha de lanzamiento ni detalles específicos de la historia, sí confirmaron que se tratará de una experiencia completamente nueva y que actualmente se encuentra en una etapa temprana de desarrollo.

El proyecto marcará el regreso de la franquicia tras el éxito del juego original lanzado en 2017 y de su expansión The Delicious Last Course, que amplió la aventura con nuevos personajes, escenarios y jefes.

Según explicó el estudio, el nuevo título mantendrá el estilo de animación tradicional dibujada a mano que convirtió a Cuphead en uno de los videojuegos visualmente más reconocibles de la última década.

Sin embargo, la secuela no fue el único anuncio relacionado con la franquicia. Studio MDHR también presentó Mighty Cuphead Adventure, un nuevo juego de acción y plataformas con una estética inspirada en la década de 1980.

A diferencia de la serie principal, este proyecto apuesta por gráficos de estilo 8-bit y una presentación diseñada para replicar la apariencia y limitaciones técnicas de los videojuegos de aquella época.

El estudio reveló que el juego está siendo desarrollado utilizando lenguaje Assembly y tomando como referencia las especificaciones

técnicas de la consola Sega Master System, una de las plataformas más populares de finales de los años 80.

Gracias a ese enfoque, Mighty Cuphead Adventure podrá ejecutarse en sistemas modernos como PC y consolas actuales, pero también tendrá una versión física en cartucho compatible con Sega Master System.

Tras años de rumores y peticiones de la comunidad, Resident Evil: Code Veronica tendrá una nueva versión desarrollada para PC y las actuales consolas de videojuegos.

El proyecto, que será conocido simplemente como Resident Evil: Veronica, buscará revitalizar una entrega considerada de culto dentro de la franquicia.

Vean el tráiler a continuación.

Lanzado originalmente en el año 2000 para Dreamcast, el juego destacó por expandir la historia de los hermanos Redfield y por convertirse en uno de los capítulos más importantes del universo Resident Evil.

La historia sigue a Claire Redfield, quien continúa buscando a su hermano Chris tras los acontecimientos de Resident Evil 2.

Su investigación la lleva hasta la isla Rockfort, una instalación controlada por Umbrella donde deberá sobrevivir a nuevas amenazas biológicas. Más adelante, la aventura también permite controlar a Chris en una trama que conecta directamente con el corazón de la saga.

Aunque Capcom todavía no ha detallado todas las novedades del remake, distintos reportes apuntan a que la nueva versión apostará por un enfoque más cercano al terror que el juego original, siguiendo la línea establecida por los exitosos remakes de Resident Evil 2, Resident Evil 3 y Resident Evil 4.

También se espera una modernización importante de la narrativa y de varios sistemas jugables, adaptando la experiencia a los estándares actuales sin abandonar los elementos más recordados de la obra original.

La nueva versión llegará a PC, Xbox Series X|S, Playstation 5 y Nintendo Switch 2, sumándose a la estrategia de Capcom de reinterpretar los capítulos clásicos de la saga para nuevas audiencias.

La distinción fue otorgada a Mutter, el próximo proyecto del estudio, una propuesta de terror que llamó la atención del jurado durante la exhibición dedicada a desarrolladores independientes.

Para Yerko García, Community & Partnership Manager de Deadly Crow, el galardón llegó de manera inesperada debido al alto nivel de los proyectos que habitualmente participan en la feria.

“No lo esperábamos para nada la verdad, es un galardón bastante importante, ya que no es primera vez que vamos a Digital Dragons y conocemos la calidad de juegos que se presentan en esta conferencia. Y tiene mucho valor para nosotros porque valida la calidad y la anticipación de nuestro proyecto”, señaló.

Mutter es un videojuego de horror con una estética inspirada en la técnica stop-motion y en el estilo visual asociado a varias producciones de Tim Burton. Su historia aborda los efectos de la Segunda Guerra Mundial desde una perspectiva familiar.

La trama sigue a una familia inglesa con raíces alemanas que enfrenta discriminación y distintas consecuencias derivadas del conflicto bélico. Según sus creadores, ese contexto también explica el origen del nombre elegido para el proyecto.

“El juego aborda como principal tema la segunda guerra mundial, pero desde la perspectiva de gente que se ve indirectamente involucrada en esta, en este caso una familia inglesa, pero con madre alemana, que sufre discriminación entre otras cosas. Ese es el origen del por qué el nombre del juego está en alemán”, explicó García.

El representante del estudio agregó que el objetivo de Deadly Crow es desarrollar producciones capaces de competir en el mercado internacional y atraer a jugadores de distintos países.

“Nos enfocamos en entregar un producto de calidad internacional que apele no sólo a las masas nacionales sino a la mayor cantidad de jugadores posibles en el mundo entero. Lo cual facilita el interés extranjero y que se posicionen los ojos del mundo hacia Chile”, afirmó.

El reconocimiento obtenido en Polonia se suma a una serie de apariciones internacionales del estudio y refuerza la creciente presencia de desarrolladores chilenos en la industria global de los videojuegos, un sector que durante los últimos años ha logrado una mayor visibilidad en ferias y eventos especializados alrededor del mundo.

El video ya se encuentra disponible a través de Spotify y Apple Music, ofreciendo además un nuevo vistazo a algunos momentos protagonizados por Jessie, uno de los personajes centrales de la película.

Según explicó previamente la cantante, la inspiración surgió inmediatamente después de ver una versión preliminar.

Musicalmente, el tema marca un regreso a las raíces country que caracterizaron sus primeros trabajos discográficos, especialmente durante la etapa de álbumes como Taylor Swift, Fearless, Speak Now y Red.

El videoclip comienza con una escena que muestra el primer encuentro entre Jessie y Woody, acompañados por Tiro al Blanco. A partir de ahí, la historia repasa distintos momentos importantes en la vida de la vaquera.

Entre las imágenes aparecen secuencias que recuerdan el abandono que sufrió el personaje cuando su antigua dueña la dejó dentro de una caja de donaciones, una de las escenas más recordadas de Toy Story 2.

También se muestran nuevas interacciones con el resto de los juguetes, incluyendo a Buzz Lightyear, mientras el montaje alterna recuerdos del pasado con material aparentemente perteneciente a la quinta película.

Hacia el final del videoclip aparece una niña pelirroja jugando con Jessie en un columpio de neumático y disfrutando de una tarde al aire libre, imágenes que diversos seguidores han interpretado como parte de la trama de Toy Story 5.

La canción fue compuesta junto al productor Jack Antonoff, colaborador habitual de Swift.

Además de formar parte de la banda sonora de la película, el tema de seguro será impulsada con una campaña para que sea una candidata para competir en la categoría de Mejor Canción Original en los próximos Premios Oscar.

Pueden escuchar la canción a continuación.

La escena muestra a la joven kryptoniana, interpretada por Milly Alcock, aterrizando en el planeta junto a Krypto cuando aún no habla inglés y recién comienza a enfrentarse a un mundo completamente desconocido.

Esperándola se encuentra su primo Kal-El, más conocido como Superman y encarnado por David Corenswet. Sin embargo, el encuentro no resulta tan sencillo como podría parecer.

Aunque Superman intenta darle una cálida bienvenida, existe un problema inesperado: el héroe criado en Kansas no habla kryptoniano, lo que provoca una imposibilidad para comunicarse.

En ese escenario, el clip utiliza subtítulos para mostrar los comentarios de Kara sobre los esfuerzos de su primo por comunicarse con ella e incluso sobre el llamativo traje que utiliza como protector de la Tierra.

La secuencia termina justo antes de mostrar el momento en que aparentemente comienzan a manifestarse los poderes de la protagonista, dejando uno de los puntos clave de la escena fuera del adelanto.

El video también da cuenta de una versión más joven de Krypto, el popular perro superpoderoso que ya debutó en Superman.

La nueva película de Supergirl buscará explorar la relación de Kara con la Tierra y contrastar su visión del mundo con la de Superman, quien ya demostró en su propia película un profundo vínculo con la humanidad.

l estreno está programado para el próximo 26 de junio.

Entre los países participantes, Chile logró una presencia destacada gracias a varios anuncios relevantes, incluyendo dos estrenos mundiales y el lanzamiento de un nuevo título desarrollado localmente.

Uno de los anuncios más importantes fue el debut de Cross Winds, videojuego chileno que realizó su primera aparición pública como parte de las nueve World Premieres presentadas durante el evento.

A grandes rasgos, su apuesta apunta a una aventura narrativa desarrollada por Octeto Studios ambientada en una versión ficticia de la costa mediterránea de la década de 1930. El juego sigue a Charles, un piloto veterano de la Primera Guerra Mundial que emprende la búsqueda de Anna, su compañera en una serie de estafas en casinos, tras un golpe que sale mal y los obliga a separarse.

A través de vuelos sobre paisajes costeros, la exploración de pintorescos pueblos y una historia marcada por la introspección y la melancolía, el título promete combinar exploración, narrativa y desarrollo emocional de sus protagonistas.

A ese anuncio se sumó Their Story, otro proyecto nacional que también fue revelado por primera vez ante la audiencia internacional que siguió la transmisión del showcase.

Su propuesta apunta a una aventura narrativa y de puzles en dos dimensiones desarrollada por Cangrejo Ideas. Ambientado en las coloridas calles y cerros de Valparaíso, el juego relata la historia de dos ciclistas a través de perspectivas paralelas: la de él y la de ella. Aunque inicialmente sus recorridos parecen no tener relación, la trama va revelando cómo sus vidas comienzan a cruzarse de formas inesperadas.

La propuesta apuesta por una experiencia centrada en las conexiones humanas, el descubrimiento y la exploración de la ciudad puerto como parte fundamental de su narrativa.

Esos dos títulos formaron parte de una selección de estrenos inéditos que incluyó desarrollos provenientes de Argentina, Brasil, Colombia y Perú, consolidando la presencia chilena dentro de la vitrina latinoamericana.

Además de los anuncios completamente nuevos, el evento también sirvió para destacar el lanzamiento de Colorbound, videojuego desarrollado por el estudio chileno Panpipe Studio y publicado por Whitethorn Games.

El juego pone al jugador en el papel de Anku, un niño aymara con la capacidad de manipular los colores para alterar el entorno que lo rodea. Esta habilidad será clave para descubrir caminos ocultos, modificar escenarios y resolver una serie de puzles cada vez más complejos.Con una propuesta centrada en la exploración y la resolución de acertijos, el título utiliza el color como su principal mecánica de juego y elemento narrativo.

El proyecto apareció junto a otros lanzamientos relevantes del showcase, compartiendo espacio con producciones como Kernel Hearts y Desktop Explorer, en una edición marcada por anuncios de fechas de estreno, nuevas demos y revelaciones de jugabilidad.

La presencia chilena se produjo en un evento que reunió desarrolladores de 12 países de la región y que se ha transformado en una de las principales plataformas para exhibir videojuegos latinoamericanos ante la industria internacional.

La celebración continuará en Steam hasta el 11 de junio, donde Latin American Games Showcase mantiene un evento especial con demos, descuentos y transmisiones en vivo, permitiendo que jugadores de todo el mundo descubran y prueben varios de los proyectos mostrados durante la presentación.

La línea reúne sets inspirados tanto en elementos icónicos del campeonato como en jugadores que han marcado una época, incluyendo a Lionel Messi, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé y Vinícius Jr.

Entre las principales novedades destaca una réplica casi a escala real de un balón de fútbol talla 5. El modelo está compuesto por 1.498 piezas e incorpora una estructura interna que esconde una escena de celebración dentro de un estadio.

La colección también incluye una versión construible del Trofeo Oficial de la Copa Mundial de la FIFA. El set recrea el diseño del galardón e incorpora detalles relacionados con los campeones históricos del torneo.

Uno de los focos de la línea está puesto en las denominadas “Leyendas del Fútbol”, encabezadas por Lionel Messi y Cristiano Ronaldo. Ambos jugadores cuentan con modelos de exhibición que permiten recrear algunas de las posturas más reconocibles de sus carreras.

En el caso del argentino, el set incluye su tradicional número 10, una base temática y la posibilidad de exhibir la figura en distintas poses. Ronaldo, por su parte, cuenta con una versión que recrea tanto su celebración más famosa como una chilena en pleno vuelo.

La colección también contempla una serie dedicada a las figuras actuales del fútbol mundial. Allí aparecen Kylian Mbappé y Vinícius Jr., representados con elementos inspirados en sus respectivas selecciones nacionales.

Mbappé protagoniza un modelo basado en los colores de Francia e incluye una minifigura en posición de remate. Vinícius Jr. cuenta con un set centrado en la selección brasileña, acompañado por una figura inspirada en su estilo de juego.

Además, LEGO lanzó versiones adicionales de la línea “Fenómenos del Fútbol” dedicadas a Messi y Cristiano Ronaldo, con modelos más compactos que incorporan estadísticas, elementos coleccionables y referencias a algunos de los hitos más importantes de sus trayectorias.

Cabe destacar que mencionado sello tiene a figuras en sus filas de la talla de Burna Boy, Charlie Puth, Bruno Mars, Coldplay, Charlie XCX, Rosé, PinkPantheress, entre otros.

Por su parte, la colaboración llamada “Suave”, es una apuesta bilingüe que mezcla elementos del alt-pop, hyperpop, digicore e influencias electrónicas.

El lanzamiento llegó acompañado de un videoclip dirigido por el cineasta y fotógrafo Joaquin Castillo, quien desarrolló la pieza visual desde Nueva York para reforzar la estética del sencillo.

La maipucina junto a la estadounidense realizaron una actuación sorpresa realizada en East Los Angeles, donde compartieron escenario en formato B2B (en el mundo del DJ es una actuación colaborativa).

La chilena se prepara para realizar su primera gira por Estados Unidos, la que agotó entradas poco después de ser anunciada y obligó a sumar nuevas fechas y recintos de mayor capacidad.

El recorrido comenzará con tres presentaciones consecutivas en Elsewhere entre el 7 y el 9 de julio, para luego continuar por ciudades como Chicago, Los Ángeles y San Francisco.

Paralelamente, la cantante también confirmó su gira “lucy”, con la que recorrerá distintos escenarios de Latinoamérica.

Conviven dispositivos premium que buscan competir como extensiones del teléfono, modelos enfocados en la salud y propuestas que privilegian la autonomía por sobre cualquier otra función.

Al mismo tiempo, existe una enorme variedad de alternativas que intentan equilibrar características avanzadas con precios más accesibles, ofreciendo desde semanas de batería hasta herramientas especializadas para quienes realizan actividad física de forma frecuente.

En ese escenario aparece el Huawei Watch Fit 5 Pro, una propuesta que no busca ocupar el lugar de los modelos más exclusivos de la compañía, ni hacer uso de sus más recientes avances tecnológicos, pero que sí toma gran parte de las funciones que normalmente están reservadas para segmentos superiores.

El resultado es un reloj que cubre prácticamente todas las necesidades del usuario promedio y que, al mismo tiempo, pone un énfasis especial en el seguimiento deportivo y el bienestar diario.

Lo primero que llama la atención es su diseño. Huawei mantiene el formato rectangular que caracteriza a la familia Watch Fit, pero esta vez con bordes más reducidos que permiten aprovechar mejor la pantalla.

La correa de fluoroelastómetro en el color negro que revisamos también juega un papel importante, especialmente por su comodidad durante largas jornadas de uso. El reloj resulta ligero en la muñeca, casi al punto de olvidarse de que está ahí, algo fundamental para quienes planean utilizarlo tanto durante el día como mientras duermen para hacer seguimiento del sueño.

Ante esa base, la experiencia diaria gira en torno a una gran pantalla AMOLED que destaca por su brillo y nitidez. Incluso bajo luz directa del sol, la información permanece perfectamente visible, algo especialmente útil durante entrenamientos al aire libre. A eso se suma una interfaz rápida y sencilla de navegar mediante la corona lateral y los distintos gestos táctiles.

En materia de salud, el Watch Fit 5 ofrece una de las propuestas más completas dentro de su segmento. El reloj monitorea frecuencia cardíaca, niveles de oxígeno en sangre, calidad del sueño y estrés, además de incorporar herramientas orientadas al seguimiento general del bienestar. Toda la información se centraliza en la aplicación Salud de Huawei, permitiendo revisar estadísticas detalladas y tendencias a largo plazo.

En ese apartado, uno de los añadidos más interesantes del reloj son los Mini Ejercicios, pequeñas rutinas guiadas directamente desde el reloj que buscan combatir el sedentarismo durante la jornada. Son ejercicios breves enfocados en zonas como cuello, hombros y espalda, pensados para realizarse en pocos minutos sin necesidad de equipamiento adicional.

Por otro lado, la autonomía sigue siendo uno de los puntos más fuertes de Huawei. Mientras gran parte de los relojes inteligentes obliga a pasar por el cargador de forma recurrente, el Watch Fit 5 puede extender su uso durante varios días dependiendo de la intensidad con que se utilicen sus sensores y funciones. Esa diferencia termina siendo muy relevante en el uso cotidiano, especialmente para quienes realizan actividades al aire libre o simplemente no quieren preocuparse constantemente por el nivel de batería.

Pero donde realmente encuentra su identidad es en el apartado deportivo. El reloj ofrece más de un centenar de modos de entrenamiento y añade métricas especializadas para disciplinas específicas. Running, ciclismo, natación y senderismo obviamente son un infaltable, pero Huawei también ha puesto especial atención en deportes de raqueta como tenis y pádel, incorporando estadísticas que permiten analizar sesiones con un nivel de detalle poco habitual en este rango de precio.

A eso se suma la integración de GPS y herramientas orientadas al entrenamiento, transformándolo en un compañero muy competente para quienes buscan mejorar su rendimiento. Y aunque este dispositivo no pretende reemplazar equipos deportivos de nicho mucho más costosos, igual entrega información suficiente para que la mayoría de los usuarios pueda monitorear su progreso de manera efectiva.

En ese sentido, la línea Watch Fit parece haber encontrado una identidad propia. Ya no se siente como una simple alternativa económica dentro del catálogo de Huawei, sino como una propuesta madura que sabe exactamente a quién apunta y qué necesidades busca resolver.

Por lo mismo, el Huawei Watch Fit 5 Pro termina destacando como una de las opciones más equilibradas de su categoría. Combina una buena pantalla, una batería que supera a gran parte de la competencia y un conjunto de funciones deportivas muy completa, todo dentro de un formato cómodo y fácil de usar.

Y a pesar de que no cuenta con el ecosistema de aplicaciones más amplio del mercado, como una billetera que permita pagar en cualquier lugar, para quienes priorizan salud, deporte y autonomía, ofrece mucho más de lo que podrían esperar.

El Huawei Watch Fit 5 está disponible en la tienda oficial por un precio de $229.990.

La decisión marca un nuevo desafío para una producción que ya era considerada una de las apuestas más arriesgadas de Hollywood para 2026.

No solo se trata de una adaptación de un poema épico escrito hace casi tres mil años, sino también de una película con un presupuesto gigantesco destinada a convertirse en uno de los principales estrenos del verano estadounidense.

De hecho, diversos reportes apuntan a que La Odisea es actualmente la película con clasificación R más costosa de la historia, con alrededor de $250 millones de costo, superando a otras producciones orientadas a audiencias adultas.

Pero la película, que llegará a los cines el próximo 16 de julio de 2026 de la mano de Universal Pictures, fue filmada íntegramente con cámaras IMAX, reforzando la intención de convertirla en un espectáculo pensado para las pantallas más grandes posibles.

Y por eso no sorprende que durante esta jornada se diese a conocer que hubo caída en el servicio de preventa de entradas en algunos cines de Estados Unidos.

Una apuesta comercial categoría R

La clasificación R no es una sorpresa considerando el material original. El relato de Homero incluye guerras, masacres, monstruos mitológicos, esclavitud, castigos divinos y múltiples episodios de violencia que forman parte central del viaje del héroe.

Sin embargo, este tipo de clasificación suele representar una dificultad comercial adicional. Al limitar el acceso de los espectadores más jóvenes, las películas R generalmente tienen menos posibilidades de transformarse en fenómenos masivos en comparación con producciones aptas para todo público o con clasificación PG-13.

Aun así, la historia reciente demuestra que existen excepciones. Películas como Joker, Deadpool y La Pasión de Cristo lograron convertirse en enormes éxitos de taquilla pese a estar dirigidas a audiencias adultas.

El propio Nolan ya desafió esa lógica con Oppenheimer. La película biográfica recaudó cerca de $1.000 millones de dólares en todo el mundo, ganó el Oscar a Mejor Película y demostró que una producción para mayores de edad todavía puede transformarse en un evento cultural global.

Ahora, el director intentará repetir la hazaña con una propuesta todavía más ambiciosa al seguir la historia de Odiseo, interpretado por Matt Damon, en su largo viaje de regreso a Ítaca tras el fin de la Guerra de Troya. El elenco también incluye a Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Zendaya y Charlize Theron, entre otros nombres.

La gran incógnita es si una epopeya mitológica de gran presupuesto podrá atraer al público suficiente para justificar la mayor apuesta comercial de una película con clasificación R en la historia de Hollywood.

Además, busca elevar la calidad de imagen de las transmisiones deportivas.

La implementación comenzó durante junio y permitirá acceder a toda la programación del canal en ultra alta definición, incluyendo los 52 encuentros de la Copa del Mundo que serán emitidos por la estación.

La principal diferencia de esta tecnología es el aumento en la cantidad de detalles visibles en pantalla, alcanzando una resolución que puede ofrecer hasta cuatro veces más información visual que una señal Full HD tradicional.

El anuncio representa uno de los avances tecnológicos más relevantes de la televisión abierta chilena en los últimos años, especialmente considerando que el deporte suele ser uno de los contenidos donde más se aprecia el salto en calidad de imagen.

La disponibilidad de esta señal fue posible gracias a las inversiones realizadas tanto por Chilevisión en producción y distribución de contenidos como por Claro y VTR en sus plataformas de televisión digital.

Para acceder al servicio, los usuarios deberán contar con un televisor compatible con resolución 4K y un decodificador habilitado para recibir la señal.

En el caso de VTR, la transmisión estará disponible en el canal 710, mientras que los clientes de Claro podrán encontrarla en el canal 557 durante todo el período en que se dispute la Copa del Mundo.

Cabe destacar que la llegada de esta señal coincide con una creciente adopción de televisores 4K en los hogares chilenos, permitiendo que eventos masivos como el Mundial puedan aprovechar de mejor manera las capacidades de estos equipos.

La compañía confirmó el lanzamiento de FIFA World Cup: Launch Edition, una nueva propuesta que estará disponible desde el 11 de junio para todos los usuarios que tengan una suscripción activa al servicio.

A diferencia de los simuladores tradicionales de fútbol, el juego buscará ofrecer una experiencia más directa y accesible, diseñada para partidas rápidas que acompañen el desarrollo de la competencia internacional.

Los jugadores podrán elegir cualquiera de las 48 selecciones clasificadas al Mundial y disputar encuentros utilizando teléfonos móviles como principal plataforma de juego.

Netflix también confirmó que será posible jugar tanto en solitario como en partidas multijugador para hasta cuatro personas, manteniendo un enfoque más casual que otras franquicias deportivas del mercado.

La empresa explicó que esta edición inicial servirá como punto de partida para futuras actualizaciones, por lo que el contenido y las funciones disponibles irán creciendo a medida que avance el torneo.

El anuncio refleja además el interés de Netflix por seguir expandiendo su presencia en el mundo de los videojuegos, una estrategia que ha tomado fuerza durante los últimos años mediante títulos incluidos dentro de su suscripción.

Cabe destacar que videojuegos como EA Sports FC 26, Football Manager 26 e inclusive el nuevo PES de Nintendo Switch 2 también incluyen contenidos relacionados con la Copa del Mundo, pero sin la licencia oficial de la FIFA.

El nuevo video permite ver más de siete minutos de jugabilidad, con un foco claro en el combate aéreo, las rutas alternativas y el regreso de Fox McCloud junto al equipo Star Fox.

La historia vuelve a situar a Andross como la gran amenaza del sistema Lylat, mientras Fox y su escuadrón deben recorrer distintos planetas a bordo de sus Arwing.

Consideren que el juego tendrá una renovación visual completa respecto a lo que se pudo jugar en Nintendo 64, con nuevos diseños de personajes, escenarios actualizados, cinemáticas inéditas, diálogos con voces y una banda sonora orquestal.

Vean el video a continuación

Las novedades de Star Fox

La campaña permitirá elegir entre dificultad Fácil o Normal, mientras que el modo Experto se desbloqueará al obtener medallas durante las misiones.

También habrá un modo Desafío, enfocado en rejugar fases ya superadas con nuevos objetivos y pruebas que no estarán presentes en la campaña principal.

La gran novedad multijugador será el modo Batalla, con enfrentamientos 4 contra 4 entre Team Star Fox y Team Star Wolf en escenarios con objetivos distintos.

Nintendo además incorporará controles tipo mouse con los Joy-Con 2, pensados para apuntar con mayor precisión durante la campaña y los desafíos.

Star Fox también aprovechará GameChat con avatares de personajes y filtros de realidad aumentada inspirados en la saga, reforzando su apuesta social en Switch 2.

Es decir, mientras menos se piense en lo que ocurre en pantalla, mayores son las posibilidades de disfrutar una propuesta que constantemente privilegia el absurdo por sobre cualquier intento de coherencia.

Lo anterior se debe al hecho de que lamentablemente esta nueva entrega está muy lejos de jugar en la misma liga que las mejores sátiras cinematográficas. En lugar de construir una historia reconocible sobre la cual insertar situaciones ridículas, la película prefiere avanzar a punta de sketches, referencias y bromas dispersas que en general están desconectadas entre si.

Es decir, más que una comedia con una narrativa que se va deformando progresivamente, da la impresión de ser una colección de ideas lanzadas una tras otra sin demasiada preocupación por cómo encajan. Por supuesto, eso no significa que esta secuela no tenga un par de momentos graciosos, ya que cuando la película decide perder completamente la vergüenza y abrazar el mal gusto con entusiasmo, logra arrancar algunas carcajadas

En ese escenario, esta nueva Scary Movie incluye secuencias que funcionan precisamente porque los Wayans parecen recordar que la saga nació para ser ofensiva, ridícula y completamente desatada.

El problema es que esos aciertos aparecen de manera demasiado esporádica y nunca alcanzan el nivel de descontrol de la primera Scary Movie ni la precisión cómica que la franquicia encontró en la tercera entrega dirigida por David Zucker, uno de los responsables de clásicos como ¿Y dónde está el piloto? y ¿Y dónde está el policía?

Por eso mismo, intentar explicar la trama tampoco tiene demasiado sentido, principalmente porque la película parece muy poco interesada en tener una.

Obviamente existe un nuevo asesino con máscara de Ghostface y una nueva generación de jóvenes que termina convertida en su objetivo. También regresan personajes de las primeras películas, algunos vivos, otros que deberían estar muertos y otros cuya existencia simplemente contradice todo lo que ocurrió antes. Pero en el medio de todo eso no hay mucho más.

Basta decir que la secuela gira en torno a cómo las hijas de Cindy Campbell comienzan a ser perseguidas por el asesino mientras su madre abandona una absurda reclusión para reencontrarse con los viejos sobrevivientes de la saga. Y todos ellos continúan siendo exactamente tan exagerados, incompetentes y ridículos como los recordábamos hace más de dos décadas.

En esa línea, la película mantiene intacta la filosofía de burlarse de todo lo que encuentra a su paso. No importa si se trata de celebridades, franquicias de terror, fenómenos virales o incluso de la propia historia de Scary Movie.

De hecho, es precisamente cuando mira hacia sí misma que encuentra algunos de sus mejores momentos. Los Wayans aprovechan varias oportunidades para reírse de las secuelas que se realizaron sin ellos y de cómo la saga terminó transformándose en algo distinto después de que perdieron el control creativo.

Sin embargo, ese mismo enfoque también termina evidenciando las principales debilidades de la película. Muchas escenas funcionan como ocurrencias aisladas que nunca son desarrolladas más allá de su premisa inicial.

Por eso mismo, quizás lo más entretenido termina siendo todo aquello relacionado con el legado de la propia franquicia. Las constantes referencias a las secuelas que ignoraron a los Wayans funcionan mejor que gran parte de las parodias contemporáneas.

También ayuda que los personajes mantengan intactas sus características más reconocibles: Shorty sigue tan permanentemente drogado como siempre y Ray continúa siendo objeto de exactamente los mismos chistes gay que lo acompañan desde el año 2000.

Donde la película encuentra algo de estabilidad es en el regreso de Anna Faris y Regina Hall. Ambas demuestran una vez más que fueron el corazón de la saga desde el principio. Faris tiene una capacidad casi sobrenatural para interpretar las situaciones más estúpidas con absoluta seriedad, mientras Hall sigue extrayendo humor incluso de los diálogos más flojos. Cada vez que la película se concentra en ellas, el resultado mejora inmediatamente.

El problema es que esos momentos nunca terminan de construir algo más grande. A diferencia de las mejores entregas de la saga, esta nueva Scary Movie parece más preocupada de acumular referencias que de encontrar una mirada burlona sobre el cine de terror actual. Inevitablemente hay bromas sobre éxitos recientes, algunos golpes efectivos contra ciertas modas de Hollywood y un puñado de chistes maravillosamente imbéciles, pero también una sensación constante de que la película está persiguiendo tendencias en lugar de satirizarlas.

Por eso, aunque resulta agradable volver a ver reunidos a los responsables de las primeras películas y reencontrarse con los personajes, la sensación final es más nostálgica que entusiasta. Hay algunos momentos divertidos para justificar el regreso, pero no los suficientes para convertirlo en un verdadero regreso triunfal.

Quizás eso sea lo más decepcionante de todo. Después de tantos años de espera, uno esperaba una película capaz de recordarnos por qué Scary Movie logró revivir al cine de parodias. En cambio, lo que obtenemos es una secuela que ocasionalmente encuentra esa chispa irreverente del pasado, pero que la mayor parte del tiempo parece conformarse con hacer lo mínimo.

Scary Movie ya está en cines.

Una forma de lograrlo es ponerse a comprar sobres, si es que logran conseguirlos. Pero la comunidad ha optado por organizar las llamadas “cambiatones”, que son juntas donde llegan hordas de coleccionistas con sus láminas repetidas y la ilusión de poder hacer esos últimos intercambios y así cumplir la misión de no dejar espacio vacío en sus páginas.

Es así como Pronto Copec, la tienda de conveniencia asociada a los servicentros de Copec, organizará una serie de cambiatones durante este fin de semana en diferentes tiendas de la Región Metropolitana, Concón y Viña del Mar.

La primera jornada se realizará este viernes 5 de junio, entre las 17:00 y las 19:00 horas, en las tiendas Pronto Copec Gales (Av. Príncipe de Gales 6880) y Vitacura (Av. Vitacura 5579).

Luego, el sábado 6 de junio, la cambiatón continuará entre las 11:00 y las 14:00 horas en Chicureo (Av. Chicureo 7100, Chicureo) y Quilín (Av. Quilín 5668). El domingo 7 de junio, en tanto, la actividad llegará a Bosques de Montemar, en Concón (Avda. Edmundo Eluchans N° 3100), junto con una segunda tienda por confirmar en Pronto Las Salinas, Viña del Mar (Av. Jorge Montt 2300).

Junto a los espacios dedicados al intercambio de láminas, también habrá regalos y actividades sorpresas para los asistentes. Por ejemplo, los primeros 50 en llegar recibirán un sobre gratis, mientras que quienes participen en el desafío de dominadas podrán optar a un sobre adicional.

Además, hasta el 6 de julio, las tiendas Pronto Copec incorporarán nuevas promociones y productos en su menú. La principal será la Hamburguesa Mundialera, una edición limitada que podrá encontrarse en las cerca de 70 tiendas que poseen cocina.

La preparación incluye aros de queso, salsa BBQ, queso, tocino y salsa Pronto, y tendrá un valor de $7.490. También se podrá encontrar en formato combo con papas grandes y una lata mundialera, por $9.290 en ciudad y $9.690 en carretera.

Pero la verdad es que sin dejar de lado que todo lo anteriormente mencionado es cierto, Yoshi and the Mysterious Book es mucho más que la suma de sus partes y dejarlo pasar simplemente porque “no es para mi edad” es dejar de lado uno de los experimentos sobre videojuegos más interesantes que Nintendo ha creado en el último tiempo.

Yoshi and the Mysterious Book juega con una idea que siempre ha estado presente en los juegos de Yoshi, desde el Yoshi’s Island pero la lleva a límites insospechados. Y es que a diferencia de los juegos 2D de Mario, que siempre se trataron más sobre tratar de pasar los niveles de la forma más rápida y con una dificultad creciente, el primer Yoshi’s Island trajo a los plataformeros de Nintendo el elemento de la exploración, donde ya no bastaba pasar el nivel sino que hacerlo buscando cosas escondidas.

En el juego de SNES, por ejemplo, tenías que recolectar 20 monedas rojas, 5 flores y 30 estrellitas para pasar una etapa en su 100%. Yoshi’s Story de N64 juega con la idea de encontrar 30 melones secretos en cada etapa para pasarla por completo. Y así hacia adelante la serie ha ido jugando siempre con esa idea de ir escondiendo secretos en cada etapa y así darles un ritmo más pausado.

Y podríamos decir que la aventura de Switch 2 es un poco eso, es Yoshi brincando, lanzando huevos y buscando secretos para encontrar secretos. Pero la gracia de esta aventura es que acá no son un añadido sino que los secretos son el juego.

Yoshi and the Mysterious Book es un juego que rompe el esquema tradicional de explorar por explorar añadiendo una capa pocas veces explorada en un medio tan interactivo como lo son los videojuegos: la curiosidad. El título centra literalmente toda su jugabilidad con el concepto de la curiosidad, entregando recompensas y resultados a los más inquietos y observadores.

La historia del juego es de lo más básica pero ayuda a entender el concepto mismo detrás de lo que hacemos: Un misterioso libro llega en manos de los Yoshis, un libro que en su interior contiene decenas de criaturas pero nada escrito sobre ellas. La labor de Yoshi es ingresar al libro e interactuar con todas estas criaturas para poder ir escribiendo todos los descubrimientos sobre ellas.

Así, cada nivel es una “página” interactiva del libro donde el jugador, a través de Yoshi, debe averiguar todo lo posible sobre el personaje que allí habita. Y para eso tendremos que hacer lo que se nos ocurra: lo primero siempre será comerlo para ver su sabor y si se convierte o no en huevo. Podremos saltar sobre ellos y como movimiento nuevo, podremos pegarle con la cola para poder llevarlo montado sobre Yoshi y ahí poder moverlo a otros lugares del mundo para seguir experimentando.

Pero la gracia del juego está en que cada criatura que encontramos en el juego posee una mecánica distinta que hace que cada nivel se sienta único y las maneras de interactuar y de sacar estos descubrimientos sean distintas en cada una de estas páginas. En un nivel nos encontramos con un anfibio que es capaz de lanzar burbujas sobre las cuales nos podemos montar. Otro nivel tiene a un pájaro que baila en hula hula. Otro nivel posee una araña con la que puedes desplazarte como Spider-Man. Y en otro hay un gusano en forma de bumerán que puedes lanzar y vuelve hacia ti.

Desde que caes en el nivel hasta que lo terminas, allí el camino depende de ti. El avance de cada etapa se mide en el tipo de descubrimientos que vas haciendo que te pueden entregar una, dos o tres estrellas, lo que varía dependiendo de qué tan complejo sea lograr un objetivo. Comer a un ratón para ver cómo sabe es fácil, una estrella. Darle una manzana o un ají a una planta para ver cómo reacciona, también una estrella. Pero cosas más complejas o que requieren varios pasos para lograrse te van a dar dos o incluso tres estrellas. De hecho, un nivel se considera “completo” cuando haces un Gran Descubrimiento, que es básicamente lograr un objetivo más de videojuego usando todo lo que has aprendido de la criatura. A veces puede ser hacer florecer una planta, otras veces llevar animalitos perdidos a una cueva, otras veces llegar al final de un recorrido sin morir o saltar a lo más alto de una montaña.

Ahora bien, es posible hacer el cálculo matemático de saber cuántas estrellas realmente son necesarias para ir desbloqueando los mundos más avanzados con la menor cantidad de descubrimientos posibles y en ese caso, el juego no tiene mucho sentido.

Pero si en cambio, quieres volver a conectarte con tu capacidad de asombro, Yoshi and the Mysterious Book está lleno de momentos que premian la experimentación y el pensamiento lógico llevado a la pantalla con sencillos movimientos. Y esta experiencia es algo que Nintendo jamás había tratado en un videojuego y por lo mismo, no se siente aburrido.

Yo por ejemplo me centré tanto en tratar de sacar la mayor cantidad de interacciones con las criaturas en cada nivel que habiendo explorado menos de la mitad de los niveles ya había sacado lo suficiente como para ir a la última isla. El juego podría haberme durado efectivamente, una tarde.

Pero el sentimiento de curiosidad por ver qué mecánica nueva incorporará el libro en sus próximas páginas pudo más y este sistema de ensayo y error es más un premio para el jugador que para el avance de una narrativa. De hecho, Yoshi and the Mysterious Book utiliza muy bien el dejarte solo en el ambiente para obligarte a ti a armar tus planes. Por ejemplo, como en cada juego de Yoshi cada nivel tiene una cierta cantidad de flores que sabes que tienes que recolectar porque es un juego y de cierta manera te llevan a resolver minipuzles lógicos interactuando con el ambiente, pero hasta que no llegas al final del sexto capítulo, que es cuando aparecen los créditos del juego, no tienes idea para qué van a servir.

Otro elemento es la aparición de cosas que se repiten entre niveles. Por ejemplo, de vez en cuando aparecen rocas que sabes que pueden romperse. Hay animalitos que con un simple salto las aniquilan, pero hay otras etapas en las que romper piedras no está en el repertorio de movimientos básicos. Pero si está ahí se puede romper, entonces el juego te dice “mira, hay alguna forma de hacerlo, pero no te vamos a decir cómo”. Puedes gastar monedas para obtener pistas sobre interacciones que hayas olvidado, pero sería. El resto queda en manos de tu curiosidad, tu mente y tu lógica.

Sobre los reparos con esta aventura, tengo dos muy grandes y uno mediano. El primero es que siento que por cómo se ve y cómo está estructurado, no se siente como un juego que merezca ser exclusivo de la Switch 2. Quizás se deba a que hay etapas en las que hay muchos cálculos físicos, sobre todo de agua y viento, pero no están en todos los lugares y gráficamente no luce ni muy espectacular, solo tierno.

Quizás para demostrar el poder de la consola el juego tendría que haber sido un mundo abierto o una interconexión más lineal entre cada hábitat, pero considerando que cada criatura tiene un nivel encajonado, al que se accede y carga con un menú, no es un juego que de verdad sienta que no haya podido hacerse en la Switch original.

La segunda gran queja es que no hay mucha rejugabilidad. Sí hay niveles especiales en el post-game que extienden la vida del juego, pero después de haber descubierto todas las interacciones de una criatura, más allá del espíritu coleccionista, no hay mucho para hacer en volver a visitar niveles antiguos, sobre todo porque los descubrimientos quedan escritos en el libro, así que solo te queda saltar y entretenerte. No hay incentivo a volver a un nivel una vez que ya conseguiste todo.

Y la tercera tiene que ver con un momento, que no quiero spoilear, pero en el que el juego hace algo demasiado interesante con todas las criaturas que has investigado y agregado a tu lista. Me habría encantado ver cómo eso hubiese creado aún más posibilidades de interacciones locas en otros niveles, pero bueno, eso ya sería otro juego.

¿Vale la pena entonces sumergirse en el mundo de Yoshi and the Mysterious Book? A mí el juego me encantó, pero también debo reconocer que no es para todos y puede ser hasta divisivo, sobre todo si te gustan las aventuras más lineales y con objetivos claros. Dicen que al crecer lo que se pierde más rápido es la capacidad de asombro y un juego que lo traiga de vuelta de una manera tan sencilla es digno de aplaudir.

Yoshi and the Mysterious Book destaca precisamente por no seguir ninguna norma establecida: no es una aventura rejugable, tampoco tiene elementos de personalización, ni siquiera un modo cooperativo local, de los que Nintendo es seco para meter sin que nadie los requiera. Pero quizás lo que faltó para hacer de esta una experiencia más cohesiva fue crear un mundo realmente interconectado, música realmente memorable o un menú de exploración que no sea, literalmente, las opciones y el libro.

Si tan solo hubiese tenido una presentación más pulida y disruptiva, Yoshi and the Mysterious Book sería un imperdible. Pero hoy es más bien un juego que de seguro se volverá un clásico de culto y una clase maestra de diseño de videojuegos como experiencias únicas en el futuro.

Otra muestra de la expansión mundial del proyecto ideado por Álvaro Díaz y Pedro Peirano es que el músico japonés Eizo Sakamoto le hizo un cover a “Mi equilibrio espiritual”.

Este tema, original del disco homónimo de 2003 y cantado por el ex Chancho en Piedra Pablo Ilabaca, es un track que cuenta la proeza de Freddy Turbina de dejar las rueditas chicas de la bicicleta.

Sakamoto, en esta ocasión, puso en práctica su mejor español para darle una revisión rockera a este hit que marcó la infancia de muchos.

El clip tiene 143 mil reproducciones y ha dejado varios comentarios chistosos como: “Furedi turubina”, “es como si un chino y Dio hubieran tenido un hijo y lo dejaron abandonado en Chile”, “hasta con bailarinas del Cesfam, excelente servicio”, “Chile y Japón más hermanos que nunca”, señalaron algunos de los tantos escritos.

Cabe destacar que el cover tiene cerca de 5 años desde su lanzamiento, no obstante, las redes lo han viralizado durante estos últimos días.

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La noticia fue confirmada por su familia a través de un comunicado difundido por la prensa francesa.

“Marjane Satrapi falleció de tristeza poco más de un año después del fallecimiento de Mattias Ripa, su esposo y el amor de su vida”, indicó el texto. Ripa, actor, guionista y productor, murió en abril de 2025 a los 53 años.

Nacida en Rasht, Irán, en 1969, Satrapi se trasladó a Francia en 1994 para continuar sus estudios. Sus padres impulsaron su salida del país con el objetivo de alejarla de las restricciones impuestas por el régimen iraní.

Su obra más conocida fue Persépolis, publicada en el año 2000. La novela gráfica relató su infancia en Teherán y los profundos cambios que vivió Irán tras la caída del Sha y la instauración de la República Islámica.

Lo que comenzó como un proyecto que la autora pensó que apenas circularía entre amigos terminó convirtiéndose en un fenómeno internacional.

De hecho, la obra fue considerada por muchos como uno de los cómics más importantes de las últimas décadas.

El éxito llevó a una adaptación cinematográfica codirigida junto a Vincent Paronnaud. La película ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2007 y además obtuvo una nominación al Oscar como mejor película animada.

Además de Persépolis, Satrapi desarrolló una destacada carrera como escritora, ilustradora y directora. Entre sus obras sobresalen Bordados, Pollo con ciruelas y el libro colectivo Mujer. Vida. Libertad, centrado en las protestas de las mujeres iraníes.

Reconocida por su defensa de los derechos humanos y la libertad de expresión, en 2024 recibió el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades. El jurado la definió como “un símbolo del compromiso cívico liderado por las mujeres”.

Su fallecimiento provocó reacciones en distintos ámbitos culturales y políticos. El presidente francés, Emmanuel Macron, la describió como “una figura clave de la cultura francesa” y destacó que logró transformar su experiencia personal en una obra con un mensaje universal sobre la libertad y la dignidad humana.

El tema se viralizó esa misma jornada. Fernanda recién despertaba cuando una gran cantidad de notificaciones comenzaba a llegar a su celular. “Yo pensé que me habían filtrado un video, pero cuando empecé a ver la nota dije: ‘Wow’”, señala al micrófono del "Diario Popular".

Tanta exposición de golpe le provocó hasta ansiedad, siendo objeto de hate y también de comentarios positivos. Además, el titular le rememoraba una época donde la industria para adultos era impensada en su vida, pues era una activa dirigente estudiantil.

“Hacía mucho tiempo que no soy dirigente estudiantil, entonces volver a recordar todo igual es fuerte. Pero me gusta, la verdad (ser actriz porno)”, detalla. Total, igual se “está ganando plata”, enfatiza, sin esconder que los comentarios de odio, a pesar de no prestarles atención, le afectan.

Desde los 14 años su vocación fue la vida política, asegura, llegando a ser dirigente de la Asamblea Coordinadora de Estudiantes Secundarios en La Araucanía y su vocera durante cuatro años.

“Sin mayor preámbulo, Fernanda Mora Honorato, estudiante de 18 años, vocera del movimiento estudiantil, fue detenida junto a otros compañeros y compañeras, incluidas su madre y hermana. Fernanda y los demás detenidos denunciaron vulneración de sus derechos; a la vocera la golpearon y obligaron a desvestirse en la 2ª Comisaría de Carabineros de Temuco, según lo expresado por su organización”, detallaba Prensa Opal sobre lo acontecido un 11 de septiembre de 2020 en una manifestación donde Mora Honorato terminó detenida.

“Fue fuerte el trabajo que dimos con comunidades estudiantiles y también con la comunidad en general, con trabajadores y trabajadoras. Nos organizamos también con estudiantes en varias tomas de terreno, ayudando con desayunos comunitarios, etcétera. Yo entregué muchos años a la lucha social. Me expuse muchos años públicamente, políticamente, físicamente”, recuerda.

-¿Y por qué dejaste la política?

-Por procesos de la vida dejé la carrera, en la cual también estaba postulando como presidenta del Centro de Estudiantes de Derecho de la UFRO. Fui becada por gratuidad, por mis notas. Yo dejé la política porque, después, cuando empezó la pandemia, todas las movilizaciones empezaron a desarticularse en 2020 con el Covid.

Los que nos organizábamos en ese tiempo éramos súper pocos. Intentábamos mantener medidas de seguridad ante lo que estaba pasando con el Covid y estábamos trabajando más directamente con las comunidades en las tomas de terreno. El enfoque estudiantil estaba, porque claramente era precario, pero en ese momento los colegios y universidades estábamos todos por Zoom. Empezamos a movilizarnos más que nada con ollas comunes, a protestar, a tener ollas comunes para poder alimentarse.

Yo lo dejé cuando ya, en un momento, por salud mental, no podía estar ahí. Sufrí harto acoso el último año, a fin de año, por parte de grupos de derecha, estudiantes. Y ahí fue cuando, después de perder el centro de estudiantes —porque habíamos lanzado lista—, decidí dejar un poco la exposición pública. Porque yo la política no la he dejado. Sigo creyendo en mis principios, mis valores, mis ideales. Sigo teniendo compañeros y compañeras de hace años.

-¿Para ti cuál fue la importancia de la vida política en tu vida?

-Para mí la política me salvó en momentos en los que no tenía nada. Desde chica sufría una depresión grande, vivía solo con mi hermana, intentaba buscármelas como fuera para poder tener comida y vivir, como muchos estudiantes en Chile, como mucha gente en Chile, donde la realidad es precaria, sobre todo allá en Temuco. Para mí la organización fue un salvavidas. La gente que estuvo ahí me ayudó bastante. Entre nosotros nos ayudamos mucho, la comunidad también. Entonces siempre voy a ver con mucho amor todo ese proceso. Solo que, por cosas de la vida, me vine a Santiago y empecé a hacer OnlyFans y Arsmate para poder financiar mis cosas.

-O sea, fue una forma de subsistir. ¿Cuándo te fuiste a vivir a Santiago?

-Me vine a Santiago porque ya había empezado a hacer Arsmate. Cuando me salí de la exposición y de la carrera empecé a hacer creación de contenido y me empezó a ir súper bien. De hecho, estuve en el top 100 de mejores creadoras por harto tiempo. Todavía sigo siendo invitada y trabajando también con productoras y todo, desde que empecé. Ahí fue cuando decidí venirme a Santiago, porque acá tenía más posibilidades de hacer colaboraciones con otras chicas, de lanzarme más a vender mi producto y mi contenido.

-¿Y qué te dijo tu círculo, tu familia y también tus círculos políticos?

-Por parte de mi familia tengo bastante apoyo. Mi familia siempre me ha apoyado en mis ideas. Desde pequeña he sido súper rebelde, he cortado la estructura siempre. Soy una persona que sale mucho de las estructuras sociales, de lo que la gente dice que tiene que ser. También soy muy artista. Para mí todo lo que hago en este momento con el porno es arte. Lo disfruto y se nota porque yo lo publico. Si no, lo tendría escondido. Estoy haciendo harto dinero con eso. Con eso también ayudo a mi familia. He podido vivir sola, tener mis cosas, viajar, pagar cosas respecto a mi salud. Mi familia no carga conmigo hace mucho tiempo y eso también creo que lo agradecen bastante. Me ven bien haciendo lo que hago.

-¿Y a nivel de compañeros de política o conocidos, cómo lo tomaron?

-Al principio me costó mucho poder decirlo. Se lo dije a personas de las que estaba muy segura de que siempre me iban a apoyar y estar para mí. En este momento no he recibido ningún ataque de parte de círculos políticos de izquierda, y eso lo agradezco mucho. No porque yo sea trabajadora sexual, porque para mí hacer porno es trabajo sexual también, no puedo tener una convicción política. No por ser trabajadora sexual no puedo ser de izquierda. No porque sea trabajadora sexual no puedo exigir derechos para mi vida.

Lo que pasa es que en este momento en el mundo, y en Chile sobre todo, hay demasiado odio a quienes trabajan sexualmente, a quienes hacen porno o son acompañantes sexuales. Pero al final, quienes más lo critican son también quienes lo consumen. Entonces es una contradicción fuerte. Yo creo que muchas de las personas que en este momento me critican, si pudieran hacer lo que yo estoy haciendo y ganar lo que estoy ganando, lo harían sin dudar. Simplemente no se les da nomás.

-Hay críticas que son derechamente misóginas. También hay sectores del movimiento feminista que critican este tipo de plataformas.

-Yo creo que en el movimiento feminista hay demasiadas aristas. También está la arista radical, donde no están de acuerdo con las trabajadoras sexuales o con las personas transgénero. Yo por lo menos soy distinta. Mi feminismo abarca a las trabajadoras sexuales, que somos completamente explotadas también por el sistema. Nos explotamos a nosotras mismas y nos explota también el patriarcado. Siendo sincera, claramente estoy de acuerdo en que el porno sí lo financian los hombres en su mayoría, así es el patriarcado. Pero yo utilicé ese medio para poder lograr cosas para mí.

Dentro de mi porno es muy distinto también a mucho porno que se puede ver en Pornhub o en otros sitios gratis, que es un porno más frío, sin contexto. Mi porno tiene bisexualidad, tiene lados poliamorosos, tiene historias distintas del lesbianismo. Intento crear otras cosas, también trabajo con fetiches, pies, dominación. Intento explorar diferentes aristas. No es solamente como la gente ve el porno de forma prejuiciosa, como si fuera casi sin consentimiento. En mi caso todo es con consentimiento, todo es hablado, todo es planeado y lo estoy disfrutando. Intento disfrutarlo.

En verdad, todos en este momento estamos trabajando bajo el sistema. Quienes están contratados trabajan para un patrón, para un jefe, y están alimentando el sistema. Entonces, ¿qué quieren? ¿Que yo viva en un campo, viviendo de una huerta? No sé qué quieren realmente. Yo solamente estoy utilizando el mismo sistema que muchos utilizan para poder beneficiarme a mí misma y a mi familia.

-¿Qué harías a nivel Chile, en leyes u otros formatos, con el tema de la industria sexual? Arsmate mueve muchos millones y la industria está creciendo cada vez más. ¿Qué falta por analizar o legislar?

-Yo creo que como trabajadoras sexuales no tenemos derechos. En Chile sí se reconoce que existe el trabajo sexual. Hay muchas mujeres y hombres que ejercen el trabajo sexual y que no pueden optar a una salud digna, por ejemplo, para hacerse chequeos médicos constantes. Yo, por ejemplo, en el porno, cada 30 o 15 días me hago chequeos de todas mis ETS, ITS y todo lo que está pasando en mi cuerpo para hacerlo de manera saludable. Otra cosa es el tema psicológico respecto a las trabajadoras sexuales. En Chile la salud mental es súper precaria. Hay muchas trabajadoras sexuales que se han suicidado con todo el peso que llevan, porque muchas entran a esto porque lo necesitan económicamente, porque tienen que mantener a sus familias, porque tienen que sobrevivir de alguna forma.

Incluso quienes hacen porno en Arsmate y tienen cierta cantidad de dinero mensual tienen que pagar impuestos, solo que no los pagan a nombre de trabajadores sexuales, sino como creadores digitales. Esa es una forma que tienen para sacar impuestos por todo lo que se está ganando, porque se masificó esta industria del porno en Chile.

Pero a la vez no nos están dando el lugar de lo que somos: trabajadores sexuales. Yo misma me pago mi salud, mis chequeos, mi psicólogo, para poder estar bien de la mente y trabajar bien.

-¿Cómo es el hate que viven?

-Porque lamentablemente todo el odio que tiran en redes sociales sí afecta inconscientemente. A mí nadie me roba la calma, nadie me va a hacer sentir mal por lo que estoy haciendo, pero inconscientemente muchos comentarios y mucha mala vibra te afectan bastante en la mente. Una tiene que ser fuerte y agarrarse de su familia, de sus amigos, pero muchos tampoco tenemos eso. Ahí queda mucho por ver. Pero la prostitución y el porno siempre han estado.

-¿No crees que una plataforma como Arsmate podría tener un poco más de responsabilidad en gestionar, por ejemplo, la salud mental de ustedes? Porque a veces siento que es la pura plataforma, ellos reciben el monto y podrían tener más responsabilidad.

-Respecto a lo que he visto en Arsmate, sobre salud mental o salud sexual no he visto propuestas. Sí he visto clases de marketing, clases para poder ganar más dinero y ampliar las ganancias. Yo creo que sí sería una propuesta muy buena que también presten cierta ayuda respecto a eso. Pero la plataforma no es la responsable de garantizarnos nuestros derechos, eso es del Estado. Al final Arsmate no es la única plataforma que existe. También está OnlyFans, también está Pornhub, y está el trabajo sexual amplio en general, que no es solamente mediante plataformas.

-Claro, ¿pero igual el privado no debiera tener un poco de responsabilidad social?

-Sí, pero como es una industria nueva, o al menos Arsmate lleva pocos años, creo que todavía no es una propuesta que se haya lanzado o conversado. Quizás igual voy a conversar con personas que conozco de Arsmate para plantear esta situación. La visibilización que me están dando en este momento y el odio que estoy recibiendo en comentarios puede servir también para demostrar que de verdad necesitamos propuestas o proyectos donde Arsmate también nos pueda ayudar respecto a eso.

Pero en general creo que la responsabilidad máxima la tiene el Estado, porque los trabajadores sexuales en su gran mayoría no están solamente en Arsmate, sino en diferentes plataformas. Y cuando es presencial, cuando son trabajadoras sexuales presenciales, es aún más precario, más inseguro y más difícil.

Fernanda Mora, vocera y dirigente estudiantes secundarios ACES Araucanía. pic.twitter.com/ahUJw7pd4k

— PIENSAPRENSA 361 mil Seguidores (@PiensaPrensa) January 27, 2020

-¿No te pica el bichito de volver a la política en unos años más? ¿Tienes la puerta cerrada o no tanto?

-Últimamente me he cuestionado mucho la vida que tengo al no estar tan presente como estaba antes en la política. Sí he pensado en volver, pero volver de manera más tranqui, sin exponerme tanto como antes. Hacer porno me ha dado una exposición nacional y también mundial, porque trabajo para productoras que se lanzan en Europa. Entonces no quiero utilizar mi imagen o de alguna forma dañar las movilizaciones que surjan, porque mi trabajo es muy cuestionado. Siento que no quiero retrasar a los compañeros y compañeras que se están movilizando. Si vuelvo, lo haré de manera independiente, privada, sin tanta exposición pública. Eso al menos es lo que estoy pensando en este momento.

Cuando fui dirigente estudiantil, para mí la política nunca fue un objetivo para ganar dinero o tener un cargo público. Nunca. De hecho, en la ACES eso era lo que más criticábamos: cuando hay personas que utilizan la política o su dirigencia estudiantil para tener cargos públicos después y sacar leyes en contra del mismo pueblo, como ha pasado por muchos años.

-Por último, ¿qué se viene en tu carrera? ¿Qué nos puedes contar?

-En este momento estoy planeando hartas colaboraciones con actores extranjeros, con actores de Colombia, de España, de diferentes partes. También pienso viajar en unos tres meses más a Australia y estoy pensando en levantar mi propia productora porno. Aquí hay varias productoras con las que trabajo, pero me gustaría lanzar una propia, independiente. Quiero seguir en esto porque la verdad lo disfruto harto, estoy ganando bien, me gusta la vida que llevo. Estoy preparándome para poder invertir quizás en ciertas cosas con la plata que estoy ganando y en armar mi productora.

José Antonio Bravo, nombre real del artista, concretó su vuelta a las pistas con dos rostros insignes de la escena under: C-Funk de Los Tetas y Cestar de Shamanes Crew, un junte que surgió de manera natural y que es fruto de años trabajando codo codo.

En entrevista con el Diario Pop, DJ Bitman contó los pormenores de esta canción, y se sinceró sobre los motivos que lo llevaron a casi no sacar música durante ocho años, además adelantó lo que se viene en los próximos meses, con lanzamientos y conciertos.

Tiempo de una pausa

Siendo uno de los DJs y productores electrónicos chilenos con mayor prestigio y bagaje en el extranjero, el oriundo de Arica tiene más que claro cuál es su espacio en la música, por lo que hace unos años sintió que no era su momento de brillar, decidió dar un paso al costado por un tiempo, ahora vuelve por lo que le pertenece.

Después de un periodo prolongado lanzando discos, decidió tomarse una pausa: “Venía en un ritmo de sacar un disco por año desde el 2000. No solamente mío, sino con Bitman & Roban o con Ritmo Machine, que saqué dos, o con DJ Raff, que tenemos dos discos también. Después saqué un par de temas entre medio, como por el 2019. Saqué uno con Akapellah, otro con Ceaese, pero fueron solamente esos singles y nada más”.

“Básicamente, yo sentía que no estaba en mi sonido ni en mi momento para seguir siendo artista. Tenía mucha inquietud por explorar otras áreas en las que siempre había trabajado de manera un poco más de reojo, y ahora me dediqué más de frente a emprender, se podría decir”, señala el músico.

Es decir, que no fueron años en los que se alejó de la escena, se dedicó a “trabajar en música, componiendo y produciendo para otros artistas que veía que podían ser emergentes. En esa estructura empecé a generar un montón de proyectos ligados al desarrollo artístico, creando algunas alianzas con sellos fuera de Chile. Entonces me la llevé en eso”.

“Sentía que sacar cualquier cosa en ese período no era honesto, porque mi alma no estaba ahí. No estaba en ese lugar ni en ese rol de artista, frontman, etcétera”, señala.

Todo este tiempo ligado a proyectos de otros artistas, como Astronautiko, guiando el camino de quienes comparten su sueño, terminó por motivarlo a volver a hacer algo propio. “Sentí ganas de volver a sacar cosas mías. Después de ver tanto desarrollo y tantos lanzamientos de otros artistas en los que he formado parte, sentí que ya había encontrado un sonido que me dejaba tranquilo. Que me decía: “Esta es mi música, este soy yo de nuevo, esto es realmente lo que hago”. Y siento que también tiene que ver con que hoy la industria volvió a abrir las puertas a este tipo de música”.

Para DJ Bitman, se abrió la cancha en la industria, y sus aptitudes son valoradas, así que respondió con música: “Se volvió a valorar, o al menos a ponerle más atención al R&B, al funk, al hip-hop y a todo ese guiño dosmileros. Siento que ahora se permite. Hubo un momento en que no había cabida. Se sentía como si hubiera habido una purga general en lo que tenía que ver con nosotros. Si bien varios proyectos siguieron existiendo exitosamente, muchos se deshicieron, se separaron o tomaron otras búsquedas. Y toda esta generación nuestra no estaba muy a gusto durante ese tiempo”, señalan José Antonio.

El artista reconoce que alejarse de su música es algo que también le pasó a otros referentes de su generación. “Veníamos a toda velocidad durante los 2000 y los 2010, y de repente apareció la música urbana como un fenómeno enorme. Y eso es lo que hacen los fenómenos. En ese minuto sentí que había poco espacio para lo que veníamos haciendo hace 15 o 20 años. Entonces apareció otra conversación, aparecieron los números en la ecuación, porque antes no existían. Los artistas no eran catalogados ni valorados en función de los números”, señala Bitman.

“Las nuevas generaciones están descubriendo esta música, así como nosotros descubrimos el funk. Nosotros nacimos en los setenta, pero tuvimos que ir hacia atrás para encontrarlo. Cuando despertamos al funk en los noventa, ya tenía treinta años de historia. Y siento que algo parecido puede estar pasándoles a los más jóvenes”, agregó.

Todas las ideas y grabaciones que dejó macerando durante años, ahora serán parte de un disco que pronto verá la luz, y que promete dar de qué hablar.

“Cuando ya caché que estaba encaminado con el disco, obviamente uno empieza al tiro a pensar qué cosas puede hacer y con quién. Yo ya tenía varias grabaciones con otros artistas. De hecho, va a salir un tema que grabé en 2008 y que recién ahora rescaté, volví a producir y actualicé en términos de sonido. Sale ahora y es con un rapero neoyorquino de O.G.C, un grupo bien conocido dentro del rap noventero. Mis discos siempre tienen una parte importante de colaboraciones y otra parte más instrumental, más ligada al DJ, al scratch, al sampling y a esas cosas que han funcionado súper bien incluso en los FIFA y otros proyectos. Pero los featuring siempre han sido una parte importante y quería tomarme el tiempo de buscar artistas que realmente fueran parte de lo que estaba haciendo”, reveló.

“Baby” y un regreso con todo el funk

¿Cómo ha sido la recepción del público tras el lanzamiento de “Lady”?

—Ha sido súper buena. Yo creo que tiene que ver con que finalmente la gente que me sigue a mí y a los artistas que están conmigo en la canción, que somos más o menos del mismo universo, estaban extrañando cosas de este tipo. Había mucho silencio en nuestra generación durante un tiempo y creo que nuevamente está volviendo a sacar la voz esta movida de música negra que no necesariamente es tan urbana.

¿Cómo se dio esta colaboración con C-Funk y Cestar?

—No quería meter artistas a la fuerza porque les estuviera yendo bien o porque fueran populares. Si bien a C-Funk y a Cestar les va súper bien en sus proyectos, no fue por eso. Fue porque estamos súper alineados en lo musical, en lo generacional y en esta movida que siento que se está dando ahora, donde todo está volviendo a ocupar el lugar que siempre tuvo.

Yo siento que vengo a recuperar algo que es mío nomás. No a quitarle el lugar a nadie, sino a volver a ocupar un espacio que dejé vacío porque en ese momento tenía que hacerlo. Y ahora llegó el momento de volver. Uno sabe al tiro cuándo algo va a funcionar. Y cuando digo funcionar, me refiero a que yo, como autor y artista del tema, siento que esto es lo que quería hacer, lo que quería sacar y quién soy yo

Con Cestar fue el primer tema que grabamos juntos. La primera vez que nos sentamos en el estudio. Me sentía como en una primera cita cuando era chico, sin saber qué iba a pasar. Aunque seamos amigos, sentarse frente a una pista y esperar que dos personas hagan magia es una situación entretenida. También puede no resultar. Después pensé inmediatamente en C-Funk,

Le dije: “Cristian, tengo una guitarra grabada y quiero que la grabes de nuevo”. Y claro, me preguntó para qué, si ya estaba grabada. Pero al final le dije: “Bro, haz tu magia. Eres el maestro”. Y me pasó exactamente lo mismo que con Cestar. Cuando apareció su parte, fue instantáneo. Ahí estaba. Por eso digo que esta colaboración fue súper real. Muy orgánica. Cero procesada y cero forzada.

Se vienen más colaboraciones. ¿Hay alguna que puedas adelantar?

Sí. El próximo single es con Pablo Rojas, ganador de The Voice Chile. Tiene una voz increíble y siento que está en el track correcto. Es una canción muy R&B, muy negra, en español, con un guiño importante a una canción internacional muy conocida de un artista que justamente viene a Chile pronto. Pero prefiero que la gente lo descubra cuando escuche el tema.

Y además hay varias colaboraciones más. Hay una canción con LouieVille Slugga (O.G.C), un grupo súper importante dentro del rap estadounidense de los noventa.

También hay una colaboración con YADAM, un artista venezolano que vive en Francia y que pertenece a National Records, que fue mi antiguo sello. Hay otra canción con Is Sugga, una artista afrochilena que está teniendo un crecimiento impresionante.

Lo que sí quiero destacar es que estoy feliz trabajando con artistas que veo con proyección. No me interesa esa lógica actual de hacer colaboraciones solamente porque convienen en términos de números.

Estoy tratando de hacer un disco fresco, nuevo, que no se parezca a nada. Y ojalá funcione. Y si no funciona para mí, ojalá les sirva a ellos para seguir creciendo. Esa es un poco la mirada que tengo hoy. Me parece mucho más interesante hacer las cosas desde lo espontáneo y desde lo honesto.

El organismo habilitó un sistema para que operadores extranjeros de apuestas, casinos y juegos de azar digitales puedan inscribirse y cumplir con el pago de IVA por los servicios que prestan a usuarios chilenos.

La medida quedó establecida en una Resolución Exenta del pasado 2 de junio de 2026 y permite que estas plataformas accedan a mecanismos de registro, declaración y pago de impuestos mediante el régimen simplificado para servicios digitales prestados desde el extranjero.

Según el SII, la decisión responde a la obligación de asegurar el cumplimiento tributario de actividades que generan operaciones gravadas con IVA en Chile.

El organismo además sostuvo que no le corresponde determinar si una actividad económica es legal o ilegal, sino fiscalizar el correcto pago de los impuestos asociados.

La resolución también establece que las plataformas deberán declarar y pagar IVA por operaciones realizadas en Chile e incluso regularizar impuestos correspondientes a períodos anteriores, pudiendo llegar hasta 36 períodos tributarios previos.

La medida fue recibida positivamente por la Agrupación Chilena de Plataformas de Apuestas en Línea (aPAL). Desde la organización señalaron que la resolución corrige una situación que desde 2023 impedía a estas empresas utilizar el mismo mecanismo tributario disponible para otros proveedores extranjeros de servicios digitales.

A juicio del gremio, la decisión aporta mayor certeza jurídica y demuestra la necesidad de avanzar en la tramitación del proyecto de ley que busca regular la industria.

Además, reiteraron su disposición a cumplir las obligaciones tributarias y regulatorias que establezca una futura legislación.

La reacción fue muy distinta desde la Asociación Chilena de Casinos de Juego.

La entidad acusó que la medida funciona en la práctica como una “regularización encubierta”, al permitir que operadores cuya actividad ha sido considerada ilegal por distintos organismos del Estado ingresen a un sistema formal de recaudación tributaria.

El gremio sostuvo que pagar impuestos no transforma una actividad ilegal en legal y advirtió que las plataformas seguirían operando sin asumir exigencias regulatorias que sí enfrentan los casinos autorizados, como controles de trazabilidad, protección de menores, fiscalización permanente y medidas de prevención de actividades ilícitas.

Consideren que toda esta controversia surge además en medio de la tramitación del proyecto de ley que busca regular las apuestas online en Chile y que actualmente se encuentra en segundo trámite constitucional en el Senado.

Eso es lo que ha ocurrido desde el año 2008 en la comuna de Mostazal, donde se instaló el casino Monticello, recinto que debido a las regulaciones de la Ley 19.995 de Casinos de Juego, ha transferido más de $99.131 millones a la Municipalidad. Y solo en 2025, esa cifra supera los $11.200 millones, convirtiendo al Fondo Casino en una importante fuente de ingresos del municipio.

Lejos de ser recursos destinados a un fin específico, estos fondos son relevantes para la gestión comunal: financian programas sociales, de salud, educación, deportes, apoyo a personas mayores, ayudas directas a familias, organizaciones comunitarias y, con especial relevancia, la cartera de obras de infraestructura que cada año transforma el territorio.

En esa línea, tres iniciativas recientemente ejecutadas con financiamiento íntegro del Fondo Casino grafica el alcance real de este aporte a la vida cotidiana de los mostazalinos. Con una inversión conjunta que supera los $1.200 millones, estas obras responden a necesidades concretas y largamente esperadas en salud, conectividad y educación.

El proyecto de mayor envergadura es la construcción del nuevo Centro de Atención Integral (CAI) de Mostazal, con una inversión de $847 millones financiada con recursos del Fondo Casino.

El recinto —cuya inauguración está prevista para noviembre próximo— contará con 552 metros cuadrados distribuidos en cuatro edificios interconectados, con boxes de atención, salas de rehabilitación, áreas infanto-adolescentes, espacios de espera, patios interiores, accesibilidad universal y estacionamientos.

Se transformará en el principal espacio de atención terapéutica para niños, adolescentes, adultos y adultos mayores de la comuna, un nivel de servicio que antes solo estaba disponible fuera de Mostazal. Las propias autoridades comunales lo han bautizado informalmente como la “Teletón municipal”.

Otra de las obras que se han realizado debido al aporte generado por la actividad de Monticello es la pavimentación de Avenida Capitán Dávila, la cual representó una inversión cercana a los $298 millones, solventada en un 100% con fondos del Casino. La iniciativa concretó un anhelo de más de cinco años de los vecinos del sector y tiene un impacto directo sobre cerca de 10.000 personas que transitan a diario por esta vía.

En el ámbito educacional, los fondos del Casino también permitieron financiar la reposición de la techumbre de asbesto cemento del Colegio Camino Real, con una inversión de $52 millones. Una intervención de alcance concreto: eliminar un material que representó por años un riesgo latente para la comunidad escolar, mejorando al mismo tiempo las condiciones térmicas y estructurales del establecimiento.

La alcaldesa de Mostazal, Verónica Arroyo Arancibia, destacó que estas obras son parte de un esfuerzo mayor: “Estos proyectos reflejan de manera concreta cómo los recursos del Fondo Casino se traducen en obras que mejoran la calidad de vida de nuestros vecinos y vecinas. Estamos hablando de inversión en salud, conectividad y educación, tres áreas fundamentales para el desarrollo de Mostazal. Como municipio, nuestro compromiso es seguir utilizando estos recursos con responsabilidad, pensando siempre en las necesidades reales de la comunidad y en construir una comuna con más oportunidades, dignidad y bienestar para todas las familias”.

Por su parte, Manuel Rojas, gerente general de Monticello, subrayó el carácter estructural de este aporte. “Para nosotros es muy importante que nuestra actividad no solo entregue una experiencia integral de entretenimiento, sino que también contribuya concretamente al desarrollo de la comuna donde estamos insertos. Estas obras reflejan cómo los recursos que genera la actividad pueden transformarse en mejores espacios, servicios y oportunidades para miles de personas, además de dinamizar la economía local y generar empleo para la comuna”, afirmó.

En ese período, la compañía ha transportado más de 80 millones de pasajeros y realizado más de 672 mil vuelos, cifras que reflejan el crecimiento que ha experimentado el sector aéreo en las últimas dos décadas.

La aerolínea actualmente mantiene operaciones desde Chile y Perú, con una red que alcanza 45 destinos distribuidos en siete países. Según datos de la empresa, moviliza más de ocho millones de pasajeros cada año.

Uno de los cambios más importantes en su historia ocurrió en 2015, cuando adoptó el modelo de bajo costo, una estrategia que posteriormente se expandió a Perú y que contribuyó a aumentar la competencia dentro del mercado regional.

Antes de eso, en 2010, la compañía inició un proceso de renovación de flota con la incorporación de aviones Airbus, dejando atrás las aeronaves que utilizó durante sus primeros años de operación.

La expansión internacional continuó durante la década siguiente. Entre los hitos más recientes figuran el inicio de vuelos a Miami en 2022 y el fortalecimiento de su red de rutas internacionales.

Durante los últimos años, la empresa también ha impulsado programas complementarios a su operación aérea, incluyendo iniciativas de fidelización de pasajeros y proyectos de apoyo a organizaciones sociales en Chile y Perú.

Otro de los focos ha estado puesto en la modernización de la flota mediante aeronaves Airbus NEO, modelos que consumen menos combustible y generan menores emisiones por pasajero en comparación con generaciones anteriores.

La compañía además informó que las mujeres representan actualmente el 11,6% de su dotación de pilotos, una cifra superior al promedio mundial de 6,2% reportado por la Asociación Internacional de Transporte Aéreo (IATA).

La producción debutará el próximo 15 de julio con el estreno de sus dos primeros capítulos. A partir de ahí, la plataforma lanzará un nuevo episodio cada semana hasta completar su emisión el 19 de agosto.

Basada en la novela homónima de Marissa Stapley, la historia sigue a Lucky, una estafadora profesional cuya vida cambia por completo cuando un millonario robo sale mal y la obliga a huir para mantenerse con vida.

Mientras intenta escapar de las consecuencias del atraco, la protagonista se convierte en objetivo tanto del FBI como de un peligroso jefe criminal, quedando atrapada entre dos amenazas que la persiguen por motivos distintos.

Vean el tráiler:

Además de Taylor-Joy, el elenco incluye a Annette Bening, Timothy Olyphant, Aunjanue Ellis-Taylor, Drew Starkey, Clifton Collins Jr. y William Fichtner.

En ese escenario, Lucky desde ya se perfila como una de las principales apuestas de Apple TV+ para el segundo semestre.

Konami confirmó que Silent Hill: Townfall llegará el próximo 24 de septiembre a PlayStation 5, Steam y Epic Games Store, marcando el regreso de la franquicia con una propuesta enfocada en la exploración, la tensión psicológica y el misterio.

El anuncio estuvo acompañado por un nuevo tráiler presentado durante la reciente edición de State of Play, instancia que permitió ver nuevos escenarios, fragmentos de jugabilidad y algunos de los horrores que esperan a los jugadores.

Desarrollado por el estudio escocés Screen Burn Interactive y copublicado por Annapurna Interactive junto a Konami, el juego trasladará la acción a St. Amelia, una isla azotada por el viento y envuelta por una inquietante capa de niebla.

La historia seguirá a Simon Ordell, un hombre que regresa a la isla tras ser llamado para “arreglar las cosas”. Sin embargo, al llegar se encontrará con una comunidad atrapada en el silencio y rodeada por fenómenos que parecen desafiar toda explicación racional.

Uno de los elementos más llamativos del nuevo adelanto es un pequeño televisor portátil CRTV que acompaña al protagonista durante su recorrido. A través de este dispositivo, Simon comienza a descubrir fragmentos de un pasado que lentamente vuelve a emerger.

Según lo mostrado en el tráiler, la exploración tendrá un papel central en la experiencia. A ello se sumarán secuencias de evasión marcadas por la tensión, enfrentamientos frenéticos y acertijos narrativos diseñados para revelar los secretos ocultos de la isla.

Junto con anunciar la fecha de lanzamiento, Konami también abrió las reservas de las ediciones estándar y deluxe.

Esta última incluirá un libro de arte digital, la banda sonora, un traje alternativo para Simon y acceso anticipado de 48 horas antes del lanzamiento oficial.

Las reservas además otorgarán contenido adicional como diseños especiales para el televisor CRTV, incluyendo una apariencia oxidada y otra inspirada en la playa que estará disponible exclusivamente para los jugadores de PlayStation 5.

Warner Bros. Games confirmó que el videojuego llegará a la nueva consola de Nintendo el próximo 18 de septiembre, permitiendo que una nueva audiencia pueda sumarse a una de las aventuras más celebradas del Caballero Oscuro en formato LEGO.

La propuesta combina exploración, acción, humor y construcción dentro de un mundo abierto inspirado en Gotham City, manteniendo el estilo accesible y familiar que ha caracterizado a los títulos de LEGO durante los últimos años.

El lanzamiento en Nintendo Switch 2 incluirá tanto una edición estándar como una edición deluxe. Esta última incorporará diversos contenidos descargables centrados en personajes, vehículos y elementos inspirados en distintas etapas de la historia de Batman.

Entre ellos destaca la llamada Colección del Legado, que agrega trajes, accesorios para la Baticueva y contenido basado en la saga Batman: Arkham, además de elementos inspirados en Batman Beyond.

Junto con el estreno también estará disponible la nueva Colección del Caos, una expansión que permitirá jugar como el Guasón y Harley Quinn a través de un nuevo modo de juego, además de sumar una misión adicional para la campaña principal.

El contenido descargable también incorporará nuevos trajes para los personajes jugables, accesorios para la Baticueva y un Batimóvil inédito para recorrer la ciudad.

Por otra parte, quienes reserven cualquiera de las versiones del juego para Nintendo Switch 2 recibirán el traje de Batman inspirado en la clásica novela gráfica El Regreso del Caballero Oscuro, creada por Frank Miller.

Vean el tráiler a continuación.

El anuncio fue realizado durante Anime Expo, uno de los eventos más importantes de la industria que se desarrolla en Los Ángeles.

En ese marco, la compañía adelantó parte de las producciones que formarán parte de su programación futura.

Entre los títulos más destacados figura la tercera temporada de Los Diarios de la Boticaria, serie que se ha consolidado como uno de los mayores éxitos recientes del anime gracias a su combinación de misterio, drama y política ambientada en una corte imperial.

La plataforma también confirmó la segunda temporada de Gachiakuta, adaptación del manga de Kei Urana que rápidamente se transformó en una de las propuestas de acción y fantasía más comentadas de los últimos años.

A esas producciones se suman nuevas series como Firefly Wedding, Overgeared, I Became a Legend after My 10 Year-Long Last Stand, The Ogre’s Bride, The Villager of Level 999 y Victoria of Many Faces.

La lista también contempla el regreso de franquicias ya conocidas por los suscriptores. Entre ellas destacan las segundas temporadas de Saga of Tanya the Evil y Sasaki and Peeps, dos títulos que cuentan con una sólida base de seguidores dentro del catálogo de Crunchyroll.

Por otro lado, la compañía anunció la llegada de The Oblivious Saint Can’t Contain Her Power, ampliando su oferta de adaptaciones de novelas ligeras y fantasía, uno de los géneros que continúa dominando la producción de anime actual.

Además de estos anuncios, Crunchyroll confirmó que las series Goodbye, Lara y Tomb Raider King debutarán en la plataforma durante julio, ampliando aún más la oferta de estrenos para la temporada de verano del hemisferio norte.

A la fecha se sabe que el juego será lanzado con 20 personajes del mundo de Marvel, divididos en cinco equipos temáticos de los que hasta ahora solo se conocían tres: Los Inquebrantables X-Men conformados por Storm, Magik, Wolverine y Danger; los Guardianes Asombrosos liderados por Spider-Man junto a Star-Lord, Ms. Marvel y Peni Parker, y por supuesto un equipo de Avengers liderado por el Capitán América junto a Iron Man, Hulk y Black Panther.

Pero como todo buen juego de peleas también tiene que haber un espacio para los villanos y así es como durante la emisión de su State of Play, PlayStation mostró al cuarto equipo que formará parte del juego, llamado los Caballeros de Doom (Knights of Doom), liderados por el Dr. Doom, quien hasta ahora era el único personaje del bando de los malos que había sido visto en los tráileres del juego.

Doom será acompañado de Magneto, uno de los grandes archirrivales de los X-Men, y dos personajes sacados del universo de Spider-Man: el Duende Verde y Carnage.

Si bien por motivos de historia y marketing los equipos son presentados como unidades, en el juego final podrás mezclar a tus personajes favoritos, pudiendo jugar si quieres con una combinación de Wolverine, Dr. Doom, Peni Parker y Hulk si así lo prefieres.

Ahora solo queda un equipo por mostrar el cual es liderado por Ghost Rider, por lo que se especula que podría ser un team de antihéroes, siendo candidatos para aparecer personajes como Deadpool, Blade, Punisher o Moon Knight. Se espera que el fin de semana de EVO, a finales de junio, sea el lugar para conocer a los últimos jugadores.

Revisa el tráiler de anuncio de los nuevos personajes a continuación:

Se trata de Ciao Amore, una heladería especializada en gelato que recibió el sello Ospitalità Italiana, una certificación impulsada por las Cámaras de Comercio de Italia para distinguir a establecimientos que representan fielmente la cultura culinaria del país europeo.

La distinción considera una evaluación que va mucho más allá de la calidad de los productos. Entre otros aspectos, analiza el origen de las materias primas, la fidelidad de las recetas, la coherencia cultural del negocio y el respeto por las tradiciones gastronómicas italianas.

Gracias a este reconocimiento, Ciao Amore se convirtió en apenas la segunda gelatería en Chile en obtener la certificación, consolidando una propuesta que busca replicar la experiencia de una auténtica gelatería italiana.

“Viajamos a Italia donde recorrimos muchas gelaterías. Allí sacamos ideas que nos fueron sirviendo y que hoy día nos llevan a recibir este reconocimiento como auténtica gelatería italiana”, explicó Fernando Echeverría, chef y socio fundador de la marca.

“Fue muy importante la especialización para saber cómo traer toda la materia prima desde Italia, que sea todo natural, que sea auténtico gelato italiano, sin colorantes, sin aditivos, saborizantes, que sea de una textura realmente como es el gelato en Italia”, agregó.

Actualmente, la empresa cuenta con locales en el Mercado Urbano Tobalaba (MUT) y Huechuraba, además de nuevos proyectos de expansión.

Su oferta combina gelatos artesanales, cafetería de especialidad y preparaciones inspiradas en recetas tradicionales italianas.

“Recibir este reconocimiento es un orgullo enorme porque valida una filosofía de trabajo basada en la autenticidad”, señaló Valentina Valdés, socia de Ciao Amore. “Mezclamos la historia de las recetas que tenía de mi nonna que era muy buena haciendo postres y los fuimos traduciendo al sabor del gelato italiano”.

Desde la Cámara de Comercio de Italia en Chile destacaron que el sello representa mucho más que un premio. Según explicó su directora, Paola Della Schiava, la certificación reconoce a aquellos establecimientos que garantizan el respeto por los estándares de calidad, hospitalidad y tradición que caracterizan a la auténtica cultura gastronómica italiana.

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Y en esa decisión, la película dirigida por Travis Knight (Kubo y la búsqueda samurái, Bumblebee) abraza lo extravagante, lo ridículo y lo artificioso para dar forma a una versión que parece extraída directamente de los sueños más delirantes de un fan de la serie original.

Por supuesto, la propuesta no es una recreación al pie de la letra. En el camino incorpora un tramo ambientado en la Tierra que rara vez funciona del todo, o al menos no hasta que el desenlace consigue darle un propósito para reforzar la figura del héroe.

Sin embargo, esta adaptación cinematográfica cuenta con diseños de personajes, un mundo fantástico e incluso un espíritu cómico que abraza los aspectos más juguetones de una serie de animación que, en el fondo, fue creada para vender juguetes.

La historia comienza en Eternia, un mundo donde la magia y la tecnología conviven para dar forma a un escenario plagado de criaturas extrañas, héroes con habilidades extraordinarias y villanos desalmados empeñados en expandir el caos. En ese contexto, la paz encabezada por el rey Randor llega a su fin tras un devastador ataque de las fuerzas de Skeletor, quien busca obtener la Espada de Poder para acceder a la energía cósmica que reside en la legendaria arma.

Sin embargo, la intervención de la hechicera Sorceress permite enviar tanto la espada como al joven y enclenque príncipe Adam hacia la Tierra: el mundo de origen de su madre, la reina Marlena, y el único lugar donde Skeletor jamás pensaría buscarlo.

Tras esa introducción, y sin demasiadas sorpresas, la historia impulsa a un Adam ya adulto a recuperar -de forma bastante ridícula- la Espada de Poder que perdió durante su llegada al planeta. Mientras trabaja en Recursos Humanos y nadie cree sus relatos sobre Eternia, su gran desafío termina siendo demostrar por qué es el elegido para poner fin al régimen de terror que Skeletor ha impuesto sobre su hogar durante más de quince años.

A partir de esa base, y sin desarrollar una narrativa particularmente profunda, la película apuesta constantemente por la entretención liviana y un tono cargado de humor, aunque sin olvidar una regla fundamental: jamás burlarse de aquello que representa la franquicia.

Por el contrario, abraza con convicción los aspectos más extraños y coloridos de este universo, permitiendo que la fantasía, la acción y el absurdo convivan sin que nada resulte fuera de lugar.

En esa ruta, uno de los mayores aciertos de la película es el propio viaje de Adam gracias al trabajo de Nicholas Galitzine. El actor logra validar el recorrido del héroe para que He-Man termine sintiéndose como la encarnación de un ideal heroico más que como un simple hombre musculoso con una espada mágica.

Lo mismo ocurre con Skeletor, quien conserva el espíritu de villano caricaturesco y extravagante de la serie animada, pero sin perder la crueldad necesaria para que sus esbirros le teman -aunque esos momentos son muy graciosos- y también pueda convertirse en una amenaza real cuando la película lo requiere.

Aunque hay varios elementos que no terminan de funcionar del todo, tanto las secuencias de acción como la construcción del mundo terminan impulsando una aventura que consigue justificar su propia existencia, dar credibilidad a su entorno y poblar la historia de personajes secundarios que cumplen exactamente el rol que deben cumplir: ser figuras de acción tan llamativas que uno entiende perfectamente por qué esta franquicia nació para vender juguetes.

Pero en eso también existe encanto. Aunque la película recurre constantemente a ideas que el cine fantástico y las historias de héroes han utilizado hasta el cansancio como el tema del elegido, la búsqueda del destino, la lucha contra el tirano o la necesidad de creer en uno mismo, igual consigue ejecutarlas con suficiente convicción y carisma como para que funcionen una vez más.

No porque reinvente esas fórmulas, sino porque entiende perfectamente qué tipo de aventura quiere ser y jamás intenta disfrazarse de algo más complejo o trascendente.

Esa misma honestidad también se refleja en la forma en que abraza el legado de la serie animada de los años ochenta. Lejos de avergonzarse de sus raíces, la película las celebra constantemente a través de personajes reconocibles, frases que los fanáticos identificarán de inmediato y una representación de Eternia que incorpora desde sus elementos más clásicos hasta algunos de los aspectos más extraños y absurdos de la mitología.

El resultado termina sintiéndose como una verdadera carta de amor a una franquicia que durante décadas fue considerada demasiado extravagante para una adaptación moderna, pero que aquí encuentra precisamente en esa extravagancia su principal fortaleza.

Lo anterior se extiende al trabajo musical. La banda sonora incorpora canciones ampliamente reconocibles que encajan sorprendentemente bien dentro de la propuesta, desde el clásico “Boys Don’t Cry” de The Cure hasta “What’s Up?” de Four Non Blondes, una elección muy celebrada al considerar su vínculo con uno de los memes más populares asociados a He-Man.

A eso se suma “Princes of the Universe” de Queen, una canción inseparable de Highlander -franquicia que incluso recibe una referencia dentro de la película- pero que termina integrándose de forma natural a la épica de esta aventura. Y, aun así, el largometraje no depende únicamente de esas selecciones musicales. El trabajo del compositor Daniel Pemberton resulta sobresaliente durante toda la película y encuentra su punto más alto en “Eternia”, un tema épico y de ritmo pegajoso que además cuenta con la inconfundible guitarra de Brian May.

Solo basta agregar que lo más satisfactorio de la película es que entiende algo que muchas adaptaciones modernas olvidan: He-Man no necesita ser transformado en una figura sombría, torturada o excesivamente seria para funcionar.

Su esencia siempre estuvo ligada a la fantasía desbordada, lo cómico de su propia plasticidad, el heroísmo sin complejos y a la idea de que un joven aparentemente común puede convertirse en el hombre más poderoso del universo. La película comprende esa premisa y la celebra sin ironías, permitiendo que He-Man vuelva a sentirse como el ícono que marcó a toda una generación.

Por eso resulta tan positivo que esta nueva adaptación de Los Amos del Universo no sea la película oscura y grandilocuente que algunos imaginaron durante años, ni tampoco la que muchos esperaban tras la elogiada serie animada de Kevin Smith. Es decir, realmente creo que termina siendo algo más valioso: una producción que entiende exactamente qué hace especial a esta franquicia.

Con humor, acción, monstruos, magia, tecnología imposible y una enorme dosis de sinceridad, la película consigue que Eternia vuelva a sentirse como un lugar fascinante. Y en tiempos donde tantas adaptaciones parecen avergonzarse de aquello que las hizo populares, resulta refrescante encontrarse con una que simplemente levanta la Espada de Poder y proclama con orgullo: “¡Yo tengo el poder!“.

Amos del Universo llegará a los cines este 4 de junio.

El trazado, conocido como Madring, será parte del “Season Pack 2026” y marcará la llegada de una pista completamente nueva para la franquicia de carreras de Electronic Arts y Codemasters.

Desde el estudio explicaron que el circuito fue desarrollado utilizando datos preliminares, ya que la pista todavía no ha sido utilizada oficialmente por la Fórmula 1 y aún no existe material de escaneo real del lugar.

A raíz de eso, el trazado no será una pista escaneada con lásers, lo que se ha hecho con todos los otros circuitos, aunque el equipo asegura que cada curva y sección fue recreada para reflejar lo más fielmente posible el diseño proyectado del futuro circuito madrileño.

La pista apostará por largas rectas y curvas rápidas, con varias oportunidades de adelantamiento, buscando ofrecer carreras más agresivas y dinámicas dentro del videojuego.

El nuevo circuito además podrá jugarse antes de que los pilotos reales de la Fórmula 1 compitan oficialmente en él, convirtiéndose en una especie de adelanto interactivo para los fanáticos de la categoría.

EA Sports también aclaró que Madrid no reemplazará al circuito de Barcelona dentro del calendario del juego. Ambos trazados coexistirán en la temporada 2026 disponible en el DLC.

Consideren que la inclusión de Madring forma parte de la estrategia de contenido que reemplazará el tradicional lanzamiento anual de la saga, ya que este año la franquicia apostará por una gran expansión pagada en vez de publicar un hipotético F1 26.

El paquete además añadirá las nuevas regulaciones técnicas de la Fórmula 1, cambios aerodinámicos, nuevas mecánicas de gestión energética y la expansión de la parrilla a 11 equipos.

El contenido 2026 estará disponible desde el próximo 3 de junio en PS5, Xbox Series X/S y PC.

En una carta abierta que critica la frivolidad de su generación, el consumismo preponderante del día a día o simplemente relata cómo es ser una muchacha en la gran capital en pleno 2026.

Con una vida que transitó desde San Fabián hasta su mudanza a Puente Alto en tercero medio, fue forjando su visión personal y artística.

“Fue muy brígido, porque San Fabián es muy pequeñito. No hay grandes tiendas, no hay banco tampoco. Llegué a Puente Alto y me fui a estudiar a Ñuñoa. Ahí me molestaban un montón, no en mala, no con afán de hacerme daño, pero me decían mucho: ‘Qué huasita’, ‘hablas como guasa’ y cosas así”, detalla sobre este choque cultural que todo provinciano vive al enfrentarse a la metrópoli santiaguina.

“Para mí igual era heavy ver edificios. De chica había vivido en Puente Alto, pero el choque cultural de ir con mis compañeros a Providencia era como: ‘¿Qué es esto?’. Era casi otro país. Entonces sí, fue un choque heavy”, expone Isidora Gutiérrez, la persona detrás de Izzy. De hecho, el cuarto track de su disco, “Vitacura…”, habla de esto.

Aunque en tierras capitalinas emprendería sus inquietudes artísticas, precisamente cuando era solamente una liceana y subía música a SoundCloud, pone en claro que el bagaje folclórico que traía desde San Fabián, región del Ñuble, también fue clave.

Sus primeros temas estaban muy ligados al lo-fi y el bedroom pop, ritmos muy populares en la previa de la pandemia. Además, nombra a músicos como Clairo, Billie Eilish o Gianluca como algunos de sus favoritos en aquella época.

Tras largos años buscándosela y paleando ripio en el mundo de la música, Isidora encontró su norte con el mencionado “Chile is Cute”, publicado el 24 de abril bajo el sello independiente Adorable Puente.

-Ha sido un camino largo, porque este disco te ha dado harto. Ha salido en medios, ha llamado la atención. ¿Cómo has sentido este ascenso?

-Ha sido raro, porque haciendo el disco me di cuenta de muchas cosas de mi vida, más internas, más emocionales. Antes de sacar el disco tuve un bajón emocional. No quería sacarlo porque era como mostrarle al mundo qué estaba pasando dentro de mí y eso me generaba cierta ansiedad. Entonces fue muy lindo sentir que al disco le estaba yendo bien. Honestamente he invertido en prensa, pero hay reacciones que uno no puede pagar. Que haya gente que me escriba: ‘Izzy, este tema es mío, lo escribiste para mí, me identifica demasiado’, es muy gratificante.

-Antes de entrar al disco, volvamos un poco a tus antecedentes. Entraste en SoundCloud, pero ¿cómo fue eso? ¿Estuviste en una escena? Porque igual aparece Brokeboirichie en una de las portadas de uno de tus singles, y es como un héroe del underground local.

-Bueno, no sé si sabes, pero yo igual subo videos a YouTube de ASMR.

-Sí, buscando información caché que eras medio youtuber.

-Siempre me he sentido bien solita en la música. Me costó mucho encontrar gente que dijera: ‘Ya, igual ella tiene algo que decir’. Yo asumo que sonaba muy mal. De pronto me costó tener para pagar un estudio. Y precisamente el Richie fue el primero que sentí que me dio la mano. Me dijo: ‘Ven a grabar a mi casa, está bacán lo que estás haciendo, tenís potencial’. Para mí el Richie es muy importante. Siento que me dio un boost de confianza. De a poco fui conociendo a más artistas que también me han apañado, que me han compartido los temas, que me han dicho: ‘Eri buena’. Pero costó. Hasta el día de hoy no siento tener una escena. Siento que tengo hartos amigos en el mundo medio urbanito y hartos amigos en el mundo más indie, pero no termino de entrar en ninguno.

Sí. Siento que en esencia soy más alternativa, pero como modus operandi soy más urbana. Mis conocidos del lado más alternativo todos tocan instrumentos, son un poquito más ñuñoínos. Y en el lado urbano yo soy como la más pollita y nerd. Pero funciono más con la forma de trabajar urbana.

-Y llega “Chile is Cute”. ¿Por qué ese nombre?

-Para mí el título “Chile is Cute” tiene un doble sentido. Siento que Chile sí es lindo, sí es tierno, porque lo amo. Pero por otro lado también es ingenuo, irónicamente tierno. Esto de poder elegir a Kast y que mucha gente de escasos recursos piense que Kast va a mejorar su vida, que va a generar la instancia para que una persona pobre se vuelva rica. O esta idea de que los chilenos somos más blancos que otros países. El chileno es bien ingenuo.

-En la portada del sencillo “American Dream” aparece Piñera, en rosado, cuando va a la Casa Blanca y muestra la bandera. ¿Por qué elegiste esa imagen?

-Barajé muchas portadas, pero sentí que esa era la que más representaba al chileno queriendo a toda costa ser parte de Estados Unidos. Siento que Chile es siempre como el hermanito chico de Estados Unidos, que quiere hacer todo, como que quiere jugar a la Play, pero tiene el mando desconectado. Esa foto es como el peak de eso: nuestro presidente chupándole las patas a Estados Unidos descaradamente, pensando que es algo lindo...

-Chile igual es muy gringo. Tenemos caleta de amor por cosas gringas: comida, lucha libre, rock, hip hop. Pero también somos latinos. Es una mezcla rara.

-Sí. Tengo amigos de Perú que conocí gracias a la música y ellos vienen cada tanto. Siempre dicen: ‘Esto es muy gringo’. Fueron a mi casa en La Florida y decían: ‘Esto parece California’. Y yo pensaba: ‘No, La Florida ni siquiera es un lugar cuico’. Pero decían que la forma en que todo está distribuido da mucha vibra gringa.

-A mí lo que me sorprendió de tus canciones, además de lo urbano, el drum and bass, el post punk, fue el discurso. Es raro que artistas jóvenes hagan algo así, porque uno ve el Top 50 o entrevista artistas y muchas veces son cosas más superfluas: tener cosas, tener minas, tener minos. Lo tuyo es mucho más crítico.

-Sí, pasa que, como te decía, siempre me he sentido bien afuera de todo, muy observadora. Me considero sociable y extrovertida, pero también muy crítica, y eso a veces genera problemas. Con el disco siento que fue reconciliarme con esa parte mía que sí está criticando.

-Por ejemplo, en “Ser una estrella!” es como “Exijo ser un héroe”, de Los Prisioneros.

-Sí, esa fue la inspiración. Como esto de que los artistas tienen todos los pelos coloridos y los letreros brillando. Hoy en día todos están muy enfocados en su branding, en tener el pelo rojo, azul, rosado o morado. Y como decías tú, las letras de repente se quedan en emociones más simples o ni siquiera hay una emoción. La canción es: ‘Yo tengo esto, yo hice esto y soy bacán’.

“Hay emociones interesantes de explorar y mi generación no está tan dispuesta a examinarlas”

-Está muy fórmula. En 2018 era entretenido, pero llevamos casi 10 años con eso.

-Y me pasa que sentí que me sentí un poco traicionada por ciertas mujeres que llegaron al éxito y ver que sus letras seguían siendo, para mí, basura. Por ejemplo, artistas que considero muy bacanes como Akriila, me sigue molestando que su postura como mujer sea: ‘Ahora yo soy la que sexualiza a la mujer’. Como soy lesbiana, entonces tengo el poder de decir: ‘Yo te escupo la cara’, pero soy mujer, entonces no importa. Ese tipo de cosas me cargan. Para “Chile is Cute” quise enfocarme en emociones que fueran más específicas. No sé si súper complejas, pero sí sensaciones que uno de repente no habla con el amigo. Si te preguntan cómo estás, no necesariamente dices: ‘Estoy sintiendo mucho resentimiento de la clase alta porque tienen más oportunidades que yo’.

-“Vitacura…” habla de eso también.

-Claro. O ‘American Dream’. Siento que es una crítica a querer ser full gringo y al sueño americano, pero el coro de ese tema lo escribí en el metro, irónicamente. Yo decía: ‘No me reconozco en la cara de los que me rodean’. Me siento súper ajena a mi realidad. No me reconozco en Puente Alto, pero tampoco en Providencia. Hay emociones interesantes de explorar y mi generación no está tan dispuesta a examinarlas. No necesariamente por culpa de la generación, porque también es el sistema económico en el que vivimos, que no nos deja tiempo. Pero sí creo que si uno pone un poquito de esfuerzo puede acceder a esos pensamientos más humanos.

-Para mí este disco es como si Jorge González y Claudio Narea hubieran tenido una hija generación Z . Siento que hay mucho Prisioneros ahí. ¿Te gusta esa analogía?

-Me encanta. Mi familia es súper de campo, súper de derecha, súper conservadora. Para mí, como a los 11 o 12 años, descubrir “La voz de los 80″ y “Corazones”, que fueron los primeros discos que escuché, fue como: ‘Los amo’. Ellos me abrieron los ojos en muchos aspectos: temas políticos y también en cuanto a que fue la primera vez que dije: ‘En Chile se puede hacer música bacán’. En mi familia no consumíamos mucha música chilena, entonces para mí fue: ‘¿Qué está pasando? Hacían esta música en los 80, 90. Se pueden hacer cosas bacanes hoy en día’.

Siempre son referentes. Busco transmitirle a la gente lo que ellos me transmiten, que es, en el fondo, que vale la pena vivir y luchar por la vida. Esté mal o no lo que está pasando, hay que tirar para adelante. Siento que con ellos hay que patalear, no conformarse. En letras, pero también en sonidos. Lo que más me gusta de Los Prisioneros son los proyectos más raros, como Ni por la razón, ni por la fuerza. Me encanta porque hay cosas muy raras. No hay un ‘me conformo con hacer rock’ o ‘me conformo con hacer pop’, sino un ‘quiero hacer todo lo que el mundo me permita’.

-Se me quedó en el tintero lo de la portada. Es muy Corazones. ¿Estaba pensado en eso?

-Sí. De hecho se dice que: ‘Si tu disco favorito de Los Prisioneros es Corazones, no te gustan Los Prisioneros, te gusta Jorge González’. Pero Corazones fue el primer disco que escuché y dije: ‘Chucha, esto es de Chile, estos sintetizadores’. Yo lo sentía muy europeo en mi mente. Entonces sí pensé que Corazones tenía que estar presente de alguna manera en Chile is Cute, porque es lo que me abrió los ojos, lo que hizo que me quisiera dedicar a la música. Sí, ese fue el guiño.

-Siempre pregunto esto cuando hablamos de un disco: ¿cuál es tu top 3 de canciones favoritas de “Chile is Cute”?

-Mi top 3 sería: “Ser una estrella”, top 1; “American Dream”, top 2; y “Chicago Boy”, top 3.

-¿Y por qué cada una?

-“Ser una estrella” me encanta porque siento que es mi manifiesto actual de qué pienso sobre la música o cómo es ser artista hoy en día en Chile, con sus frustraciones. La música la hizo mi amigo Kush Ufly muy inspirada en “Pateando piedras”, que es mi disco favorito de la vida.

“American Dream” me encanta porque quedó muy bueno, muy bailable. También me encanta que fue la primera vez que me atreví a jugar con la ironía, con el sarcasmo. Me divertí mucho haciendo ese tema.

Y “Chicago Boy” me encanta porque exploro una emoción que no es tan común de hablar, pero sí común de sentir: estoy compitiendo por el amor de alguien y mi oponente es la plata.

-¿Por eso “Chicago Boy”?

-Claro. Se implantó este sistema en que, sobre todo los hombres, y cada vez más las mujeres, se validan a través de cuánta plata tienen, cuánta plata llevan para la casa.

Mis propios papás, yo vi cómo su matrimonio se destruyó porque mi papá trabajaba muchísimo y mi mamá le decía: ‘Quiero que estés en la casa’. Y mi papá decía: ‘Yo también quiero, pero tengo que traer plata’. Cuando me hice más grande también me encontré con que tenía pololos que seguían el patrón: ‘Tengo que josear, hay que tener plata’. Entonces me gusta haber capturado esa desolación de decir: ‘No hace falta tanta plata’.

“Los mismos que cantan sobre toda esta locura muy hedonista tampoco la viven”

-Por último, cuéntanos qué se viene ahora en tu carrera. ¿Dónde te podemos ver? ¿Cuándo se vienen los shows?

-Cosas confirmadísimas todavía no hay, porque el último mes ha sido como una avalancha de cosas.

-¿Has sentido que han pasado hartas cosas? Porque igual la crítica, entre comillas, ha recibido bien el disco. Ha llegado gente nueva a tu música.

-Sí, siento que se han estado moviendo hartas cosas. De pronto no estaba tan preparada para eso. Pensé que iba a ser mucho más piola todo. Estoy tratando de gestionar, porque gestiono todo sola, no tengo manager. Estoy viendo hartas ofertas.

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-Es tu pyme igual. Los artistas son como una miniempresa.

-Totalmente. Encima una pyme con números rojos.

-Pero ojalá va a dar azules.

-Sí. Sobre todo planeo todo lo que queda del año promocionar el disco, tocar en vivo lo más posible, generar ojalá yo misma instancias para poder tocar el disco en vivo. También se vienen hartas colaboraciones. Colaboraciones que dejé en stand by para terminar el disco y ahora ya las he tenido que ir retomando.

-¿Esas colaboraciones van a seguir en la línea de “Chile is Cute”?

-La gran mayoría, porque hay uno o dos temas a los que me invitaron y que me encantaron, entonces no pude meter tanto mi mano, pero todo lo demás sí. Estoy esforzándome por mantener una línea bien “Chile is Cute” durante lo que queda del año. No me gusta mucho esta idea de dejar morir el proyecto y pasar al tiro al siguiente. Eso es muy de hoy en día: sale el lanzamiento, pasan los meses y ya, siguiente, porque ya no suena. Yo quiero que el disco viva lo más posible.

-Es tu hijo mayor. Bueno, tienes un EP antes, pero no sé si llamarlo hijo también.

-“Chile is Cute” es mi primera cuestión buena.

-Igual se está dando algo con esta mezcla urbana con rock. La Kuina está colaborando con integrantes de Candelabro, el hermano de Polimá está sacando indie rock. Parece que se viene la época del urbano con el indie y también hay un cansancio con el discurso de siempre.

-Siento que por lo mismo estamos todos cansados. El inconsciente relaciona el rock con estar chato. Creo que por eso casi todos los artistas más sensibles hemos ido a recoger cositas del lado más rockero, porque sirve para canalizar que estamos enojados, frustrados. Uno de repente puede pensar que es una estética o un sonido, pero es un sentir. Yo creo que este lado rockero es la rabia.

-Y no todos vivimos de lujos o sexo. La mayoría trabaja ocho horas o más. El joven está más pesimista también. Puedes trabajar tres veces más y nunca pasa nada.

-Total. Yo creo que hasta los mismos que cantan sobre toda esta locura muy hedonista tampoco la viven.

La canción original fue estrenada en enero de 2026 y rápidamente se transformó en uno de los temas más exitosos del trapstar cafetero, acumulando más de 100 millones de reproducciones entre distintas plataformas.

El lanzamiento llega en uno de los momentos más importantes de la carrera de Kris. Actualmente, el cantante supera los 2 mil millones de reproducciones acumuladas y mantiene más de 15 millones de oyentes mensuales en Spotify, según informó su sello Warner.

Además, ocupa el segundo lugar entre los artistas más escuchados de Colombia en la plataforma, solo detrás de Bad Bunny.

Como dato, Santiago es la tercera ciudad que más lo escucha en el mundo, según Spotify.

El estreno de “Ganas Remix” también coincide con el exitoso desarrollo de su gira El Trap de Kolombia World Tour, recorrido internacional que contempla 45 fechas por Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

Como parte de ese tour, el cantante llegará a Chile el próximo 20 de junio para presentarse en el Teatro Coliseo. Entradas disponibles en PuntoTicket.

El anuncio llegó acompañado de cerca de 20 minutos de gameplay que mostraron a Faye explorando extensos escenarios repletos de ruinas, vegetación y entornos fantásticos. La protagonista combate utilizando una espada y exhibe un estilo de lucha mucho más ágil que el visto en las entregas protagonizadas por Kratos.

Las secuencias presentadas también anticiparon una historia cargada de peligros. En uno de los momentos más llamativos, la espada de Faye se rompe al enfrentarse a dos poderosos enemigos blindados que terminan capturándola.

Posteriormente, la guerrera es llevada ante misteriosas figuras que parecen formar parte de una nueva mitología dentro de la saga. Entre ellas destacan un señor demoníaco de piel roja y una mujer de piel azul que extrae una astilla de la mano de la protagonista.

Vean el tráiler a continuación.

Aunque Sony no profundizó en los detalles argumentales, la información oficial del juego sugiere que la aventura transcurrirá en un reino conocido como “Everywhen”, un lugar donde dioses provenientes de distintas tradiciones mitológicas compiten por el poder en medio de una tierra dominada por la magia.

Ese enfoque apunta a que la serie volverá a ampliar sus horizontes más allá de la mitología nórdica. De hecho, el adelanto incluyó criaturas y elementos que parecen inspirarse en múltiples leyendas y relatos fantásticos.

Todo esto también se realizará dándole finalmente el foco a un personaje fundamental para la historia moderna de la franquicia, yua que a pesar de que Faye fue el motor que impulsó los acontecimientos de God of War (2018) y God of War Ragnarök, su presencia en pantalla siempre fue limitada.

De hecho, su muerte ocurrió antes del inicio de la aventura de Kratos y Atreus, mientras que sus apariciones posteriores se redujeron principalmente a recuerdos y secuencias retrospectivas.

Por eso God of War: Laufey buscará llenar ese vacío narrativo mostrando su propia historia.

La presentación mostró una extensa secuencia de jugabilidad centrada en una misión de rescate. En ella, Logan debe infiltrarse en una base fuertemente protegida donde varios jóvenes mutantes son retenidos contra su voluntad.

El adelanto dejó en claro que el proyecto tendrá un tono mucho más adulto que las exitosas entregas de Spider-Man que llevaron a personajes del universo Marvel a la nueva generación de consolas.

Durante la demostración también se presentan enfrentamientos marcados por la violencia explícita, con Wolverine utilizando sus garras para ejecutar ataques especialmente sangrientos.

Claro que uno de los momentos más destacados del video fue la aparición de Jean Grey. La mutante interviene utilizando sus poderes para ayudar a Logan durante la operación, reforzando los vínculos del juego con el universo de los X-Men.

Vean en el tráiler a continuación.

Además, Insomniac confirmó en el avance que otros personajes conocidos de Marvel también tendrán presencia en la aventura. Entre ellos destacan Mystique, Omega Red y Sabretooth.

El estudio también reiteró que se tratará de una experiencia completamente para un jugador. Por ahora no existen planes para incorporar modos cooperativos ni multijugador.

Wolverine llegará el 15 de septiembre exclusivamente a PS5 y PS5 Pro.

El dispositivo estará disponible a partir del próximo 6 de agosto de 2026, convirtiéndose en una nueva alternativa para los jugadores que prefieren controles especializados en títulos de combate.

El anuncio llega en un momento de renovado interés por el género, impulsado por el éxito de franquicias como Street Fighter, Tekken y Mortal Kombat, además de nuevos lanzamientos previstos para este año.

A grandes rasgos, FlexStrike apuesta por un formato tradicional de joystick arcade, pensado para quienes buscan una experiencia más cercana a la que ofrecen las máquinas de arcade y cómo se disputan las peleas en los torneos competitivos.

Entre sus principales características destacan la conectividad inalámbrica, una batería recargable integrada y un estuche de transporte incluido para facilitar su traslado.

El lanzamiento también coincidirá con la llegada de MARVEL Tōkon: Fighting Souls, uno de los nuevos exponentes del género que debutará durante el segundo semestre.

Las reservas comenzarán el próximo 12 de junio a través de los canales oficiales de PlayStation y tiendas seleccionadas.

Por último, cabe mencionar que la compañía señaló que los valores regionales serán informados más cerca de la apertura de las preventas, por lo que aún no existe información sobre cuánto costará en mercados como Chile.

El mejor resultado de la compañía se produjo durante el año fiscal 2020, período comprendido entre abril de 2020 y marzo de 2021, cuando Sony comercializó 58,4 millones de copias de videojuegos desarrollados o publicados por sus estudios internos.

Desde entonces, la cifra ha disminuido de manera constante. El punto más bajo se registró durante el año fiscal 2024, con 28,9 millones de unidades vendidas, prácticamente la mitad del máximo alcanzado durante el lanzamiento de la actual generación de consolas.

Aunque el año fiscal 2025 mostró una recuperación hasta los 32,1 millones de copias, el resultado sigue estando muy lejos de los niveles observados durante los primeros años de la PS5.

Una consola que tuvo un muy buen comienzo gracias a factores externos

Tengan en cuenta que parte del éxito inicial de la nueva consola estuvo impulsado por varios factores excepcionales.

La PS5 se encontraba agotada en numerosos mercados, mientras que Sony seguía publicando juegos en PS4. Además, la pandemia incrementó el tiempo que millones de personas dedicaban a los videojuegos.

Sin embargo, la situación actual es diferente. Los ciclos de desarrollo son cada vez más extensos, los presupuestos han aumentado considerablemente y los estudios tardan más años en lanzar nuevas producciones de gran escala.

Otro elemento es que Sony comenzó a trasladar sus exclusivos a PC. La iniciativa comenzó en 2020 con Horizon Zero Dawn y durante varios años la compañía mantuvo una ventana aproximada de un año entre el estreno en consolas y su llegada a computadores.

Pero en el nuevo escenario, Sony confirmó recientemente que ya no planea trasladar sus principales exclusivos a PC con la misma regularidad.

La colección apuesta por figuras construibles orientadas al juego y la interacción, alejándose de los tradicionales modelos de exhibición. Gracias a los denominados Smart Bricks, algunos Pokémon pueden reaccionar a movimientos, emitir sonidos y activar efectos de iluminación.

Entre los ejemplos presentados por LEGO se encuentran un Pikachu capaz de reaccionar mientras come un sándwich o un Charizard que responde a determinadas acciones mediante sonidos y animaciones.

Todos los sets estarán disponibles desde el 1 de agosto en Estados Unidos, por lo que aún no tienen fecha para Chile.

La línea también incluirá una promoción especial. Quienes gasten más de $130 dólares en productos de la colección podrán obtener una figura exclusiva de Ditto disfrazado de Squirtle mientras existan unidades disponibles.

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Figuras, características y precios

La siguiente es la lista de los primeros sets que serán parte de este lanzamiento.

• Casa de entrenamiento con Pikachu — 400 piezas, incluye Smart Brick, cargador y cuatro Smart Tags. Precio: $69,99 dólares (aprox. $66.500).

• Charizard vs. Jolteon Ultimate Battle — 751 piezas, incluye dos Smart Bricks, cargador y dos figuras. Precio: $119,99 dólares (aprox. $114.000).

• Bulbasaur y Bidoof — 240 piezas y dos Pokémon. Precio: $19,99 dólares (aprox. $19.000).

• Aventura de entrenador en Buggy con Squirtle — 320 piezas, vehículo y Squirtle. Precio: $29,99 dólares (aprox. $28.500).

• Charmander y Geodude — 198 piezas y dos Pokémon. Precio: $19,99 dólares (aprox. $19.000).

• Sprigatito, Fuecoco y Quaxly — 313 piezas y tres Pokémon. Precio: $34,99 dólares (aprox. $33.000).

• Concierto de Jigglypuff — 88 piezas. Precio: $14,99 dólares (aprox. $14.000).

• Mew — 429 piezas con figura de Mew. Precio: $49,99 dólares (aprox. $47.500).

• Eevee y Lapras — 623 piezas con Eevee y Lapras. Precio: $59,99 dólares (aprox. $57.000).

• Mewtwo — 605 piezas con figura de Mewtwo de 19 centímetros. Precio: $69,99 dólares (aprox. $66.500).

• Umbreon vs. Garchomp — 831 piezas y dos Pokémon. Precio: $79,99 dólares (aprox. $76.000).

• Cubone y Gengar — 782 piezas y cuatro Smart Tags. Precio: $89,99 dólares (aprox. $85.500).

A grandes rasgos, el foco de la serie está en la historia de Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera que comienza a cuestionar las verdades impuestas dentro de una gigantesca comunidad subterránea que cree ser el último refugio de la humanidad.

En esa línea, uno de los mayores enigmas de la serie siempre ha sido el destino del mundo exterior y las razones que obligaron a miles de personas a vivir aisladas bajo tierra durante generaciones.

Claro que el final de la segunda temporada comenzó a ofrecer pistas importantes al introducir una historia ambientada en el pasado, donde una periodista investiga información relacionada con un supuesto ataque mediante armas radiológicas.

Por eso mismo el nuevo adelanto deja claro que esa línea temporal tendrá un papel mucho más relevante en los próximos episodios. De hecho, el lema promocional de la temporada es “la verdad está en el pasado”.

El tráiler también confirma que Juliette sobrevivió a los dramáticos acontecimientos que cerraron la segunda entrega. Sin embargo, la protagonista parece haber perdido sus recuerdos y todo apunta a que podría estar siendo manipulada.

Además de nuevas referencias a misteriosas pastillas y advertencias ocultas, las imágenes muestran la posible activación del denominado “procedimiento de resguardo”, un sistema diseñado para eliminar a todos los habitantes de un silo en caso de emergencia.

Vean el tráiler a continuación.

La tercera temporada de Silo se estrenará el próximo 3 de julio.

La serie ya tiene asegurada una cuarta y última entrega, que pondrá fin a la adaptación de la saga literaria.

El director de clásicos como Taxi Driver, Buenos Muchachos y Toro Salvaje confirmó que utilizó tecnología desarrollada por la empresa Black Forest Labs durante la etapa de preproducción de una de sus películas.

La revelación llegó a través de un video y declaraciones entregadas a The New York Times, donde también se informó que el cineasta participa como inversionista y asesor de la compañía desde hace aproximadamente un año.

“Estoy interesado en la intersección entre la tecnología y la narración, y en cómo eso puede ampliar los límites de la creatividad para crear experiencias más profundas y ricas para el público”, afirmó Scorsese.

Sin embargo, el realizador aclaró que el uso de la inteligencia artificial estuvo lejos de reemplazar labores creativas fundamentales. Según explicó, la herramienta fue utilizada principalmente para generar storyboards y comunicar de mejor manera sus ideas al resto del equipo de producción.

“Durante 70 años he creado mis propios storyboards. Siempre ha existido el problema de cómo comunicar lo que ves en tu cabeza al elenco y al equipo”, señaló el director, destacando que la tecnología le permitió compartir sus visualizaciones de forma más rápida y eficiente.

Scorsese agregó que recientemente probó el sistema en una secuencia específica y que la posibilidad de generar imágenes de referencia de manera inmediata resultó liberadora desde el punto de vista creativo, además de optimizar tiempos durante la preproducción.

Aunque no se ha confirmado qué proyecto utilizó estas herramientas, bien podría tratarse de What Happens at Night, su nueva película protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence.

La posibilidad volvió a cobrar fuerza luego de que resurgiera una entrevista concedida por Kyle Eastwood, hijo del actor y reconocido músico de jazz.

Durante la conversación hace algunos meses con un medio francés, y que recién ahora causa más revuelo, Kyle se refirió a la extensa trayectoria compartida con su padre y dejó entrever que el veterano realizador ya se encuentra retirado de la actividad cinematográfica.

“Ahora está retirado, tiene 95 años. Pero he tenido mucha suerte de poder trabajar con él en muchas películas. Fue una gran experiencia para mí”, señaló el músico.

Lo anterior sería la confirmación oficial de que Eastwood no tendría planes de regresar detrás de cámaras tras su último largometraje.

Una leyenda viviente

A lo largo de más de cinco décadas como director, Eastwood construyó una de las filmografías más influyentes de Hollywood, con títulos como Imperdonables, Río Místico, Million Dollar Baby, American Sniper, Sully y Gran Torino.

Tras varios décadas trabajando como actor, que lo convirtieron en un ícono del western, su debut como realizador se produjo en 1971 precisamente con el thriller psicológico Play Misty for Me.

A partir de ahí inició una carrera que se extendió por 40 películas y que lo convirtió en una de las figuras más respetadas de la industria cinematográfica.

Consideren que otro detalle que venía alimentando aún más las especulaciones fue el hecho de que Eastwood prácticamente no participó en la promoción de Juror #2, película que tuvo un lanzamiento discreto en su estreno limitado en cines de Estados Unidos, pues terminó llegando rápidamente al streaming.

Además, lo otro no menor es que su última aparición como actor fue en Cry Macho de 2021, lo que refuerza la sensación de que una de las carreras más extraordinarias del cine ya habría llegado a su punto final.

La historia de esta película comienza cuando un peligroso experimento militar logra escapar de una base secreta, desatando una gigantesca operación de búsqueda para intentar contener una amenaza que rápidamente se sale de control.

Mientras un grupo de mercenarios de élite intenta detener a los fugitivos, una exfrancotiradora interpretada por Adria Arjona se convierte en uno de los principales objetivos de la persecución.

En ese contexto, la mujer no solo deberá proteger a sus seres queridos, sino también sobrevivir al ataque de supersoldados altamente avanzados, diseñados específicamente para matar y operar con una eficacia devastadora.

Y ante una amenaza prácticamente imposible de detener, la exmilitar se verá obligada a recurrir a todas sus habilidades de combate para enfrentar a enemigos que superan ampliamente las capacidades humanas convencionales.

Según adelanta el primer avance, la película apostará por intensas secuencias de acción cuerpo a cuerpo, persecuciones y enfrentamientos marcados por una fuerte dosis de violencia y adrenalina.

Vean el tráiler a continuación.

El reparto incluye además a Drew Starkey, Rebecca Hall, Reginald VelJohnson, Michael Biehn, Eric Wareheim, Alex Pereira y Dan Stevens, actor que vuelve a colaborar con Wingard tras su participación en proyectos anteriores.

Onslaught llegará a los cines el próximo 4 de septiembre.

Lo que comenzó como un conflicto comercial en Oregon terminó involucrando a un popular youtuber, una franquicia especializada en LEGO, procesos judiciales e inclusive acusaciones de irregularidades policiales.

La disputa nació cuando la familia propietaria de la colección aseguró haber entregado las piezas en consignación a una tienda de la cadena Bricks & Minifigs.

Tras un cambio de administración en la franquicia, los dueños denunciaron que los artículos nunca fueron devueltos, mientras que la empresa sostuvo que no era parte del acuerdo original y rechazó las acusaciones.

Y ese caso probablemente habría permanecido como una disputa civil más si no fuera por Benjamin Schneider, conocido en YouTube como Reckless Ben.

El creador de contenido convirtió el conflicto en una cruzada pública, publicando investigaciones, organizando campañas y denunciando lo que considera un caso de apropiación indebida de la colección.

A medida que los videos acumulaban millones de visualizaciones, la controversia comenzó a crecer. Schneider impulsó una campaña de recaudación para ayudar a la familia afectada y elevó la presión pública sobre la compañía, mientras distintos medios locales empezaban a cubrir el caso.

Sin embargo, la situación dio un giro cuando el youtuber viajó a Utah para intentar contactar a uno de los ejecutivos vinculados a la franquicia.

Según documentos policiales, Schneider y sus colaboradores acudieron en repetidas ocasiones a la residencia del empresario para entregarle documentación legal relacionada con el conflicto.

Las autoridades sostienen que esas acciones derivaron en denuncias por acoso y manifestaciones dirigidas contra el ejecutivo.

Incluso se instalaron carteles frente a la vivienda con mensajes acusándolo de haber robado los ahorros de un hombre moribundo, situación que terminó provocando la intervención de la policía local.

Un caso que escaló hasta la justicia

Schneider fue arrestado en dos oportunidades y posteriormente acusado por distintos delitos menores.

Pero, a partir de ese momento, el youtuber comenzó a denunciar públicamente que la policía actuaba para proteger a la empresa y a sus ejecutivos.

Sus videos, que incluyen grabaciones de cámaras corporales, alimentaron las sospechas de miles de seguidores.

Ante la creciente repercusión, el Departamento de Policía de la localidad de American Fork publicó registros de las cámaras corporales y una declaración oficial defendiendo su actuación.

La institución aseguró que su única función fue aplicar la legislación vigente y negó haber favorecido a cualquiera de las partes involucradas en el conflicto.

Mientras tanto, la batalla sigue lejos de terminar. Bricks & Minifigs, franquiciados y ejecutivos presentaron una demanda contra Schneider y otros involucrados, acusándolos de extorsión, amenazas y daños reputacionales.

Del otro lado, el youtuber mantiene que está exponiendo un caso que terminó convirtiéndose en una compleja guerra legal que sigue desarrollándose ante los ojos de millones de personas en internet.

La historia sigue a un grupo de ladrones de bancos que utiliza las redes sociales para transmitir y amplificar la notoriedad de sus atracos, convirtiendo cada golpe en un fenómeno viral.

Sin embargo, la creciente fama del grupo también atrae la atención de las autoridades. Un experimentado agente del FBI y una brillante ingeniera informática comienzan a seguir sus pasos para intentar detenerlos.

El elenco principal está encabezado por Nicholas Hoult, Anna Sawai, Rhenzy Feliz y Pete Davidson, quienes interpretan a los integrantes de la banda criminal que desafía constantemente los límites de la ley.

Por otro lado, John C. Reilly encarna al agente federal encargado de la investigación, mientras que Zoë Kravitz da vida a la especialista tecnológica que colabora en la persecución.

La producción también cuenta con la participación de Christian Slater, quien interpreta al gerente de una entidad bancaria que se transforma en uno de los principales objetivos de los delincuentes.

Más allá de las secuencias de acción y los espectaculares robos, el avance deja entrever que la película buscará abordar temas relacionados con la economía global, la cultura digital y la obsesión contemporánea por la fama en internet.

Vean el tráiler a continuación.

Cómo Robar un Banco llegará a los cines el próximo 4 de septiembre en Estados Unidos.

Hablamos de El Mariana y Keyblade, dos figuras reconocidas a nivel global que en conjunto suman más de 18 millones de suscriptores en sus respectivas cuentas de YouTube y Twitch.

Directamente desde México llegará El Mariana, uno de los streamers de habla hispana más influyentes del mundo. Su canal de Twitch cuenta con 11 millones de suscriptores con contenido creado principalmente para los gamers. El creador de contenido será parte del main stage y protagonizará un exclusivo Meet & Chill el próximo sábado 3 de octubre, donde compartirá directamente con sus seguidores en una experiencia especialmente diseñada para la comunidad.

Por su parte, el domingo 4 de octubre, el escenario principal recibirá al español Keyblade, reconocido artista y creador de contenido, conocido por las “Épicas Batallas de Rap del Frikismo”, y con más de 7 millones de suscriptores, quien aterrizará en Chile con un espectáculo cargado de música inspirada en videojuegos y cultura geek. Sus fanáticos también podrán optar por tener un Meet & Chill y además escuchar un concierto en el escenario principal de Expogame para un cierre fantástico.

Este año, Expogame reforzará su apuesta por transformar la experiencia tradicional de una feria de videojuegos en un ecosistema de entretenimiento interactivo. La ya conocida mecánica de Cristales Expogame regresará permitiendo que los asistentes participen en retos, completen misiones y acumulen puntos en distintas zonas gamificadas del evento para luego canjear premios exclusivos en Expogame Center.

Además, mediante la app oficial, los asistentes podrán acceder a información actualizada del evento en tiempo real, incluyendo actividades, novedades y el estado del farmeo de cristales en vivo, evitando así tener que recurrir constantemente a redes sociales para seguir su progreso.

Además, los asistentes más competitivos podrán participar en Expogame Champions, instancia donde los jugadores más “tryhard” deberán farmear cristales durante los tres días del evento para asegurar un lugar entre los cuatro finalistas que competirán en vivo sobre el main stage el domingo 4 de octubre por un premio total de $1.000.000 de pesos.

Para la comunidad cosplayer, volverá el Cosplay Pass, beneficio que permitirá ingreso liberado a quienes cumplan los requisitos establecidos entre las 13:00 y 15:00 horas, además de descuentos especiales para quienes accedan posteriormente al recinto. Asimismo, durante la última semana de septiembre se abrirán oficialmente las postulaciones de prensa para la cobertura del evento.

Las entradas para Expogame 2026 ya se encuentran disponibles a través de Puntoticket, incluyendo modalidades Pase Diario, Abono General, SWAG y las entradas SQUAD, que ofrecen una promoción 4x3 tanto en Pases Diarios como en Abono General.

También existirán opciones especiales para acceder a experiencias exclusivas, como los esperados Meet & Chill junto a invitados internacionales, los que si bien se compran aparte, requieren también una entrada al evento. La preventa estará disponible hasta el próximo 30 de agosto o hasta agotar stock.

Desde el primer minuto en que tomamos el control, no solo se siente anticuado en su jugabilidad, sino que también está marcada por una simpleza de modos más propia de los juegos de fútbol de hace más de 20 años.

En ese sentido, el nuevo videojuego de Konami exclusivo para Nintendo Switch 2 es una propuesta muy simple que probablemente apunta a las nuevas generaciones y a las personas que no están habituadas a los videojuegos de fútbol, por lo que gamers más exigentes no tienen mucho que ver aquí.

Sin embargo, en ese camino, también apuesta por una experiencia centrada casi exclusivamente en lo que ocurre dentro de su cancha virtual.

Desde los primeros minutos, que están marcados por un tutorial que explica los tipos de control, rápidamente queda revelada una fórmula que incluye una jugabilidad simple con pases automáticos y otro más tradicional. Es decir, podemos jugador sin preocuparse de mucha técnica, aunque el otro modo también es bastante simplista.

A partir de esa decisión de mecánicas, eFootball Kick-Off! también deja en claro que lo suyo no es replicar de forma realista a los jugadores, apostar por las grandes licencias o recrear las competencias más famosas del fútbol mundial. Su vocación, de forma evidente, va por otro lado que de seguro no dejará satisfecho a jugadores más exigentes.

Claro, aunque existen futbolistas que cuentan con una apariencia reconocible, en ningún momento el videojuego carga con la sensación de que las licencias sean el foco. Por eso mismo termina alejándose de todo aquello que marcó profundamente a la era de oro del propio PES o a la posterior hegemonía de la competencia de EA.

En ese sentido, la apuesta de Konami con este juego es bastante sencilla. Por un lado, podemos disputar partidos de exhibición en distintos formatos. Por otro, está la “Gira Mundial”, un modo que permite crear nuestro propio equipo desde cero, comenzar con jugadores de bajo nivel y recorrer distintos rincones del planeta para sumar puntos y reclutar a estrellas del fútbol.

Ese último modo es el principal de eFootball Kick-Off!, pues entrega un mayor recorrido para pasar de torneos de clase D a desafíos superiores alrededor del mundo.

No obstante, en la antesala del Mundial 2026, este videjouego también incluye una Copa Internacional que permite elegir una selección nacional, con todo y Chile, disputar un torneo de 48 equipos y aspirar a levantar el trofeo que todos quieren.

En medio de esa simpleza, el videojuego de Konami refuerza su espíritu retro con una jugabilidad directa y sin grandes mecánicas. Está el botón para correr, uno para dar pases, otro para los pases filtrados, uno para lanzar centros y otro para los disparos. También se pueden realizar algunas fintas, pero no esperen nada muy elaborado.

Luego, tomando el control de los equipos, también hay que destacar que el balón no se apega a movimientos realistas, por lo que es fácil conseguir centros perfectos, cabezazos precisos y disparos desde fuera del área que se clavan en las esquinas de los pórticos sin mayores complicaciones.

En ese escenario, la dirección del balón sigue a los jugadores de forma similar a lo que ocurría en los juegos de antaño, por lo que la experiencia termina siendo bastante familiar para todo aquel que haya disfrutado de juegos de fútbol de hace más de 15, 20 o inclusive 30 años.

Otro factor importante es que esa distancia respecto del realismo también se traslada al ambiente de los estadios, que es bastante arcaico en términos visuales, e inclusive en los movimientos de los jugadores sobre la cancha.

Las carreras con el balón virtual se siente más cercanas a los viejos PES y FIFA, aunque obviamente este nuevo título es mucho menos tosco, por lo que sin duda se distancia de aquellas propuestas contemporáneas que aspiran a simular cada detalle.

Todo lo anterior se remarca durante los propios partidos, ya que constantemente aparecen globos de diálogo en los que los jugadores de ambos equipos comentan lo que ocurre en el encuentro. Asimismo, aunque los futbolistas se cansan con el paso de los minutos, no existe un tratamiento profundo de cómo ese desgaste influye en el desarrollo del juego. Es un factor secundario que rara vez se siente determinante.

Pese a todo lo anterior, y aun considerando que el juego no tiene grandes aspiraciones realistas, al menos logra tocar las teclas básicas de los títulos arcade de antaño y funciona como un videojuego de fútbol ideal para pasar el rato, tomar el control y salir campeón del mundo. Al menos eso fue lo primero que hice, eligiendo a Chile y consiguiendo que Ben Brereton terminara como goleador del Mundial.

Así que solo queda remarcar que si esperan un juego con los mejores gráficos o el realismo más pulido, este definitivamente no es un título para ustedes. eFootball Kick-Off! se siente desde el primer minuto como una apuesta anticuada, pero eso mismo le permite tener cierto encanto.

Al no arrastrar la locura de los modos diseñados para gastar dinero real ni las mecánicas o estrategias engorrosas que abundan en otros juegos deportivos actuales, la nueva propuesta de Konami evoca aquellos tiempos en los que los juegos de fútbol se centraban únicamente en lo que pasaba en la cancha.

Y eso es lo que finalmente queda. Porque, a pesar de ser un juego simple y con escasos modos de juego, por lo que ese aspecto se siente bastante pobre, o inclusive considerando que los más exigentes pueden llegar a decir que no se justifica como algo lanzado en el año 2026, igual el videojuego se escuda sintiéndose como una experiencia que, más allá de su foco casual, también puede ser disfrutada por todos aquellos que añoran una época más sencilla, en la que lo único que importaba era ganar el partido.

eFootball Kick Off! será lanzado en Nintendo Switch 2 este 3 de junio.

En esa línea, solo algunos juegos logran destacar, pues no todos consiguen encontrar un nuevo sendero para recorrer en un estilo de juego perfeccionado hace décadas por el grandioso Super Metroid y el igualmente fundamental Castlevania: Symphony of the Night.

Possessor(s), lanzado bajo el amparo de la celebrada compañía Devolver Digital en PlayStation 5 y PC a fines del año pasado, ahora concretó el salto a Nintendo Switch para ofrecer una aventura de desplazamiento lateral marcada por un ritmo frenético, combates que toman elementos de los juegos de pelea y una historia cargada de demonios y otros peligros.

Todo ello se desarrolla en un extenso mundo interconectado que constantemente invita a explorar, asumir riesgos y seguir avanzando incluso cuando la muerte implica perder una parte importante de los recursos acumulados, incorporando así una capa de tensión que acerca su propuesta a experiencias roguelike como Hades.

Pero Possessor(s) no solo intenta diferenciarse a través de sus mecánicas. Su historia también encuentra una forma interesante de justificar tanto la exploración como el combate.

Todo comienza cuando un extraño desastre fractura la realidad y convierte una ciudad entera en un territorio dominado por entidades demoníacas.

En medio de ese caos, causada por una bendita megacorporación, nuestra protagonista sobrevive gracias a un pacto que la une a un demonio herido, dando inicio a una relación que se transforma en el principal motor narrativo de la aventura.

A partir de ahí, el recorrido nos lleva a descubrir los secretos de la compañía responsable de la tragedia mientras buscamos una serie de elementos clave ocultos en distintos puntos del mapa. Dicha búsqueda sirve como excusa para recorrer una ciudad devastada que constantemente esconde nuevos caminos, personajes y desafíos.

Dentro de ese entramado, el combate termina siendo el principal gancho de Possessor(s). Cada enfrentamiento exige encontrar el momento adecuado para atacar, bloquear, esquivar o retirarse, mientras que la posibilidad de perder recursos tras cada muerte añade una tensión permanente que ayuda a que incluso los trayectos más rutinarios mantengan una cuota importante de precaución. Es decir, al comienzo no fue raro toparme con muertes que me hacían perder avance por culpa de no esquivar correctamente contra rivales que luego terminan siendo bastante rutinarios.

Visualmente, además, el trabajo realizado por el estudio Heart Machine es bastante destacable. La ciudad combina paisajes urbanos destruidos, arquitectura industrial y escenarios marcados por la presencia demoníaca, mientras que los enemigos nacen de objetos cotidianos deformados por fuerzas sobrenaturales, reforzando la sensación de estar recorriendo un mundo que abandonó cualquier noción de normalidad.

Sin embargo, donde Possessor(s) encuentra su mayor obstáculo es precisamente en aquello que debería ser una de sus fortalezas: la exploración. Su gigantesco mapa entrega una enorme libertad para avanzar, pero en varios momentos esa libertad termina convirtiéndose en una experiencia de desorientación.

Basta agregar que no siempre queda claro cuál es el siguiente paso ni qué camino representa un verdadero progreso, generando períodos de búsqueda que pueden sentirse más frustrantes que gratificantes.

A ello se suma que el constante regreso a zonas ya visitadas termina exponiendo algunas limitaciones del sistema de combate. Aunque las batallas son entretenidas durante buena parte de la aventura, enfrentarse repetidamente a los mismos enemigos básicos provoca que ciertos trayectos pierdan intensidad y se transformen más en una obligación que en una oportunidad para poner a prueba nuestras habilidades.

Por eso mismo, Possessor(s) termina siendo una experiencia algo contradictoria. Tiene personalidad, una dirección artística sobresaliente, un sistema de combate sólido y suficientes ideas propias para destacar dentro de un género particularmente competitivo. Al mismo tiempo, algunas decisiones relacionadas con la progresión dificultan que todas esas virtudes brillen con la misma fuerza durante toda la aventura.

Aun así, la respuesta a la pregunta de si vale la pena como metroidvania sigue siendo más positiva que negativa. Definitivamente no alcanza el nivel de los grandes referentes del género ni redefine sus bases, pero sí consigue ofrecer suficientes momentos visuales memorables para justificar el viaje. Solo hay que estar dispuesto a aceptar que, en ocasiones, perderse en su enorme mundo resulta más cansador de lo que debería.

Possessor(s) fue lanzado recientemente en Nintendo Switch 2. Ya está disponible en PC y Playstation 5.

La artista confirmó que la canción estará disponible en plataformas digitales desde el próximo 5 de junio, mientras que la película llegará a los cines chilenos el 18 del mismo mes.

El sencillo fue escrito y producido por Swift junto a Jack Antonoff, uno de sus colaboradores más habituales durante los últimos años.

Además de formar parte de la banda sonora oficial de la película, la canción tendrá versiones alternativas acústica y de piano que serán distribuidas en ediciones especiales en formato CD.

Según la información entregada por la producción, "I Knew It, I Knew You" está inspirada en Jessie, la vaquera introducida en Toy Story 2 y uno de los personajes más populares de la saga.

El director y guionista Andrew Stanton explicó que la canción fue concebida específicamente para acompañar la historia del personaje dentro de la nueva película.

“Es increíble lo significativo que ha sido contar con Taylor para escribir e interpretar esta canción. Su conexión con Jessie y la forma inmediata en que entendió lo que el personaje estaba atravesando fue innegable”, señaló Stanton.

En esta nueva aventura, Woody, Buzz Lightyear, Jessie y el resto de los

juguetes enfrentarán un desafío distinto cuando una tableta llamada Lilypad llegue a la vida de Bonnie y cambie la forma en que la niña se relaciona con el juego.

Toy Story 5 contará nuevamente con la dirección de Andrew Stanton, la música de Randy Newman y las voces de Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack en inglés.

La película se estrenará exclusivamente en cines el próximo 18 de junio.

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La promoción estará vigente para compras realizadas entre el 1 y el 3 de junio y podrá utilizarse en viajes programados entre el 1 y el 21 de junio, sujeto a disponibilidad.

Uno de los aspectos distintivos del sistema es que permite combinar distintos trayectos dentro de una misma reserva, incluyendo conexiones y trasbordos sin necesidad de adquirir pasajes por separado.

La red de la compañía abarca destinos desde Iquique en el norte hasta Puerto Montt en el sur, además de ciudades como La Serena, Santiago, Concepción, Temuco, Valdivia, Puerto Varas, Villarrica y Pucón.

Según informó la empresa, el descuento aplica sobre los primeros asientos disponibles de cada servicio, equivalentes al 20% inicial de la capacidad de cada viaje.

Los pasajes pueden adquirirse a través de la aplicación móvil de FlixBus, en su sitio web y en terminales habilitados para la venta presencial.

Las ofertas del Cyber Day de FlixBus

Como ejemplo, los siguientes algunos son de los viajes más destacados desde la capital a otros puntos del país.

• Santiago a Quillota: desde $2.999
• Santiago a Temuco: desde $8.197
• Santiago a Pucón / Villarrica: desde $9.000
• Santiago a La Serena: desde $9.959
• Santiago a Puerto Varas: desde $10.800
• Santiago a Concepción: desde $11.341
• Santiago a Puerto Montt: desde $11.589
• Santiago a Iquique: desde $24.099

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La producción marcará el regreso de la saga tras años de intentos fallidos por concretar una nueva adaptación para la gran pantalla.

La película original, dirigida por John Carpenter, presentó a Snake Plissken, un exsoldado convertido en forajido que debía infiltrarse en una gigantesca prisión construida sobre Manhattan para rescatar al presidente de Estados Unidos.

Snake fue interpretado por Kurt Russell y terminó convirtiéndose en un personaje de culto gracias a su parche en el ojo, su actitud desafiante y su estética postapocalíptica.

Aunque los detalles de la nueva historia se mantienen bajo reserva, diversos reportes señalan que Snyder busca una version más cruda y cercana a la película original, apostando por efectos prácticos y locaciones reales.

En esa línea, la intención sería alejarse del estilo visual más estilizado que ha caracterizado a gran parte de sus obras y acercarse a la propuesta que mostró en su debut cinematográfico con el remake de Dawn of the Dead.

El proyecto será producido por The Picture Company junto a StudioCanal, empresa que controla los derechos de la franquicia junto a Carpenter, quien además participará como productor ejecutivo.

Durante años, distintos directores estuvieron vinculados a posibles remakes de la película, incluyendo a Robert Rodriguez, Leigh Whannell, Len Wiseman y el colectivo Radio Silence, aunque ninguna de esas

versiones logró avanzar.

La nueva adaptación llega en un momento particular para Snyder, quien actualmente trabaja en la postproducción de The Last Photograph, un drama independiente ambientado en Sudamérica. Mientras tanto, StudioCanal busca convertir nuevamente a Escape from New York en una franquicia cinematográfica relevante para las nuevas generaciones.

La producción de A24 recaudó más de $81 millones dólares en su estreno norteamericano, cifra que la transformó en la apertura más grande en la historia de la distribuidora independiente.

A nivel global, la película alcanzó $118 millones dólares durante sus primeros días en cartelera, consolidándose además como uno de los estrenos de terror más exitosos del año.

El impacto también se trasladó a Latinoamérica, donde la producción lideró la taquilla impulsada por la popularidad que la historia ya tenía entre las generaciones más jóvenes.

En Chile, la película superó los 100 mil espectadores durante su primer fin de semana, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más destacados del año para una producción independiente.

Backrooms, un éxito viral

La película es dirigida por Kane Parsons, cineasta de apenas 20 años que anteriormente alcanzó notoriedad gracias a una serie de cortometrajes publicados en YouTube inspirados en el universo de Backrooms.

Con los resultados que la película consiguió en su primer fin de semana, Parsons ya se convirtió en el director más joven en alcanzar el número uno de la taquilla estadounidense.

Consideren que la película está protagonizada por Renate Reinsve y Chiwetel Ejiofor, quienes son el foco de una historia basada en una popular leyenda urbana de internet.

Y es que el concepto de Backrooms surgió en 2019 a partir de una imagen publicada en foros online y posteriormente evolucionó hasta convertirse en una de las creepypastas más conocidas de la cultura digital, acumulando cientos de millones de reproducciones en videos y relatos creados por la comunidad.

La sexta entrega de la saga presentó su tráiler final de cara a su estreno programado para esta semana.

A grandes rasgos, la película marcará el retorno de una de las series de comedia más exitosas de los años 2000, conocida por parodiar grandes éxitos del cine de terror y la cultura popular.

La gracia es que este nuevo proyecto cuenta nuevamente con la participación de los hermanos Wayans, responsables creativos de las primeras entregas y figuras fundamentales en el éxito inicial de la franquicia.

Vean el nuevo tráiler a continuación, que aborda una parodia a Get Out.

Marlon Wayans y Shawn Wayans escribieron el guion de esta secuela junto a Rick Alvarez, quien ha sido un colaborador habitual de la familia en producciones como ¿Y dónde están las rubias?, Little Man y Scary Movie 2.

En tanto, la dirección quedó en manos de Michael Tiddes, cineasta que anteriormente trabajó con los Wayans en películas como A Haunted House y Fifty Shades of Black.

Entre las principales novedades destaca también el regreso de Anna Faris y Regina Hall, quienes retomarán sus icónicos papeles de Cindy Campbell y Brenda Meeks.

La producción también recuperará a varios actores de entregas anteriores, incluyendo a los propios Marlon y Shawn Wayans, junto a Lochlyn Monroe, Dave Sheridan, Cheri Oteri, Chris Elliott y Jon Abrahams.

La nueva Scary Movie 6 llegará a los cines chilenos el próximo 4 de junio.

El proyecto apuesta por sonidos sintéticos, referencias a la cultura urbana que marcó a ambos artistas y una estética inspirada en el rap sureño estadounidense. Por algo la portada hace referencia al disco “Stankonia”, de Outkast.

Según explicó Jamez Manuel, el disco surgió de manera espontánea luego de acumular varias colaboraciones juntos. “Nos dimos cuenta que teníamos varias canciones y decidimos transformarlas en un proyecto conjunto”, comentó el músico, quien además reveló que parte del proceso creativo se desarrolló durante una residencia artística en Valparaíso.

La producción estuvo a cargo principalmente de Yung Wave, responsable de la grabación de voces y de varios de los beats del álbum. A él se sumó Big Trucone, quien trabajó en otras canciones y asumió las labores de mezcla y masterización.

Con este lanzamiento, ambos artistas buscan reafirmar su lugar dentro de la historia del trap nacional. Marlon Breeze es reconocido por su trabajo junto a Nación Triizy y proyectos como “Le Trap”, mientras que Jamez Manuel ha construido una carrera ligada al underground chileno, transitando entre el trap, el rap y el neoperreo.

Bajo el nombre The World’s Game, y a propósito de la realización de la próxima Copa del Mundo, el nuevo contenido buscará potenciar la experiencia de selecciones nacionales con más equipos licenciados y un torneo completamente nuevo.

Claro que, como ya no existe acuerdo con la FIFA, el torno tendrá que tener este nuevo nombre.

Pero en el fondo será una experiencia estilo Mundial, incluyendo 48 selecciones disputándose el trofeo. Sí, tal y como sucederá en la competición que se llevará a cabo en Canadá, Estados Unidos y México.

Cómo será The World’s Game de EA Sports FC 26

La actualización estará disponible desde el próximo 4 de junio tanto en EA Sports FC 26 como en EA Sports FC Mobile, ampliando significativamente la presencia del fútbol internacional dentro de la franquicia.

Uno de los principales atractivos será la incorporación de 53 selecciones nacionales con licencia oficial, incluyendo países como Brasil, España, Portugal, Argentina, Inglaterra, Francia, Alemania, Estados Unidos, México y Uruguay.

En el caso de Brasil, España y Portugal, los jugadores podrán utilizar uniformes oficiales, escudos auténticos y las apariencias reales de sus futbolistas.

En FC 26, el nuevo modo permitirá disputar una competición de 48 selecciones que comenzará con una fase de grupos y continuará con rondas eliminatorias hasta llegar a la final.

Por su parte, los usuarios de FC Mobile podrán acceder a una versión adaptada del torneo, con la posibilidad de iniciar directamente desde una ronda de eliminación personalizada.

La actualización también añadirá nuevos estadios. Entre ellos destacan el Gillette Stadium y el BMO Field, además de Central Maw, un recinto creado específicamente para recrear la atmósfera de las grandes competiciones de selecciones.

Otra de las novedades será la expansión de las opciones disponibles en el modo Patada Inicial, donde los jugadores podrán disputar encuentros internacionales utilizando cualquiera de las selecciones licenciadas.

Además del nuevo torneo, EA Sports confirmó que Football Ultimate Team recibirá eventos especiales y campañas temáticas centradas en el fútbol de selecciones, acompañando una actualización que busca acercar a los jugadores a la experiencia de las principales competencias internacionales del deporte.

Y todo indica que su secuela, Man of Tomorrow, seguirá el mismo camino e inclusive podría ser aún más comiquera.

Basta con ver la nueva imagen revelada por el director a través de redes sociales, en la cual presenta al Lex Luthor interpretado por Nicholas Hoult con la clásica armadura de combate.

Dicha armadura, que surgió en la serie animada de Los Superamigos y luego fue incluida en los cómics, ganando mayor importancia durante este siglo, anticipa desde ya que Luthor entrará en acción física una vez que tenga que hacer equipo con Superman para enfrentar la amenaza extraterrestre de Brainiac.

Vean la imagen a continuación.

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Man of Tomorrow llegará a los cines en julio de 2027 y será parte del nuevo universo expandido DC, que hasta ese punto solo incluirá películas ligadas al hombre de acero (La otra será Supergirl).

Además del retorno de gran parte de los actores de la película anterior, la secuela estará marcada por la inclusión de Lars Eidinger como Brainiac, que aquí será -como en la serie animada de Superman en los noventas- un androide extraterrestre superinteligente que evoluciona constantemente.

En tanto, también incluirá a otros personajes del universo DC, incluyendo a John Stewart, el Green Lantern que debutará en la serie de HBO que se estrenará este año.

Man of Tomorrow llegará a los cines chilenos el 8 de julio de 2027.

Este tipo de contenido se caracteriza por tener, a veces, momentos inesperados, como le ocurrió a Benjamín Vásquez en un momento que se viralizó en redes.

Mientras buscaban monedas con un detector de metales en la playa, encontraron algo. No obstante, no era dinero, sino un juguete sexual.

“Es como un trompo”, dijo primero inocentemente, para más tarde darse cuenta de que era un plug, generando un grito desgarrador.

Después, Vásquez, de manera bastante poco higiénica, olió este artefacto, señalando que estaba usado por el aroma que le generó arcadas. Para finalizar, se llevaría el objeto, que guardaron en una bolsa como “un recuerdo”.

El clip, al momento de cerrar esta nota, tiene 1.3 millones de reproducciones y dejó chistosos comentarios: “¿Por qué lo olía jaja?”, “un ángel perdió sus alas”, “se pegó el sida por la nariz”, “trompo aromatizado”, fueron algunos de los cientos de escritos dejados por cibernautas.

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Con un estreno programado para agosto, la película está dirigida por David Robert Mitchell, cineasta conocido por títulos como It Follows y Under the Silver Lake, quien esta vez apuesta por una historia de supervivencia con elementos fantásticos y dinosaurios.

La trama se desarrolla en la calle Oak, un tranquilo barrio suburbano que ve su realidad completamente alterada tras un misterioso evento cósmico.

A raíz del fenómeno, todo el vecindario es transportado a un lugar desconocido y separado del mundo tal como lo conocen.

En medio de ese escenario, en donde toda tecnología no funciona por la falta de luz eléctrica, la familia Platt deberá permanecer unida para intentar sobrevivir mientras descubre qué ocurrió y cómo regresar.

El problema es que al lugar al que fueron transportados incluyen dinosaurios, por lo que el tranquilo suburbio es transformado en un territorio hostil e impredecible.

Vean el tráiler a continuación.

La producción cuenta con un elenco encabezado por Anne Hathaway y Ewan McGregor, acompañados por Maisy Stella, Christian Convery, Jordan Alexa Davis y P. J. Byrne.

Detrás del proyecto también figura J.J. Abrams a través de su productora Bad Robot, compañía responsable de producciones como Star Wars: The Force Awakens y Lost.

El final de la Calle Oak llegará a los cines el próximo 13 de agosto.

El anuncio se realizó durante Computex 2026 y marca la entrada de la compañía a un mercado donde actualmente compiten gigantes como Intel, AMD y Qualcomm.

La principal promesa de Spark es ofrecer potencia suficiente para ejecutar videojuegos de última generación a más de 100 cuadros por segundo en resolución 1440p, una cifra que normalmente se asocia a computadores portátiles de mayor tamaño.

Para lograrlo, Nvidia desarrolló el procesador junto a MediaTek. El chip combina una unidad central de procesamiento con una tarjeta gráfica basada en la arquitectura Blackwell, la misma tecnología utilizada en sus productos más recientes.

Según la empresa, el rendimiento gráfico podría acercarse al de un notebook equipado con una tarjeta RTX 5070 para portátiles, aunque todavía no se han publicado pruebas independientes que permitan comprobarlo.

Uno de los aspectos más llamativos es que estos equipos no estarán orientados exclusivamente a los videojuegos. Nvidia los describe como computadores preparados para tareas de inteligencia artificial, creación de contenido y productividad diaria.

La compañía también asegura que los futuros dispositivos serán considerablemente más delgados que muchos notebooks gamer actuales, con diseños que podrían rondar apenas los 14 milímetros de grosor.

Además, Nvidia promete una autonomía capaz de cubrir una jornada completa de uso, uno de los puntos donde tradicionalmente los computadores enfocados en videojuegos suelen presentar mayores limitaciones.

Los primeros equipos con Spark llegarán durante la segunda mitad de 2026 de la mano de fabricantes como Asus, Dell, HP, Lenovo, Microsoft y MSI.

Por ahora no se han anunciado precios, pero Nvidia adelantó que existirán distintas versiones para abarcar varios segmentos del mercado.

Con motivo de sus 30 años, The Pokémon Company International presentó una nueva expansión para el Juego de Cartas Coleccionables Pokémon que llegará a las tiendas de todo el mundo el próximo 16 de septiembre.

Bajo el nombre Celebración 30.º Aniversario, la colección marcará un hito para la franquicia al convertirse en la primera expansión de JCC Pokémon que tendrá un lanzamiento mundial coordinado de forma simultánea en los mercados participantes.

La expansión estará centrada en homenajear las tres décadas de historia del popular juego de cartas, combinando novedades inéditas con el regreso de algunas de las cartas más recordadas por los coleccionistas.

El siguiente es su tráiler.

Una de las principales incorporaciones será la nueva rareza denominada como Rara Futurista, una categoría especial que contará con ilustraciones creadas por el reconocido artista japonés YOSHIROTTEN.

Estas cartas presentarán diseños coloridos y estilizados que buscarán mostrar a los Pokémon en escenarios inspirados en la idea de un futuro desconocido, diferenciándose visualmente de otras rarezas vistas hasta ahora en el juego.

La colección también tendrá un fuerte protagonismo de Pikachu. Cada sobre de refuerzo incluirá una de las 30 cartas holográficas exclusivas del personaje, con ilustraciones realizadas por distintos artistas.

Otra de las características destacadas será la presencia de cartas que mostrarán a numerosos Pokémon en diferentes momentos del día y la noche, ampliando la variedad visual de la expansión.

Sin embargo, el principal atractivo para muchos seguidores será el regreso de 30 cartas clásicas provenientes de distintas etapas de la historia del juego.

Dichas cartas volverán con nuevos acabados holográficos para conmemorar el aniversario.

La sorpresa obviamente es mayor porque ambas producciones originales, realizadas con presupuestos acotados, lograron imponerse ante un regreso de Star Wars que prometía dominar la pantalla grande a siete años del Episodio 9, El Ascenso de Skywalker.

En primer lugar, Backrooms, de A24, consiguió el mayor estreno en la historia del estudio - con más de $80 millones de dólares- y también marcó un récord para una película de terror original en su debut.

Además, su director, Kane Parsons, tiene solo 20 años y con este lanzamiento pasó de crear videos en YouTube a encabezar la taquilla cinematográfica.

Obsesión, de Curry Barker, también mantuvo un rendimiento inusual. La película aumentó sus ventas por tercer fin de semana consecutivo pese a competir con otro fenómeno del mismo género.

Esa película de terror pasó de $17,1 millones de dólares en su estreno a $23,9 millones de dólares en su segunda semana y luego a $26,4 millones de dólares durante el último fin de semana.

Con ese desempeño, Obsesión ya superó los $100 millones de dólares solo en Estados Unidos y se convirtió en el mayor lanzamiento de Focus Features.

En contraste, The Mandalorian and Grogu recaudó alrededor de $25 millones de dólares en su segundo fin de semana y cayó al tercer lugar, marcando una gran declive en su desempeño en la recaudación.

De hecho, esta nueva película de Star Wars tuvo una baja porcentual mayor que Solo: A Star Wars Story y podría quedar como el estreno menos taquillero de Disney dentro de la saga.

Todo estos resultados golpean una idea instalada en Hollywood desde la pandemia: que solo las grandes franquicias podían convocar público masivo a las salas.

Y es que, esta vez, el evento cinematográfico no vino de una marca conocida, sino de dos películas de terror originales que conectaron con audiencias jóvenes. Todo esto mientras Star Wars enfrenta señales cada vez más difíciles de ignorar.

En esa línea, aunque Outbound es un juego mucho menos ambicioso que Animal Crossing, comparte gran parte de su filosofía.

Su propuesta presenta una relajada aventura de exploración en mundo abierto donde comenzamos como simples turistas a bordo de una van y, poco a poco, vamos descubriendo el entorno, mejorando nuestras herramientas y estaciones de trabajo, además de recorrer cada rincón de una reserva repleta de puzles y actividades que nos permiten enchular nuestro vehículo.

En un juego donde la recolección de recursos es fundamental para mejorar el día a día, uno de sus principales ganchos radica en la presencia de un ciclo de día y noche, además de cambios climáticos que en un punto nos llevarán a manejar en medio de una tormenta. Todo ello refuerza la sensación de que el tiempo realmente avanza a lo largo de nuestra aventura.

En ese despliegue, inicialmente todo se siente bastante acotado en Outbound. Primero recolectamos recursos básicos, como madera y frutos comestibles, para luego embarcarnos en un largo proceso de progresión que nos lleva desde herramientas esenciales, como hachas, llaves inglesas y picotas, hasta máquinas más complejas, como procesadoras de alimentos, recicladores que entregan tickets para desbloquear nuevas construcciones o incluso una sierra para fabricar tablas.

Todo este proceso es bastante metódico, ya que el juego sigue una serie de objetivos que nos impulsan a explorar el mapa, resolver puzles y visitar distintos puntos de una gigantesca zona de camping. Entre ellos hay un puente roto que debe ser reconstruido, un puente levadizo que debemos bajar, un molino que debemos reparar y otros lugares que terminan ampliando las posibilidades de nuestra van.

Ese es precisamente el corazón de la experiencia, ya que prácticamente todo lo que hacemos tiene como objetivo mejorar nuestro medio de transporte. De ese modo, lo que comienza siendo un espacio bastante básico acaba expandiéndose con un segundo nivel, nuevos muebles, decoraciones e incluso maquinaria adicional para seguir fabricando objetos y optimizando nuestra vida sobre ruedas.

En todo ese camino de exploración, el juego mantiene un ritmo muy controlado en lo que respecta al desbloqueo de su árbol de progresión. En un momento, por ejemplo, debemos subir una montaña y la única forma de hacerlo es utilizando una estructura que funciona como elevador. ¿El problema? La máquina está fuera de servicio y debemos averiguar cómo ponerla nuevamente en marcha.

Aunque lo anterior es uno de sus principales atractivos, en medio de una afable cadena de mejoras, el gran pero de Outbound es que su mundo está menos vivo de lo que podría esperarse. Aunque aquí y allá aparecen conejos, además de algunas aves, la interacción con el entorno termina siendo bastante limitada.

Por supuesto, a lo largo del viaje tenemos la posibilidad de encender fogatas, recolectar plantas para comer, jengibre para sanar heridas, junto al uso de madera, piedra y metales para fabricar nuevos objetos. Sumen reciclar basura y otros elementos para darle energía al vehículo o el uso de una mesa de herramientas para construir más cosas, pero gran parte del entorno termina funcionando más como un telón de fondo que como un espacio verdaderamente dinámico.

Pese a ello, el juego posee un buen sentido de progresión y, antes de llegar al día 14 de la aventura, resulta evidente cuánto ha cambiado nuestra van. Poco a poco deja de sentirse como un simple medio de transporte para transformarse en un hogar que refleja todo el tiempo invertido en la aventura.

Pese a esas limitaciones, Outbound consigue que su ciclo de exploración y construcción mantenga el interés durante buena parte de la aventura. No porque constantemente esté sorprendiendo con nuevas ideas, sino porque siempre existe un nuevo rincón por descubrir, una mejora por desbloquear o una pequeña tarea que nos empuja a seguir avanzando.

Claro que esa misma simplicidad termina siendo una espada de doble filo. A medida que pasan las horas, queda la sensación de que el juego no exige demasiado del jugador y que gran parte de su progreso depende más de la paciencia que de la creatividad o la habilidad. Es una experiencia diseñada para relajarse, pero también una que rara vez abandona su zona de confort.

Aun así, hay algo extrañamente atractivo en recorrer sus bosques y montañas mientras transformamos una sencilla van en un hogar rodante cada vez más elaborado. Outbound puede ser una propuesta modesta y, en ocasiones, demasiado superficial, pero entiende muy bien el valor de ofrecer un espacio acogedor en el que simplemente resulta agradable pasar el tiempo.

Esta reseña de Outbound fue realizada en una Nintendo Switch 2. El juego también está disponible en las plataformas de Playstation, Xbox y PC.

Es por eso que en La Florida se organizó la Gran Cambiatón de láminas, y miles de personas llegaron este domingo hasta el Estadio Bicentenario de La Florida para ser parte de este evento.

En total, fueron más de 8 mil personas, consolidándose como el evento de intercambio más masivo del país.

​El encuentro, que reunió a coleccionistas de todas las edades, tuvo como protagonistas indiscutidos a las láminas de Lionel Messi y Cristiano Ronaldo. En un ambiente marcado por la sana competencia y la camaradería, miles de asistentes lograron sumar láminas sus álbumes, e incluso algunos lograron llenarlo, gracias a la gran variedad de coleccionistas presentes.

Un éxito de participación

​El alcalde de La Florida, Daniel Reyes, destacó el ambiente familiar de la actividad “estamos muy satisfechos por la respuesta de los vecinos. Superamos todas nuestras proyecciones, lo que confirma que las familias floridanas y de todo Santiago buscan espacios de calidad y seguros para reencontrarse”.

​El jefe comunal enfatizó que “nuestro Estadio Bicentenario no solo es la casa del fútbol profesional, sino un punto de encuentro para la vida de barrio. Abrir sus puertas para una actividad tan sana y convocante como esta, es parte de nuestro compromiso, el de fomentar la cultura, el deporte y la sana convivencia, dejando las pantallas de lado para compartir como comunidad en un entorno seguro”.

​Dada la alta participación, el municipio ya evalúa repetir esta experiencia en futuras instancias. La jornada contó además con food trucks, concursos y un stand oficial de Panini para la venta de sobres, asegurando una experiencia completa para todos los asistentes.

Gracielo es de esos lugares que yo considero que contribuyen a crear una cita perfecta: una locación céntrica de fácil acceso, distintos ambientes con diferentes decoraciones para todos los gustos y por supuesto, una rica carta tanto de tragos como de comida en constante evolución.

El concepto de Gracielo se presenta, primero, por sus cuatro ambientes: una terraza con mesas que dan a la calle y con vista a la casa que alguna vez perteneciera a Carlos Ibáñez del Campo, un primer piso acogedor que evoca al otoño e invierno, un segundo piso floreado, con colores y luces de neón tal como la primavera y un tercer piso al aire libre, con una barra a la vista y mesas dispuestas para los que aman al verano.

Pero de nada sirve una buena decoración y ambiente sin una carta que acompañe, así que decidimos encontrar una mesa en el salón primaveral, junto a una cumpleañera, un par de amigos y varias citas que fueron llegando y yéndose del local para probar la nueva carta de cocktails y mocktails del lugar, un viaje que nos invita a dejar de lado lo convencional y dejarnos llevar por mezclas de sabores y colores que salen de la normalidad.

Primera parada

La jornada comenzó con dos tragos muy refrescantes: el Diva Pop y el Golden, ambos por 7.900 pesos.

La primera impresión que me dio el Diva Pop es que es una limonada que cura. Presentada en una extraña pero llamativa prisión de metal, se trata de un trago cítrico y dulce, que tiene tanto jugo de limón como Yuzu, la fruta oriental muy similar al limón pero más cercana al pomelo.

El trago lo termina conformando una mezcla de vermut y vodka y para cerrar, una gomita de Yuzu que puedes consumirla o compartirla. Como todo lo que viene con limón, es realmente refrescante e incluso sirve para liberar la garganta.

El Golden, por otro lado, si bien también tiene limón, apuesta por el lado más dulzón y tropical: viene con Vermut, Vodka, una chispa de espumante pero todo mezclado con un jugo concentrado de mango que termina por equilibrar todo.

Es un trago mucho más seguro en el sentido de que sus sabores son más bien tradicionales y servido en un copón lo hace ver también más “duradero” a través de la jornada. Encima de todo, naranjas confitadas y una flor terminan por decorar un bebestible que en pleno invierno nos puede hacer recordar el verano.

A esta altura el cuerpo ya empezaba a pedir refuerzos, porque había más carta que probar, así que para engalanar la noche, pedimos unos Ostiones cubiertos con queso parmesano y mantequilla de ajo que nos devolвели a la vida.

Si esto hubiese sido una cita, por ejemplo, es el plato ideal para llegar al segundo trago o para quedar como rey o reina con una recomendación infalible. La presentación con hielo seco simula la bruma costera, el sabor es inconfundible y además vienen 6 unidades, así que no hay que pelearse por el último. Todo ideal.

Segunda parada

Con la energía y el estómago recargado, empezamos a ver cómo el ambiente revoloteaba alrededor. Frente a nosotros seguía el cumpleaños y en el resto de mesas algunas reuniones de amigas, citas que intuíamos eran la primera o segunda vez conociéndose de Tinder, asumiendo por lo arreglados que se veían en comparación con nuestros atuendos casuales.

Justo a tiempo llegó el tercer trago de la noche: el Sangriento Valentín ($7.900). Servido en una pequeña copa pero con mucho estilo, se trata de un trago con Gin, Jerez, un toquecito de Carmenere y concentrado de Manzana Vainilla.

Un trago que se ve como sacado de una película y que sabe precisamente a como lo imaginas: un sabor frutal que de manera muy funable describimos como “de mina”. Pero lo cierto es que si te gustan los tragos dulces y sobre todo esa mezcla entre los destilados y el carmenere que no solo da un sabor único sino que también su color característico.

Y así, mientras perdíamos cada vez más los filtros de la conversación llegó el favorito de la velada: el “Luna Llena” ($8.500), un enigmático trago de color morado que al comienzo no supe describir.

Mi amigo me dijo “es un St-Germain” a lo que le devolví una risotada considerando que para mí no era posible que el mismo con el cual hemos compartido cervezas y piscolas manejara un vocabulario tan excelso.

Pero algo sabía, porque efectivamente el Luna Llena tenía St-Germain y Gin, junto con Té de Mariposa, Syrup de Uva y Ácido Cítrico, y en el borde del vaso, un poquito de sal. El resultado, un cóctel floral, suave y con el dulzor preciso que tiene una personalidad única y con el cual la personalidad también sale bastante rápida. Una buena muestra de coraje líquido.

En ese momento yo ya me sentía lo suficientemente entonado como para ir cerrando la jornada en lo alto, pero faltaba más. Uno más y dos mocktails así que nuevamente hubo que hacer refill del estómago.

Esta vez nuestro instinto fue menos sofisticado: pedimos papas y pollo frito, los que por suerte eran de excelente calidad, acompañados de deliciosas salsas y Coleslaw.

Tercera parada

El último trago de la velada llegó con una propuesta que definimos en su momento como “un postre hecho trago”. El Pecado Rosa ($7.900) es el cóctel frutal definitivo, un trago tan dulce que como parte de su presentación viene acompañado con un cartucho con cabritas saladas.

Este coloso rosado viene con Limón, Piña, jarabe de Frutilla, Licor de Saúco (o St-Germain), Vino Blanco, Vodka y un toque de angostura.

No sé si es culpa de la resistencia a la insulina o algo así pero sí lo encontré muy dulce, y el nombre en ese sentido estaba bien puesto porque con cada trago me sentía cada vez más culpable de ingresar tanto dulzor a mi cuerpo.

Ese también fue por suerte el último trago de una jornada que aún no terminaba. También nos llegaron dos mocktails para quienes quieran disfrutar de buenos tragos sin alcohol.

Uno es el Cola de Tigre, que tiene jugo de naranja, arándanos, tónica y un shot de café que le daba un tono oscuro pero delicioso y el Caprichosa, más cercano a una suerte de aperol, con vino tinto sin alcohol, un mix de cítricos, syrup y ginger ale encima.

Tras la maratón, decidimos que ya era suficiente y partir sin antes cantarle cumpleaños feliz a la mesa de al lado y sacar varias fotos a la decoración vistosa pero recatada, con el toque justo de personalidad.

Recomiendo ir a probar el trago que más les haya parecido, pero por favor no cometan la locura de ir a tomarse los 5 en una noche, a menos que sea compartido junto a un buen amigo con el que finalmente terminas haciendo más confesiones que las que querías.

En ese sentido, Gracielo es por su propuesta tanto gourmet como de espacio un lugar hecho para relajarse con estilo y sobre todo para volver y experimentar sabores más allá de los tradicionales.

En ese contexto, Comic Con Chile confirmó a sus primeros invitados internacionales -los headliners de cada jornada- quienes marcarán esta esperada celebración y prometen convertir esta edición en un evento imperdible para los amantes de la cultura pop. Desde la organización aseguran que en breve anunciarán a un tercer invitado que dará mucho de qué hablar.

El primer gran invitado que confirmó su presencia para la celebración de los 15 años de Comic Con es el protagonista de la exitosa serie Malcolm in the Middle, Frankie Muniz, uno de los rostros más recordados de la televisión de los 2000 y que acaba de volver a las pantallas con una miniserie de cuatro capítulos estrenada recientemente en abril a través de Disney+: Malcolm in the Middle: La vida sigue siendo injusta. Muniz estará presente el viernes 3 de julio.

Kiko vuelve a Chile

El otro nombre fuerte que se confirma es el histórico Carlos Villagrán, ícono de generaciones gracias a su inolvidable personaje “Kiko” en la incombustible serie El Chavo del 8, que en Chile ha sido transmitida por televisión abierta durante décadas y compartirá con los fans de la vecindad los 3 días del evento. Según informa la organización, en los próximos días se anunciarán más invitados que sorprenderán a los fanáticos.

Francisco Arqueros, fundador de Comic Con Chile, destaca con orgullo el crecimiento que ha tenido el evento desde sus inicios y adelanta algunos detalles de lo que será esta edición aniversario.

“La Comic Con partió como un evento de nicho, para los amantes de los cómics y las historietas. Ese es su ADN y no lo transamos. Aún así, hoy vemos con orgullo todo lo que hemos logrado, con una comunidad que crece y cada vez convoca a más personas y nuevas generaciones, que vienen a compartir su fanatismo. Los invitamos a todos a ser parte de esta gran fiesta, que será la celebración de los 15 años de Comic Con Chile con invitados de lujo”, señala.

Como es habitual, quienes asistan al evento podrán participar en los tradicionales paneles abiertos e interactuar de cerca con sus artistas favoritos, además de acceder a experiencias exclusivas como sesiones de fotos, autógrafos y encuentros meet & greet, como también disfrutar de la presencia de grandes marcas del mundo de la entretención como Netflix, Disney, Warner, Hasbro entre otras.

La edición aniversario se realizará los días viernes 3, sábado 4 y domingo 5 de julio de 2026 en Espacio Riesco. Las entradas ya están disponibles a través de PuntoTicket.

De partida, Gunn explicó por qué Superman y Brainiac no logran entenderse, anticipando una tensión que iría más allá de la clásica pelea entre héroe y villano.

“Brainiac es lo que ocurre cuando la inteligencia pierde TODA conexión con la humanidad. Y Superman es tan humano como cualquiera, así que… entiendo por qué tienen conflicto”, escribió Gunn en X.

El comentario fue realizado a propósito del aniversario del debut de Brainiac en Action Comics #242, una de las apariciones más importantes del villano en la mitología de DC.

En ese contexto, Gunn aclaró además que no adaptará directamente la saga de Panico en el Cielo, historia en la que Brainiac cumple un rol central dentro de los cómics. “Es un historia entretenida, pero en realidad no”, dijo Gunn sobre esa posible influencia. Luego agregó que leyó “casi todas las historias de Brainiac” para construir su versión.

El director también explicó que tomó “fragmentos y piezas” de distintas etapas del personaje.

Por otro lado, la idea también conecta con el cierre de Superman, donde el personaje interpretado por David Corenswet defiende ante Lex Luthor su propia humanidad.

De ahí que Man of Tomorrow podría retomar ese tema como eje central: qué significa ser humano cuando se enfrenta a una inteligencia fría, superior y desconectada.

La película también tendrá un giro particular, ya que Superman y Lex Luthor deberán unir fuerzas contra Brainiac, pese a su histórica rivalidad.

En la película, David Corenswet volverá como Superman, mientras que Nicholas Hoult retomará el papel de Lex Luthor. Lars Eidinger interpretará a Brainiac. El elenco también incluirá a Rachel Brosnahan como Lois Lane, Milly Alcock como Kara Zor-El y Aaron Pierre como Jon Stewart.

Man of Tomorrow tiene programado su estreno para el 8 de julio de 2027.

La producción logró superar los 100 mil espectadores en salas chilenas, una cifra poco habitual para una película nacional independiente y que la consolidó como uno de los títulos más comentados del último año. De hecho, nosotros la catalogamos como un longametraje que es una obra maestra.

La historia se sitúa en San Carlos, comuna de la Región de Ñuble cuyos habitantes quedan indignados luego de que la vecina ciudad de Chillán obtiene el reconocimiento a la mejor longaniza de Chile. Frente a lo que consideran una injusticia, un grupo de vecinos inicia una cruzada -bajo el grito de que la longaniza es sancarlina- para conseguir una denominación de origen oficial que permita recuperar el prestigio de su tradicional producto.

A partir de esa premisa, la película desarrolla una mezcla de documental y ficción que utiliza “los paisajes de la zona, las texturas culturales y la atmósfera social para retratar con humor y humanidad las tensiones, contradicciones y aspiraciones que surgen en un entorno donde todos se conocen y cada logro -o fracaso- se multiplica en el boca a boca del pueblo”.

El longametraje fue filmado íntegramente en el sur del país y cuenta con un elenco compuesto por actores no profesionales, entre ellos Luisa Marabolí, Exequías Inostroza, Roberto Betancourt y Alexis Marín.

Denominación de origen llega al streaming

La llegada a Mubi permitirá que la película amplíe considerablemente su alcance luego de su recorrido por salas de cine y festivales. El estreno en la plataforma está previsto para algún momento de este año en toda la región.

“Que Mubi lleve Denominación de Origen a su plataforma es muy significativo para nosotros. No solo porque permite que la película siga viviendo más allá de su recorrido por cines y festivales, sino también porque la acerca a nuevas audiencias en Latinoamérica a través de una plataforma con una mirada cinematográfica muy atractiva”, señaló Alzamora a Variety.

El director también destacó la posibilidad de que una historia profundamente arraigada en la realidad chilena pueda conectar con espectadores de otros países.

“También siento que hay algo muy bonito en que una película tan local, tan ligada a personajes rurales y a una identidad chilena muy específica, pueda conectar con audiencias de distintos países. Al final del día, en toda Latinoamérica compartimos muchas contradicciones, sentidos del humor y formas de salir adelante”, agregó.

Tengan en cuenta que Denominación de Origen consigue que una cruzada aparentemente absurda por una longaniza termine transformándose en un relato sobre comunidades que luchan por no quedar relegadas al margen. Ahí radica buena parte de la fuerza de una película que encuentra en lo local una puerta para hablar de experiencias mucho más amplias.

Y ahora, con su llegada a Mubi, la producción de Tomás Alzamora tendrá la oportunidad de extender ese alcance más allá de las salas chilenas. Una nueva etapa para una película que encontró en la defensa de una identidad regional una historia capaz de resonar mucho más allá de la región del Ñuble.

Especialmente la contundente versión que prepara la clásica Fuente Alemana.

Según TasteAtlas, el típico sánguche criollo ocupa el puesto 23 entre los mejores 40 de todo el mundo.

La enciclopedia de sabores lo calificó con 4,2 sobre 5 estrellas y en Sudamérica sólo fue superada por el Choripán (Argentina), el Sánguche de milanesa (Argentina), la Butifarra (Perú), el Lomito (Argentina), el Pan con chicharrón (Perú) y la Arepa reina pepiada (Venezuela).

No está de más destacar que el apellido de este churrasco, italiano, se explica porque sus ingredientes, la palta, tomate y mayonesa, emulan los colores de la bandera de Italia.

Mira aquí el ránking:

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La nueva entrega debutará el próximo 21 de junio a las 21:00 horas a través de HBO y HBO Max. La temporada estará compuesta por ocho episodios que serán estrenados semanalmente y cuya emisión concluirá el 9 de agosto.

La serie está basada en Fuego y Sangre, la novela de George R.R. Martin que relata la historia de la Casa Targaryen dos siglos antes de los eventos mostrados en Juego de Tronos, enfocándose en una gran Guerra Civil que marca el comienzo del fin de esa dinastía.

En ese escenario, el avance anticipa una nueva etapa del conflicto que divide a la familia gobernante de Westeros, profundizando el enfrentamiento entre las facciones que disputan el control del Trono de Hierro.

Vean el tráiler a continuación.

El avance presenta algunos momentos de la Batalla del Gaznate, uno de los enfrentamientos más importantes y sangrientos del universo de Juego de Tronos.

En dicho conflicto, ambos bandos se enfrentan en una batalla naval que incluye dragones y, por supuesto, muertes por doquier.

La tercera temporada contará nuevamente con las actuaciones de Matt Smith, Emma D’Arcy y Olivia Cooke, quienes encabezan un elenco que también incluye a Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell y Tom Glynn-Carney, entre otros.

La producción sigue siendo liderada por Ryan Condal como cocreador, showrunner y productor ejecutivo. George R.R. Martin también continúa vinculado al proyecto como cocreador y productor ejecutivo.

A través de una narrativa metatextual en la que un afamado director intenta dar forma al guion de su próximo proyecto, Amarga Navidad explora los anhelos, bloqueos y, por supuesto, vacíos de los autores que no logran encontrar la inspiración.

En ese camino, y respaldado por un elenco que trabaja a primerísimo nivel, Almodóvar concreta una película elegante que una vez más lo reafirma como un autor que maneja a la perfección la narrativa, el subtexto y las ideas que quiere explorar.

Pero bajo ese velo también existe una mirada mordaz sobre el vampirismo autoral: el proceso mediante el cual un creador se nutre de las vivencias ajenas para alimentar una obra con una vida que él mismo es incapaz de experimentar de la misma forma.

Con lo anterior en cuenta, Amarga Navidad se enfoca en Elsa (Bárbara Lennie), quien encuentra refugio en el trabajo tras la solitaria muerte de su madre, algo que pasó hace más de un año.

Convertida en una reconocida directora de publicidad, ella intenta mantener el control de su vida a través de una rutina laboral inagotable, aunque esa aparente fortaleza no es más que una forma de escapar de un duelo que nunca termina de procesar. Y es ahí donde una crisis de pánico la obliga a replantearse el rumbo de su vida.

Claro que la historia de Elsa es también la historia de Raúl (Leonardo Sbaraglia), un célebre cineasta atrapado en un bloqueo creativo que funciona como un evidente alter ego del propio Pedro Almodóvar.

En ese contexto, y en medio del fin de su nexo laboral con su productora de siempre (Aitana Sánchez-Gijón), el director ficticio crea a una directora ficticia que termina reflejando sus propias obsesiones y conflictos. Todo lo anterior es un juego de espejos en el que un director imagina a una directora, mientras intenta transformar las experiencias de quienes lo rodean en la materia prima de su próxima película.

A medida que ambos relatos avanzan, Almodóvar construye un juego de espejos entre autor y personaje, realidad y ficción, para indagar en cuánto de la vida propia y ajena puede ser utilizado en nombre de la creación artística.

Más allá del atractivo telón cinematográfica que logra armar el director, con encuadres precisos y un gran trabajo técnico, uno de los puntos más llamativos de Amarga Navidad está en el retrato de una construcción viva que cambia constantemente y que, a la vez, refleja los procesos que dan forma a la construcción artística.

En un comienzo, por ejemplo, la pareja de Elsa ocupa un lugar clave en el relato, reflejando elementos de la propia vida de Raúl. Sin embargo, a medida que el cineasta avanza en la escritura, la realidad de esa ficción comienza a modificarse, cambiando focos, emociones e incluso relaciones.

Todo se entrelaza y difumina bajo la fijación obstinada de una búsqueda autoral que parece no conducir a ninguna parte hasta llegar a un momento de iluminación.

En todo ese trabajo, Amarga Navidad se convierte en una fascinante reflexión sobre cómo las historias cambian mientras son contadas y sobre la imposibilidad de separar al autor de su obra.

Al mismo tiempo, el director español explora la forma en que la realidad termina siendo absorbida, reinterpretada y transformada por la ficción, en una película que encuentra buena parte de su fuerza precisamente en ese permanente juego de espejos entre la vida y la creación artística, como si fuese el reflejo de un Almodóvar que se exorciza a sí mismo para desnudar los impulsos emocionales y creativos que dan forma a su trabajo.

Y aunque Amarga Navidad nunca abandona la elegancia formal que caracteriza al cine de su reconocido autor, lo más llamativo es que detrás de cada giro narrativo, cada reflexión sobre la ficción y cada personaje parece existir una pregunta profundamente personal sobre el acto de crear.

De ahí que la película termine funcionando no solo como una exploración sobre los límites entre la vida y el arte, sino también como el retrato de un autor que, después de décadas contando historias de forma brillante, aún parece intentar comprender por qué necesita seguir haciéndolo. Y la vorágine que se acerca a la respuesta, claramente está atrapada entre la cabeza y el corazón.

Amarga Navidad ya se encuentra en cines.

Con una experiencia “inmersiva” dentro de su tienda, La Casa de las Carcasas decidió transformar la sucursal ubicada en Cenco La Dehesa en un punto de conexión con lo verde.

Se trata del lanzamiento de una nueva colección de cases para teléfonos móviles hecha en colaboración con el estudio creativo chileno Animalaria. Conocidos por su universo visual inspirado en los animales y la naturaleza, sus ilustraciones fueron adaptadas para poder llevarlas en el elemento más persona de todos: el celular.

La exhibición incluyó una serie de elementos interactivos al interior de la tienda, en donde asistentes, influencers y clientes de la marca pudieron participar escaneando códigos QR integrados en las impresiones que los llevaban a experimentar animaciones digitales en sus propios dispositivos.

La idea, explican en un comunicado a la prensa, fue cruzar el arte físico y la tecnología para crear una experiencia memorable en sus puntos de venta.

“Este tipo de iniciativas reflejan nuestro intéres para seguir transformando tiendas en espacios de experiencia, donde el diseño y la innovación conectan con las personas”, apunta Andrea Herrada, jefe de Marketing y Visual de la marca presente en más de una decena de países alrededor del mundo.

Los diseños ya se encuentran disponibles en la web y en las más de sesenta tiendas que tienen a lo largo de todo el país.

El escritor, conocido también por ser el tierno viejito de los cameos en las películas del MCU, vivió una vida muy activa hasta sus últimos días, en los cuales ya se hacían acusaciones sobre cómo su figura era explotada por familiares y los dueños de su marca para hacerlo asistir a convenciones cuando, por salud, debió haber estado descansando en su casa.

Finalmente, tras su deceso en noviembre de 2018, muchos pensamos que sería el momento en el que Stan Lee podría descansar en paz.

Pero no fue así, ya que Stan Lee Universe, la marca que hoy maneja el legado y los derechos de imagen del querido escritor, llegó a un acuerdo con ElevenLabs, una compañía de Inteligencia Artificial, para poder usar tanto la voz como la imagen del creador de historietas.

La empresa especialista en clonación de voz firmó un acuerdo con el que Lee se une a figuras como Judy Garland, Michael Caine, John Wayne y David Hasselhoff en un catálogo llamado Iconic Marketplace de ElevenLabs, donde distintas compañías pueden adquirir licencias de voces de celebridades y propiedad intelectual para uso comercial.

Además, ElevenLabs también lanzará un Club de Lectura de Stan Lee dentro de ElevenReader, iniciativa que definen como “una celebración mensual de la literatura que a Stan le encantaba”. La empresa asegura que añadirá a la aplicación una obra de dominio público diferente cada mes durante los próximos 12 meses, todos leídos por una IA que imita la voz de Lee.

Y eso no es todo. Según informó Variety, la imagen del creador de Spiderman también podrá ser utilizada en el generador visual de IA ElevenCreative, donde los usuarios podrán hacer que aparezca dentro de plantillas de diseño inspiradas en cómics para uso no comercial. No obstante, se presume que esta tecnología también podría facilitar potencialmente que Lee haga un cameo en literalmente cualquier película, tenga o no temática de superhéroes.

De esta manera y al igual que en los cómics, parece que nadie realmente está muerto hasta que la editorial decida lo contrario. Una decisión que ahora está disponible para quien pague el precio adecuado.

Esto porque AliExpress anunció el lanzamiento de su campaña de CyberDay, que se llevará a cabo desde el 29 de mayo hasta el 10 de junio de 2026. Esta plataforma se suma por primera vez al evento y ofrecerá descuentos de hasta 90%, con foco en las marcas certificadas bajo su programa de protección Marcas+, el cual no solo certifica la autenticidad del producto, sino que también trae beneficios adicionales como envío gratuito para algunos de los artículos.

Durante la campaña, los usuarios podrán explorar ofertas en una gran variedad de categorías, que incluyen artículos esenciales para el hogar inteligente, electrónica de consumo, moda y belleza, artículos para deportes y aire libre, accesorios para automóviles y productos para mamás y bebés, entre otros.

La oferta incluirá marcas como Lenovo, reconocida por su electrónica de consumo y que ofrecerá audífonos Bluetooth premium.

Los fanáticos de los videojuegos y los esports, en tanto, podrán elegir periféricos a través de la oferta de AJAZZ, que incluirá teclados y mouse de última generación.

MX10 sumará al CyberDay una línea en cajas de TV inteligente (smart TV boxes) y dispositivos de proyección diseñados para el consumidor chileno.

El mundo tuerca encontrará accesorios para automóviles a través de 70mai, marca experta en seguridad de conducción inteligente, incluyendo dashcams y soluciones de monitoreo automotriz para los conductores que buscan viajes más inteligentes y seguros.

Y adelantándose a la próxima primavera, quienes deseen prepararse para el trekking, aire libre y camping, encontrarán en Sofirn y Wurkkos soluciones de iluminación táctica de nivel profesional, diseñadas específicamente para la exploración y la aventura outdoor.

Los compradores chilenos podrán acceder a estas ofertas en AliExpress.com o descargando la aplicación de AliExpress, disponible para iOS y Android.

El dispositivo bajará desde $1.699.990 hasta los $1.099.990 en la tienda oficial de Huawei Chile, concretando un descuento del 35% sobre su valor original.

La oferta toma relevancia considerando que el modelo actualmente figura como el smartphone con mejor rendimiento fotográfico del mercado según el ranking especializado de DXOMARK.

El listado elaborado por el laboratorio francés analiza aspectos como calidad fotográfica, video, zoom, retratos, rendimiento nocturno y procesamiento de imagen en teléfonos de gama alta.

Dentro de esa clasificación, el HUAWEI Pura 80 Ultra logró instalarse en el primer lugar, superando inclusive a modelos más recientes de otras compañía.

Consideren que la serie Pura de Huawei históricamente ha estado enfocada en fotografía móvil y este modelo mantiene esa apuesta con sensores avanzados y un fuerte trabajo en procesamiento computacional de imagen.

En ese sentido, desde su lanzamiento se ha destacado especialmente el desempeño del equipo en condiciones de baja luz, captura de detalles y consistencia entre cámaras.

Más allá de su apartado fotográfico, el teléfono también apunta al segmento premium con especificaciones de alta gama y diseño enfocado en acabados premium.

La rebaja aparece como parte de la campaña Cyber de Huawei, que se extenderá entre el 1 y el 7 de junio en el sitio oficial de la compañía.

Durante el evento, la marca además aplicará descuentos en smartwatches, tablets, audífonos y routers, aunque el Pura 80 Ultra aparece como uno de los productos estrella de la campaña.

Se trata del modelo QN70F en su versión de 55 pulgadas, una Smart TV Neo QLED 4K con tecnología Mini LED, cuyo precio bajó desde $949.990 hasta los $499.990 durante el evento de descuentos.

La promoción implica una reducción cercana a los $450 mil pesos respecto al valor original publicado por la compañía para este televisor.

Entre las características del modelo destacan su resolución 4K, compatibilidad con funciones inteligentes, panel Neo QLED y tecnología Mini LED, sistema que busca mejorar el contraste y el control de iluminación de la pantalla.

El televisor además incorpora herramientas potenciadas por inteligencia artificial para optimizar imagen y sonido dependiendo del contenido que se esté reproduciendo.

Samsung también promociona el equipo como una alternativa enfocada tanto en consumo de streaming como en videojuegos, considerando funciones de refresco adaptativo y baja latencia.

Durante los últimos años, la línea Neo QLED se ha transformado en una de las principales apuestas premium de Samsung dentro del mercado de televisores.

La rebaja aparece disponible directamente en la tienda online oficial de Samsung Chile, aunque este tipo de promociones suelen mantenerse sujetas a stock y duración limitada durante Cyber Day.

Consideren que el evento de descuentos además incluye distintas ofertas en tecnología, smartphones, electrodomésticos y televisores dentro de múltiples tiendas del retail nacional.

En paralelo, varias marcas han comenzado a potenciar agresivamente sus promociones en televisores 4K y pantallas premium, especialmente ante la cercanía de eventos deportivos como el próximo Mundial de Fútbol.

La presentación estará ligada al universo de “Soy Un Fatalista”, concepto que el líder del “Culto” comenzó a desarrollar en redes sociales y que dará forma a esta nueva etapa musical y visual del cantante.

“En este concierto van a poder ver el resultado de este nuevo proyecto ‘Soy un Fatalista’, donde el objetivo será liberar todo lo que hemos estado guardando dentro”, comentó el artista sobre el esperado anuncio.

Además, el antofagastino aseguró que todo el material y la historia que irá mostrando en los próximos meses terminará explotando en vivo durante el concierto.

“Sé que mucha gente va a querer ser parte de eso”, agregó.

Cabe destacar que los últimos movimientos de la voz de Pienso en tu c fueron los temas Ghostea junto a Fuka y Lokei con Aerosoul.

¿Cuándo y dónde comprar?

La preventa exclusiva para clientes Banco Santander y Entel comenzará el 1 de junio a las 11:00 horas.

En tanto, la venta general arrancará el 2 de junio a la misma hora a través de Ticketmaster.

El caso rápidamente llamó la atención porque involucra a una plataforma que todavía resulta bastante desconocida para gran parte del público: Polymarket.

A diferencia de un casino tradicional o de las apuestas deportivas, Polymarket funciona como un “mercado de predicciones”, es decir, un sitio donde las personas ponen dinero apostando sobre cosas que podrían ocurrir en el mundo real.

Por ejemplo, en vez de apostar quién ganará un partido, los usuarios pueden apostar sobre preguntas como “¿Quién será presidente?”, “¿Habrá recesión económica?” o incluso “¿Qué artista será el más buscado en Google este año?”.

La idea detrás de estas plataformas es que, mientras más gente participe apostando dinero real, las probabilidades reflejarían lo que el público cree que tiene más posibilidades de ocurrir.

En el caso investigado por la justicia estadounidense, el ingeniero Michele Spagnuolo habría usado información interna de Google para apostar antes que el resto de las personas supiera ciertos datos.

Según la acusación abordada por ABC News, el empleado conocía tendencias de búsquedas que todavía no eran públicas y utilizó esa ventaja para realizar apuestas prácticamente imposibles de predecir para un usuario común.

Uno de los ejemplos más llamativos fue una apuesta donde aseguró que el cantante D4vd sería la persona más buscada en Google durante 2025, algo que en Polymarket tenía probabilidades extremadamente bajas.

La fiscalía sostiene que el acusado actuó usando el alias “AlphaRacoon” y luego intentó ocultar el origen de las ganancias obtenidas tras sus apuestas.

El caso obviamente abre el debate sobre cuánto deberían regularse este tipo de plataformas, ya que varias autoridades han manifestado preocupación por posibles casos de manipulación o uso de información privilegiada.

Polymarket, por su parte, aseguró que sus propios sistemas detectaron movimientos sospechosos y que colaboran con las autoridades. La compañía además defendió que las transacciones realizadas en blockchain dejan rastros públicos y pueden ser rastreadas.

Por supuesto, todo esto también se desarrolla en un entorno en donde las apuestas en línea están cada vez más desatadas, impulsando la alerta por casos de ludopatía cada vez más preocupantes.

En Chile, esta patología se hace cada vez más común. Según las últimas cifras de la OCDE, sólo en los últimos diez años el país ha triplicado el porcentaje de personas de quince años o más que la padecen, pasando de un 10% a más de un 30% de la población. Estas cifras ubican a Chile como el segundo país con mayor prevalencia de obesidad, sólo superado por Estados Unidos.

“Muchas veces hablamos de pacientes que viven con dolores articulares, cansancio permanente, hipertensión, diabetes o dificultades para desarrollar actividades cotidianas”, explica Valentina Torres, nutricionista de Clínica Colonial. “La obesidad termina afectando profundamente la salud y bienestar de las personas”.

Bajo ese contexto surge “El Peso de la Verdad”, iniciativa que pretende abrir la conversación sobre obesidad, salud y acceso a tratamientos médicos avanzados.

Uno de los temas que hoy genera mayor interés en el ámbito médico es el avance de la cirugía bariátrica robótica, tecnología que permite procedimientos menos invasivos, mayor precisión quirúrgica y una recuperación más favorable para los pacientes.

“La tecnología robótica representa un avance importante en cirugía mínimamente invasiva”, dice el doctor Patricio Lamoza, cirujano bariátrico. “Permite realizar procedimientos de alta precisión, disminuyendo el impacto quirúrgico y favoreciendo procesos de recuperación más rápidos”.

En esas circunstancias, especialistas subrayan también el acceso a cirugía bariátrica robótica mediante Bono PAD Fonasa, lo que permite que pacientes puedan acceder a este tipo de tecnología avanzada al mismo valor de una cirugía PAD tradicional.

Clínica Colonial es uno de los centros especializados en Chile que actualmente desarrolla este tipo de procedimientos, acumulando más de 10 mil cirugías bariátricas realizadas y más de 300 cirugías asistidas por tecnología robótica. La institución cuenta además con acreditación ARCO (Acreditación y Registro de Cirugía para la Obesidad) de la Sociedad Chilena de Cirugía Bariátrica y Metabólica, certificación que respalda estándares de seguridad, experiencia médica y seguimiento integral de pacientes.

Como parte de esta iniciativa, también se presentó un convenio junto a la Municipalidad de Huechuraba, a través del cual vecinos de la comuna podrán acceder a beneficios y evaluaciones mediante su Tarjeta Vecino, modelo que podría extenderse a otras comunas interesadas en fortalecer el acceso a tratamientos relacionados con obesidad y salud metabólica.

La noticia llega en medio del gran momento artístico que atraviesa la cantante luego del lanzamiento de La Quintanilla, disco que actualmente se encuentra disponible tanto en plataformas digitales como en formato vinilo.

El álbum incluye canciones como Qué culpa tengo yo, La maleta, Para qué me quieres ver llorar y Mi amante, temas que forman parte de esta nueva etapa musical.

“En esta tercera fecha, la necesidad básica es ojalá no dejar ningún pariente afuera de esta celebración”, comentó la artista con más de 20 años de carrera.

Cabe destacar que la ex Rojo busca internacionalizar su carrera y uno de sus principales focos es México según reveló su equipo.

¿A qué hora y cuánto cuesta la entrada para María José Quintanilla?

El nuevo recital quedó agendado para el martes 20 de octubre a las 21:00 horas y se suma a las presentaciones ya anunciadas para el 4 y 13 del mismo mes.

Las entradas estarán disponibles desde el mediodía del viernes 5 de junio a través de PuntoTicket.

• Primeras filas: $67.850
• Diamante: $63.250
• Diamante lateral: $51.750
• Platinum: $46.000
• Platinum lateral: $40.250
• Golden: $37.950
• Golden lateral: $28.750
• Platea baja diamante: $46.000
• Platea baja golden: $40.250
• Platea baja silver: $34.500
• Platea alta golden: $28.750
• Platea alta silver: $24.150
• Tribuna: $17.250
• Silla de ruedas: $25.300
• Acompañante silla de ruedas: $25.300

Como suele ocurrir con la serie T de la marca, ambos equipos funcionan como versiones más accesibles de los Xiaomi 17, aunque realizando algunos sacrificios en el apartado fotográfico.

Uno de los puntos más llamativos de los nuevos dispositivos es su batería. El Xiaomi 17T incorpora una unidad de 6.500 mAh, mientras que el modelo Pro eleva la capacidad hasta los 7.000 mAh.

Según los primeros reportes, el Xiaomi 17T Pro incluso sería capaz de alcanzar hasta dos días completos de autonomía dependiendo del uso.

Aunque Xiaomi ya había utilizado baterías todavía más grandes en algunos modelos exclusivos para China, esta es la primera vez que la compañía lleva capacidades de este nivel a mercados internacionales fuera de la marca Poco.

En cuanto al hardware, ambos teléfonos utilizan procesadores MediaTek Dimensity, incluyendo el Dimensity 8500-Ultra para el 17T y el Dimensity 9500 para el 17T Pro.

Los dos modelos además integran 12 GB de RAM y pantallas OLED, aunque el modelo Pro apuesta por un panel más grande de 6,83 pulgadas y una tasa de refresco de 144 Hz.

El Xiaomi 17T estándar, en tanto, incluye una pantalla de 6,59 pulgadas y mantiene una propuesta más contenida en especificaciones.

El modelo Pro también suma carga inalámbrica y carga rápida por cable de 100W, posicionándose como la alternativa más avanzada de esta nueva línea.

En el apartado fotográfico, ambos teléfonos comparten gran parte de sus cámaras, incluyendo un teleobjetivo de 50 megapíxeles con zoom 5x, un ultra gran angular de 12 megapíxeles y una cámara frontal de 32 megapíxeles. La principal diferencia entre ambos modelos está en el sensor principal, ya que el Xiaomi 17T Pro incorpora uno de mayor tamaño.

Pero, por supuesto, si quieren un rendimiento superior, tienen que ir por el modelo Xiaomi 17 Ultra que ya está disponible en el mercado y ofrece una de las mejores cámaras hoy por hoy.

De la mano de la pisquera Bou -nuestros bi campeones mundiales-, se acaba de lanzar al mercado el Gran Pisco Montura 46°, directamente desde la comuna de Salamanca en la región de Coquimbo.

Esta nueva etapa, devuelve al mapa a la marca con un brebaje producido por uva Moscatel Rosada de la zona, pasadas por un proceso de destilado en alambiques de cobre.

Se trata de un pisco blanco de alta graduación en donde predominan notas cítricas como mandarina, clementina, naranja verde y limón de pica, acompañadas por armas frutales y balsámicos en nariz. En boca, en tanto, explican desde la empresa que presenta “una textura sedosa y una evolución aromática prolongada”.

La vuelta de Montura estuvo precedida por una crianza de 12 meses y fue concebido para dos frentes: consumo y coctelería.

“Traerlo de vuelta representa la continuidad de un legado familiar,además de un homenaje al campo chileno y sus tradiciones. Es una marca con historia profunda”, explica Fernando Bou, fundador de la pisquera.

Montura tendrá, además, una trilogía de versiones: Huasa, Huaso y Rampante en partidas limitadas. Pueden conseguirse en la página oficial acá.

El anuncio pone fin a años de peticiones por parte de los jugadores, especialmente considerando que el emulador de Nintendo 64 debutó en el servicio hace casi cinco años.

Desarrollado por Rare y lanzado originalmente en 1999, Donkey Kong 64 fue durante décadas la única aventura completamente tridimensional protagonizada por el popular gorila de Nintendo.

El juego se convirtió rápidamente en una pieza importante dentro de la historia de Nintendo 64, aunque también terminó siendo una de las entregas más divisivas de la era clásica de Rare.

A diferencia de la estructura más lineal de Donkey Kong Country, esta entrega apostó por enormes niveles abiertos repletos de coleccionables y múltiples personajes jugables.

Esa fórmula llevó a muchos jugadores a compararlo con Super Mario 64, aunque también recibió críticas por su exceso de backtracking (volver repetidamente a zonas ya visitadas en el mapa ) y por una estructura considerada confusa para algunos usuarios.

Su estilo también quedó muy ligado al diseño de Banjo-Kazooie, otro clásico de Rare que ya se encuentra disponible dentro del catálogo de Nintendo Switch Online.

Como varios títulos de la primera generación de juegos 3D, Donkey Kong

64 también arrastra algunas limitaciones técnicas propias de la época, incluyendo problemas de cámara y controles menos precisos.

Pese a ello, el título sigue siendo recordado con cariño por una parte importante de la comunidad, especialmente por su humor, su música y elementos como el popular “DK Rap” compuesto por Grant Kirkhope.

Pese a la llegada de Donkey Kong 64, consideren que otros títulos pedidos por los fans como Diddy Kong Racing y Super Smash Bros. todavía permanecen ausentes del catálogo.

DK 🎵
DONKEY KONG! 🎵
Help Donkey Kong rescue his friends, reclaim the Golden Banana, and save his homeland in Donkey Kong 64, coming to the Nintendo 64 – Nintendo Classics app on Jun 4 for #NintendoSwitchOnline + Expansion Pack members! pic.twitter.com/WfAZ73Cwvo

— Nintendo of America (@NintendoAmerica) May 28, 2026

El videojuego marcará el regreso de la línea Modern Warfare tras los últimos años dominados por las entregas de Black Ops, además de abrir “un nuevo capítulo” para la franquicia.

Uno de los elementos más llamativos de esta entrega será su ambientación en Corea, escenario central de un conflicto ficticio inspirado en las tensiones reales entre Corea del Norte y Corea del Sur.

Desde Infinity Ward explicaron que eligieron la región debido al permanente estado de tensión militar existente desde la Guerra de Corea y la presencia de miles de baterías de artillería apuntando hacia Seúl.

Según Jack O’Hara, uno de los jefes del estudio, el objetivo era construir una historia que se sintiera “arrancada de los titulares”, retomando además la perspectiva de jóvenes soldados obligados a sobrevivir en medio del caos.

Vean el tráiler a continuación.

La campaña también marcará el regreso del Capitán Price, aunque esta vez con una versión mucho más oscura del personaje tras los acontecimientos de Modern Warfare 3 de 2023.

La historia llevará a los jugadores a ciudades como Nueva York, París, Mumbai y Corea del Norte, mientras Price intenta escapar y enfrentar una conspiración ligada directamente al conflicto coreano.

En el apartado multijugador regresarán modos clásicos como Domination, Hardpoint y Search and Destroy, aunque también se incorporarán nuevas modalidades llamadas Counter Attack, Inflation y Hijack.

El juego contará con 13 mapas en su lanzamiento, incluyendo escenarios inspirados tanto en la campaña como en ubicaciones diseñadas exclusivamente para el multijugador.

Uno de los mapas más llamativos será Kill Block, un escenario dinámico inspirado en el estadio Santiago Bernabéu que modificará su estructura entre partidas, alterando completamente el terreno y las zonas de combate.

Además de PS5, Xbox Series X/S y PC, Call of Duty: Modern Warfare 4 también llegará a Nintendo Switch 2, concretando así el regreso de la franquicia a una plataforma Nintendo por primera vez desde que Call of Duty: Ghosts fue lanzado en Wii U durante el año 2013.

La película llegará a los cines el próximo 11 de junio y marcará el regreso de Spielberg a la dirección tras The Fabelmans, estrenada en 2022.

Con una campaña promocional que hasta ahora había mantenido el misterio sobre la historia, las primeras impresiones ya comenzaron a revelar el tono de esta nueva apuesta de ciencia ficción.

Claro que por ahora solo tienen que tener claro que la trama sigue a un denunciante perseguido por el gobierno que intenta revelar una conspiración global relacionada con vida extraterrestre y un evento capaz de cambiar la historia de la humanidad.

Las primeras reacciones sobre El Día de la Revelación

Uno de los aspectos más destacados en las reacciones se enfoca en el trabajo de Emily Blunt, quien aparece constantemente mencionada como una de las grandes figuras de la película.

“No recuerdo la última vez que amé tanto una película de Spielberg como El Día de la Revelación: emocionante, divertida, profundamente emotiva e impecablemente actuada”, escribió Drew Taylor, de The Wrap.

Por su parte, Jim Hemphill, de IndieWire, aseguró que “El Día de la Revelación es Spielberg en su máximo nivel”, agregando que la película combina “la emoción de Los Cazadores del Arca Perdida con la ambición emocional de sus trabajos posteriores al 11 de septiembre”.

Tessa Smith, de Screen Rant, describió la película como “absolutamente fenomenal”, mientras que Bill Bria, de Slashfilm, destacó la banda sonora de John Williams y el guion escrito por David Koepp.

“Hay al menos seis tomas en El Día de la Revelación donde no tengo idea de cómo Steven Spielberg logró hacer eso”, comentó Erik Voss, de NewRockStars.

Brandon Davis, de Bloody Disgusting, comparó el tono de la película con una mezcla entre E.T. y Lost, asegurando que el resultado funciona como “un thriller misterioso y tenso”.

También cabe destacar que Jacob Kleinman, de Polygon, sostuvo que la película “no es la mejor obra de Spielberg en 20 años”, lo que tampoco es de sorprender considerando que sus dos últimas películas -West Side Story y Fabelmans- fueron ampliamente celebradas como grandes trabajos. Claro que en su comentario igualmente destacó que la película conserva el espíritu clásico de la ciencia ficción del director.

Consideren que el elenco de El Día de la Revelación incluye además a Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo y Wyatt Russell.

De acuerdo a los primeros reportes de seguimiento de taquilla en Estados Unidos, la película apunta a debutar con cerca de $35 millones de dólares en su primer fin de semana.

La producción debutará el próximo 2 de junio y tendrá como eje la Batalla de Hastings de 1066, enfrentamiento que terminó modificando el rumbo político del país tras el ascenso normando.

La historia se centra en Harold Godwinson, interpretado por James Norton, y Guillermo de Normandía, encarnado por Nikolaj Coster-Waldau, quienes pasan de aliados a rivales en una disputa marcada por la ambición y el poder.

Según la sinopsis oficial, la serie buscará mostrar el conflicto desde una perspectiva más cruda y realista, alejándose de las representaciones idealizadas de época.

Vean el tráiler a continuación.

La serie fue creada por Michael Robert Johnson y cuenta con la dirección de Baltasar Kormákur (Bestia) en el episodio de estreno, además de un equipo de producción ligado a CBS Studios y la BBC.

Uno de los focos de la producción será la recreación de la disputa por el trono inglés tras la muerte del rey Eduardo el Confesor, conflicto que desembocó en una de las batallas más recordadas de la Edad Media.

“Queríamos que se sintiera crudo y realista”, explicó James Norton en conversación con Televisual. “No queríamos que pareciera un drama de época pulido y delicado”.

El actor además remarcó que el equipo puso atención en detalles vinculados al barro, la sangre y el desgaste físico de la guerra para reforzar la autenticidad del relato.

Pero además de las escenas de guerra, la serie también abordará las relaciones personales y familiares de los protagonistas.

La canción fue producida por Saga WhiteBlack, reconocido por su trabajo junto a Nicky Jam, y muestra una faceta más íntima y emocional del artista chileno.

Grabado en Miami, el tema aborda una relación a distancia y la forma en que dos personas logran mantenerse conectadas pese a la separación física.

El lanzamiento llega en medio de un importante momento para el cantante, quien durante el último tiempo logró consolidarse como una de las figuras emergentes del reggaetón chileno.

Entre sus hitos recientes destacan su presentación en Lollapalooza Chile además de un gran arrastre en plataformas digitales.

Además, Valencia viene de lanzar el remix de “Sentimiento Mágico”, colaboración que reunió a Paulo Londra, Zion, Flouses y Sinaka.

“La Misma Luna” también tuvo un estreno especial a través de una transmisión en Kick junto al popular streamer Markush.

Los cines cada vez más se llenan de producciones armadas con escenas que funcionan como reels, diseñadas para sostener el deteriorado nivel de atención contemporáneo, o con imágenes pensadas para compartirse en redes sociales como reflejo directo de la obsesión actual por la viralidad.

Aunque aquello no es necesariamente algo negativo por sí mismo, el problema aparece cuando el trabajo cinematográfico no logra acompañar esa propuesta. Es decir, en demasiadas ocasiones el foco termina puesto en momentos aislados o estímulos visuales que poco tienen que ver con la construcción narrativa de la película.

En ese contexto, Backrooms es una película plagada de imágenes desconectadas entre sí, algo que responde directamente a su origen ligado al creepypasta y a la popularidad que tiene entre las nuevas generaciones la estética de los espacios liminales: lugares vacíos, artificiales y extrañamente familiares que despiertan incomodidad precisamente porque parecen existir fuera de la lógica normal.

Con lo anterior en cuenta, y sin entrar en demasiados detalles, esta nueva obra de A24 presenta una situación extraña: en el subterráneo de una tienda de muebles en crisis existe una pared que funciona como entrada a un espacio aparentemente infinito, formado por un sinfín de habitaciones interconectadas que desafían toda lógica.

Ahí nos encontramos pasillos impersonales, oficinas vacías, objetos fuera de lugar y entidades difíciles de explicar construyen un escenario constantemente inquietante.

En ese entorno, la historia sigue al jefe de la tienda, un hombre marcado por su reciente separación interpretado por Chiwetel Ejiofor, quien un día termina topándose con un lugar que poco a poco comienza a atrapar su atención y vida.

A lo anterior también termina sumándose su psicóloga, encarnada por Renate Reinsve, quien también arrastra traumas familiares propios.

A partir de ahí, la película evita entregar respuestas directas sobre esa otra realidad y apuesta por construir una sensación constante de tensión apoyada en silencios, vacíos y la expectativa de que algo horrible aparecerá en cualquier momento.

A pesar de que aquello funciona durante varios pasajes, las revelaciones terminan inclinándose demasiado hacia explicaciones propias del creepypasta, mezclando en el camino culpas, traumas subconscientes y terrores que reflejan conflictos humanos muy reconocibles.

En todo ese proceso, el joven director Kane Parsons -quien todavía no supera los 21 años y previamente realizó los cortometrajes virales de Backrooms en YouTube- demuestra una capacidad para manejar la tensión y jugar constantemente con las expectativas del espectador.

Sin embargo, la película jamás logra escapar de la sensación de que esta idea funcionó mucho mejor en relatos breves de entre ocho y quince minutos. Y ese no es un problema menor.

Por supuesto, más allá del interés que despierta su premisa, lo que realmente pesa es que Backrooms se siente excesivamente larga al intentar analizarla, acumulando además secuencias que ralentizan demasiado el ritmo y termina entregando respuestas que se perciben más como justificaciones improvisadas que como una narrativa verdaderamente desarrollada.

Inevitablemente, aquello forja una máxima: la idea base acá termina siendo mucho más potente que la película misma.

Esa misma situación también refuerza la sensación de que Backrooms funciona mejor como una experiencia atmosférica que como un relato cinematográfico tradicional. Y, en consecuencia, también funciona mejor como concepto, como imagen o incluso como meme creepypasta de internet, que como una película propiamente tal.

Eso probablemente explica por qué las secuencias más efectivas son aquellas en donde la narrativa desaparece casi por completo y la cámara simplemente se dedica a recorrer esos espacios imposibles, silenciosos y artificiales. Ahí es donde la propuesta realmente encuentra algo inquietante, jugando con la sensación de estar atrapado en un lugar que parece reconocible, pero que al mismo tiempo se siente completamente incorrecto.

El problema es que cada vez que la película intenta explicar demasiado, profundizar en sus personajes o darle una lógica emocional concreta a lo que ocurre, parte importante de esa incomodidad comienza a derrumbarse. El misterio pierde fuerza, el terror se vuelve más convencional y la experiencia termina dependiendo más de promesas que de verdaderos golpes narrativos.

Inclusive da la impresión de que Kane Parsons entiende mucho mejor cómo construir momentos aislados de tensión que cómo sostener un largometraje completo. Y eso no necesariamente es una condena para su carrera, porque su manejo visual y atmosférico es evidente, pero sí deja claro que todavía existe una distancia importante entre realizar cortometrajes virales y construir una película capaz de sostener su propia ambición.

Por eso mismo, si alguien me preguntara finalmente si Backrooms termina siendo una buena o una mala idea, probablemente me remitiría al meme de Marge Simpson para responder que “es una idea y basta”. Claro que también queda la sensación de que la película llega a su fin justo cuando ya no sabe muy bien qué más hacer con ella.

Backrooms ya está en cines a partir de este 28 de mayo.

En la era de los libros de autoayuda y el positivismo tóxico, los autores cuestionan la idea de que el sentimiento de malestar generalizado que nos acompaña es un problema personal. Para los autores, se trata más bien de una respuesta a un sistema diseñado para hacernos sentir mal, desconectados y mantenernos adictos a nuestro celular.

Con referencias a la cultura pop y filosofía, el libro aborda tematicas como el cansancio, los trabajos “de mierda”, la meritocracia, la soledad en la era de la hiperconectividad, las relaciones amorosas en el mundo de las apps, entre otros.

En una conversación con La Cuarta, Claudia Lewis y Camilo Pino -autores también de “De Sócrates a Netflix”- entregaron detalles sobre su nuevo libro, las distintas temáticas que abordan en el texto y hablaron sobre el “hacer nada” de Cristián Castro.

“Tener un segundo libro, primero, es que valida que el anterior fue lo suficientemente bueno como para darnos otra oportunidad”, destaca Pino. Con esta segunda entrega, los filósofos buscaban “algo más editorial, alguna idea más personal”, enfocándose principalmente en el tema del malestar y recibimiento ha sido, en una primera instancia, “mucho mejor que el primero”.

“(El libro) abre, por lo menos en el mundo hispanohablante, una línea que en el mundo anglosajón hace un tiempo ya está apareciendo, que es como esta ‘contra autoayuda’. Es un libro que sana, un libro que cura, un libro que hace sentir bien a pesar del mal, como sacarse una costra de un brazo, y que eso no es algo que por lo menos en el mundo latinoamericano ha sido trabajado hasta ahora”, afirma Pino.

Por su lado, Lewis menciona que este proyecto “nos dio un espacio para explorar una faceta diferente como autores”. “Este libro tiene un esquema también que va desde lo particular a lo universal, es decir, que primero hay una introspección, o invitamos al lector, a una introspección y luego vamos universalizando el problema. ¿Qué quiero decir con esto? Que este malestar no es solo de una persona en particular, sino que es transversal en la sociedad. Por eso el título es ‘Por qué nos sentimos tan mal’, no ‘por qué me siento tan mal’”, señala.

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Pino explica que, cuando se preguntaban sobre qué escribir, notaron que “con independencia de donde estemos, nos sentimos mal”. “Tenemos amigos que, por ejemplo, han sido los mejores de su generación en la universidad, fueron a hacer posgrados al extranjero y han vuelto a estos ‘trabajos de mierda’, que rozan el sueldo mínimo. Y otras personas que nosotros consideramos exitosos, que vemos que suben videos de viajes por todos los lugares del mundo, por su trabajo, y cuando hablamos dicen ‘me siento tan solo, me siento tan abandonado’. Y nos dimos cuenta que, en general, todos tenemos una sensación de malestar por un tema u otro. Y todos, aunque por fuera nos veamos como personas exitosas, nos sentimos profundamente mal”, añade.

Al comenzar a escribir el libro, pensaron que la respuesta sería mucho más simple: “estamos usando mucho el celular y por eso nos sentimos mal”. Pero al investigar, se dieron cuenta de que se trataba de algo mucho más “estructural”. “Cuando uno dice ‘el problema es porque estás mucho tiempo en redes sociales y sientes envidia’, no ese es el problema, es que la red social se ha construida de un modo específico para mantenerte en un estado de adicción constante, provocándote una sensación de vacío, la necesidad de comprar, la necesidad de pagar, de compararte con los demás, y no abandonar esa plataforma. Entonces te mantiene un estado de inconformidad constante y deseo constante”, afirma el filósofo.

“Uno podría decir que ‘el problema es que estamos mucho tiempo pegados al celular’. La respuesta es que sí, pero lo que hay detrás es que hay una estructura creada para que nosotros no abandonemos el celular, para generarnos constantemente malestar, porque si nosotros estamos satisfechos y estamos felices, no compramos, no nos autoexplotamos, no nos automedicamos, no compramos 10 pasos de skincare, etc”, sostiene. “Y se nos ha vendido que ese malestar es un problema de nosotros, porque no nos coordinamos con el universo, porque nos deseamos bien, porque no nos esforzamos lo suficiente. Entonces, no solamente es una máquina que crea malestar, sino que nos vende que el problema de ese malestar somos nosotros y que nosotros lo podemos solucionar”, añade.

“Lo que mostramos y lo que encontramos justamente en esta investigación del libro es que, al final de cuentas, parece que nosotros somos un poco más marionetas de toda esta situación y que por lo mismo, nuestras pocas soluciones o maneras de escapar a este infortunio es reconocer que esa envidia que sentimos al meternos a redes sociales, no es un defecto personal, sino que es algo buscado por el sistema. Reconocerlo no soluciona el problema en sí, pero nos libera un poco de la carga el (sentir) que mi problema no es un defecto de fábrica, sino que es un resultado esperado de un sistema”, afirma.

Por otro lado, Lewis destaca que “hay pocas personas que yo conozco que no toman antidepresivos o algún tipo de estupefaciente”. “Mi reflexión mientras Camilo hablaba es que no es solamente esta autoexplotación, es en el fondo tratar y descubrir qué estamos dando para vivir la vida que vivimos. Porque en el trabajo no es solamente autoexplotación por autoexplotación, es para comprar comida, para vivir. Sin embargo, muchas personas estamos endeudas hasta el cuello”, agrega.

Por lo mismo, la autora menciona que el libro es, a la vez, “una crítica indirecta al capitalismo, porque al final lo que conlleva todo este malestar se da precisamente porque queremos estar en redes sociales, queremos consumir y queremos mostrar lo que consumimos”.

“Por ejemplo, el otro día pensaba que ya no queremos vivir las experiencias por vivir la experiencia, sino que queremos vivirlas para mostrarlas en nuestras redes sociales”, menciona Lewis. “Creo que hay una reflexión aún mayor que subyace en el libro, que va más allá del por qué nos sentimos tan mal, sino que hay una crítica a este sistema del cual mencionamos varias veces que es como una especie de, por lo menos yo lo percibo así, de mano invisible como al estilo de Adam Smith, de la cual nosotros no tenemos tanta agencia como nos gusta creer que tenemos. Es decir que somos parte de este sistema sin siquiera darnos cuenta. Entonces el libro nos invita a reflexionar y también a ver un poco esta realidad que no depende tanto de nosotros”, asegura.

Ante esto, Pino menciona que los libros de autoayuda te dicen “no estás teniendo el suficiente dinero porque no estás vibrando alto, porque tus pensamientos no se han sincronizado con el universo”. “La respuesta es que el jefe tuyo es el sobrino del jefe de la empresa. A un tipo en Estados Unidos se le ocurrió bombardear Irán y eso hace que el 20% de las cosas que compre estén más caras por el transporte. O sea, no es un tema que pueda solucionar desde ti, de tu individualismo. sino que realmente nosotros somos movidos por otras circunstancias y reconocer eso, nos libera un poco de la culpa, decir ‘no es que yo sea una persona negativa, es que el mundo está patas arriba y no puedo hacer nada contra eso’”, dice el autor.

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-Me recuerda al capítulo donde hablan sobre la “inseguridad fabricada”, como este miedo a perder el trabajo, a no poder pagar el arriendo. Mencionan la frase ‘el miedo es el sistema mismo”.

-Camilo Pino: Ahora aparece todo este tema de los deudores del CAE y realmente se empieza a ver justamente ese miedo. Hay gente gana sobre $5 millones, pero un porcentaje importantísimo de los deudores viven con su deuda, pero con sus trabajos son incapaces de poder pagar esa deuda. Hubo como todo un revuelo porque empezó a mostrarse que los deudores de CAE no son mil ni diez mil, son bastantes personas y nos damos cuenta que el chileno vive constantemente en una situación de deuda. Si no es por el CAE, es por una deuda habitacional, o es por una deuda de enfermedad, etc. Entonces, se mostró que la deuda no era un problema que yo tuve porque financié mal mi mundo, sino que los chilenos en general vivimos de modo endeudado.

“Nosotros vamos mostrando en el libro que la estadística y el estudio muestra que, incluso cuando uno ya tiene dinero y no tiene deudas en sí, sigue preocupándose. Incluso la gente que tiene mucho dinero, vive constantemente con ese miedo de que lo pueda perder todo en cualquier momento. Con independencia de lo que uno gane, el sistema sigue funcionando porque constantemente nosotros estamos endeudados o con miedo a qué va a pasar. Miedo a tener una enfermedad que te quite todo, miedo a que pase una desgracia y lo pierdas todo. Al final, la única forma de resolver este tema no es ganando más dinero, como uno podría imaginar, sino modificando nuestra percepción de la riqueza. Y es pensar que ser millonario al final de cuentas era tener tiempo para uno. Quizás la verdadera riqueza es poder dedicarte a tu hobby de hacer cosas en porcelanas. Hemos identificado esta idea de que la riqueza nos dará más tiempo, pero al final la verdadera riqueza humana pueden ser otras cosas”.

-Claudia Lewis: Es súper fácil hablar de este tema así como ‘no te preocupes tanto por la plata porque al final hay otras cosas que importan más como tu familia, tus amigos, tus hobbies’. Y no, no queremos decir eso porque de facto estamos siempre preocupados por la plata. Sin embargo, lo que intentamos en el libro es que se ponderen un poco las cosas. En el fondo es reconocer que no todo es la plata. Es darle el lugar que corresponde. La plata es un medio para lograr otros fines, para que efectivamente pueda ir a mis clases de cerámica o pueda ir al cine con mis amigos. Las deudas probablemente sigan ahí, pero por eso es recomendable que se ordenen con las cuentas y, de nuevo, yo sé que es súper fácil decirlo, pero en el fondo lo que intentamos con el libro y con las diferentes temáticas que tocamos, es volverlas al lugar donde pertenecen, con el peso que les corresponde e intentar que el lector deje de abrumarse por cosas que al final del día terminan dominándolo.

-Camilo: El libro no resuelve en sí ningún problema, el reconocer que todos tenemos deudas no va a pagar tus deudas, pero efectivamente te va a mostrar que tú no eres el primero ni el último en esta condición y que sobrevivirás. Como dice un abogado de cabecera: ‘¿Puedes vivir con eso?’. Y resulta que sí, podemos vivir con eso.

-En el libro hablan sobre esta idea de “haz lo que amas”, lo que lleva a la precarización del trabajo. Y ahora mencionan esto de la cerámica, también está el tema de los hobbies y el monetizar todo, esto de ser productivo en todo momento. En redes sociales parece mucho esto de buscar hobbies que te puedan dar dinero. Todo gira alrededor del dinero.

Camilo: Quizás en el libro no lo tratamos porque requiere una reflexión posterior, pero vivimos en un sistema que nos quita muchas cosas. Nos quita el tiempo, los lazos, la amistad, etc. Nos da este miedo del que estamos hablando, pero cuando nosotros buscamos, tenemos que tener cuidado de que no sean las soluciones que nos propone el mismo sistema. Cuando dicen ‘quiero hacer algo más de mi vida que solamente vivir en torno al trabajo’. ‘Búscate un hobby, pero ¿por qué no conviertes ese hobby en una cuenta de Instagram para sacarle provecho?’. Cuando mencionas lo de la precarización de los trabajos, nosotros hablamos justamente de eso de manera involuntaria en el libro, que al final la respuesta no es búscate un hobby y monetizalo, sino criticar el mundo nos toca vivir porque es importante seguir siendo historiadores, filósofos, psicólogos, veterinarios, etc, vivir lo que nosotros queremos hacer, pero también preocuparnos por las circunstancias donde está inserta nuestra labor”.

“Al final la tónica de todo esto es que cualquier problema está en el individuo y cualquier solución que te da el sistema recae netamente en el individuo mismo. Yo creo que, la única puerta de escape, es pensar cómo, como comunidad, como sociedad, podemos resolver ciertos problemas. Los problemas de individualismo no se van a solucionar con más individualismo, que es lo que te proponen, sino que es un buen momento para pensar de manera colectiva”.

Claudia: Yo creo con este intento de monetizarlo todo, que uno diría en primera instancia es súper buena idea, porque si ya le estoy tomando fotos y video a mi perro, le puedo hacer un Instagram. Al final lo que yo creo que ocurre y que pasa mucho, es que las personas terminan frustrándose porque quizás dicen ‘voy a subir videos de mi perro’ y nunca lo hacen. Entonces empiezan a pensar de sí mismos como flojos o poco disciplinados. Todos estos pensamientos negativos generan frustración y la frustración termina generando un burnout o una depresión. Caemos en esta dinámica, y me incluyo porque yo creo que todos lo hacemos, de querer ser parte y decir ‘si monetizo esto quizás me hagan unas lucas extra’ o ‘voy a ser famosa, voy a ser influencer’. Estamos dando muchas cosas de nosotros, estamos rindiendo en el trabajo, queremos grabar los videos, pero también estamos perdiendo algo de nosotros. Estamos empezando a tratarnos mal. Quizás vamos a terapia, estamos un tiempo, nos sentimos mejor y después volvemos a caer en este círculo, y pareciera que así se nos va la vida en el fondo. En este tira y afloja de la salud mental versus el sistema, como le llamamos, que en el fondo son las redes sociales, el trabajo. Lo que buscamos también con el libro es que las personas sepan que se puede lograr un equilibrio.

Camilo: A nuestros papás muchas veces les cuesta mucho entender nuestro dolor y es porque ellos, la generación ‘boomer’, tenían a alguien a quien odiar. Yo pensaba en los ‘Picapiedra’, donde siempre hay un odio contra el jefe, el ‘señor Rajuela’ en este caso. Pero ahora en el trabajo tu jefe es tu mejor amigo, es casi un familiar. Entonces, ¿a quién redirigimos ese odio? Al nuevo jefe que está internalizado entre nosotros. Tenemos esta constante relación tóxica en que todos los libros de autoayuda dicen ‘tienes que quererte a ti mismo’, pero a la vez nuestros jefes somos nosotros mismos y no podemos no odiar a esa persona que nos obliga a hacer las cosas. Se genera esta patología, esta tensión psicosomática de un doble discurso, entre que tenemos que amarnos porque un libro nos dice que tenemos que mirarnos a un espejo y apreciarnos como lo más grande que hay en el universo, que de cierto modo es verdad, pero a la vez ‘dormimos con el enemigo’, que somos nosotros mismos.

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-En el libro, en la parte donde hablan sobre lo que podemos hacer para no sentirnos tan mal, también mencionan este video que se viralizó de Cristián Castro, donde dice que él “no hace nada”. Me imagino que es como no tener ninguna responsabilidad, porque igual, por ejemplo, grabar ese video del que hablabamos quizás no es un trabajo, pero se termina convirtiendo en un peso más.

Camilo: Sí, es súper compleja la situación porque incluso cuando uno dice ‘no hacer nada’, ese no hacer nada va a ser Duolingo y aprender ruso, pero es un hacer algo. Y es porque incluso nuestros tiempos de relajo, lo hemos intentado capitalizar. Nosotros hablamos en otra parte del libro que hemos convertido nuestra vida en un LinkedIn y todo ese tiempo que está vacío, ese tiempo en que no estamos trabajando, estamos pensando cómo optimizarlo, cómo aprender una nueva actividad, cómo mejorar en Excel para ponerlo en nuestro currículum.

“Pero el no hacer nada radical de Cristian Castro es casi una herramienta zen. Casi nos acerca al budismo oriental en esta reflexión sobre eliminar esta necesidad constante de estar pensando y sobrepensando la realidad, que es típico de Occidente. Entonces, Cristian Castro en ese ámbito es radical porque no te dice ‘dedícate un hobby, dedícate a otra cosa’, sino que dice que en un sistema que te ha obligado a la sobreproducción, lo que realmente sería radical como un acto revolucionario y probablemente inalcanzable para la mayor parte de nosotros, es literalmente no hacer nada. Quizá no es el ver el negro que piensa Cristian Castro, quizá dedicarte a ver el atardecer, o lo que los japoneses llaman ‘baños de bosque’ o empezar a pensar justamente en lo cotidiano. En ese ámbito es increíble, porque Cristian Castro da con una de las ideas más potentes del último libro de Byung-Chul Han, donde también propone justamente la nada. Esta nada realmente radical de literalmente no hacer nada, porque justamente sería el acto más rebelde que nosotros podíamos encontrar. Y suena justamente absurdo porque al final de cuentas es performativo. Yo creo que Cristian Castro, sin saberlo, tiene un acto performativo y poético donde eleva justamente la negación de todo hacer, como el acto más antisistémico que podría haber.

Claudia: Yo no creo que Cristian Castro realmente haga nada, yo creo que efectivamente es algo más performativo. Pero yo creo que se refiere a estar presente en el momento. Si uno está viendo una película, estar viendo la película y no la película y el teléfono. Yo me acuerdo antiguamente que no existían o no estaban tan popularizados los teléfonos, por supuesto que no había WhatsApp, y uno un viernes por la noche iba al Blockbuster, arrendaba una película, compraba en el supermercado palomitas de maíz, yo me ponía a ver la película con mis hermanos y disfrutábamos, después comentábamos y era algo recreacional. Yo creo que se refiere a estar presente en el momento con cosas recreacionales, cosas con las que podamos disfrutar sin tener un bicho en el fondo de nuestra cabeza que nos diga ‘tienes que hacer o esto otro’. Yo interpreto la frase así.

-¿Cómo podemos no sentirnos mal? ¿Cómo podemos dejar el agotamiento, el cansancio, sentirnos bien con nosotros mismos?

Camilo: Creo que hay dos elementos importantes. El primero es que, efectivamente, el libro amerita una segunda parte, este es ‘por qué nos sentimos tan mal, diagnóstico’, habría un segundo libro ‘cómo sentirnos mejor’. Nosotros dejamos afuera muchas ideas o reflexiones de filósofos. Hay otros filósofos que justamente están dando una alternativa para sentirnos mejor, por ejemplo, hay una autora que habla del elogio a la lentitud, justamente en una sociedad hiperactiva en todos los sentidos. Hacer un elogio a la lentitud, de nuevo, es un acto de rebeldía. Muchos traductores hablan acerca de recuperar los conceptos de comunidad. Por ejemplo, si uno habla con los abuelos, eran bomberos, eran scouts, pertenecían a un club deportivo. En la actualidad encontrar personas que pertenezcan a una comunidad. Allí hay una recuperación de los lazos que muchas veces se han perdido y que las comunidades de Facebook, que ya ni siquiera existen, no pueden reemplazar. Muchas veces las redes sociales nos han vendido la idea de que ellas son la solución, que volverás a reconectar con tus amigos de la infancia y que no estás solo. Pero en verdad lo único que obtienes es un like y un emoticón en tus historias, y eso claramente no es una relación humana al final de cuenta.

“Pero por otra parte, el libro lo que sí consigue de manera efectiva es algo terapéutico. Reconocer que lo que estás sintiendo tiene un nombre, que hay personas que están filosofando sobre esto, que hay intelectuales que le están dando vuelta a tu problema, te dice ‘no estás loca, sino que realmente lo que te pasa es una dolencia compartida, y tiene nombre y tiene apellido, y ojo que los filósofos estamos trabajando para usted’, como dicen.

Claudia: Si bien somos seres humanos complejos, es importante separar las esferas de nuestras vidas. Por muy bien que me caiga mi jefe es mi jefe, o sea si el día de mañana me tiene que desvincular, lo va a hacer. Entonces quizá en el fondo no vale tanto la pena enviar ese correo a las 10 de la noche, cuando uno podría estar en un club de lectura que en verdad disfruta, por ejemplo. En el fondo yo creo que se trata de hacer pequeños esfuerzos conscientes -porque todo esto que hacemos lo hacemos de manera inconsciente- de estar presente en el minuto y de darle a las distintas esferas de nuestra vida el lugar que les corresponde.

Camilo: A diferencia de un libro autoayuda, nosotros no podemos dar en este libro diez pasos para solucionar los problemas de tu vida. Nosotros tomamos una analogía de Platón. Platón habla de la segunda navegación y que muchas veces la vida, aunque nos cueste decirlo, es como estar aferrados a una madera en un naufragio en el mar. Lo que podemos hacer, y yo creo que lo que propone el libro, es cómo aferrarnos lo mejor posible a esa a esa madera e intentar justamente surfear o poder sobrevivir a esa ola que es la vida constante. Lamentablemente la alternativa es ahogarnos o aprender a hacerle frente justamente a esta situación. Creo que eso logra el libro. Al final del día no nos va a hacer cambiar de trabajo, ni nos va a ser mejores personas ni nada, pero nos va a ser mucho más consciente del mundo que nos toca vivir, yo creo que eso ya es un gran primer paso.

No me malinterpreten, sigue siendo bueno si es que no quieres correr juegos muy demandantes ni hacer tareas de IA y claramente es barato cuando puedes encontrarlo a prácticamente un tercio del precio del lanzamiento de sus últimos teléfonos tope de gama.

Pero es su diseño exterior el que lo diferencia más notoriamente de otros teléfonos de su misma gama y mismo precio. El Galaxy A57 está hecho de aluminio, lo que le otorga una estética y materialidad superior a la del promedio. Esto no es nuevo para esta serie, pero en la competencia existen aún equipos que al mismo valor siguen optando por el plástico.

Aunque el verdadero trabajo de ingeniería de Samsung estuvo en reducir el grosor del teléfono a tan solo 6,9 milímetros y aun así mantener su batería de 5.000 mAh, mantener protección ante salpicaduras de agua y una pantalla protegida con Gorilla Glass Victus, por lo que su durabilidad también está asegurada.

El resto de sus especificaciones y por lo mismo su experiencia, está dentro de lo que uno podría esperar para un equipo de gama media: ideal para tu mamá o para estudiar, pero lejos de lo que uno buscaría si es fan de la alta tecnología. Su procesador es un Exynos 1680, creado por Samsung específicamente para este tipo de equipos que no necesitan tanta exigencia.

Esto permite que su precio se mantenga más bajo pero también se nota en una baja en rendimiento en juegos, edición y sobre todo, inteligencia artificial. Ahora bien, comparándose consigo mismo, el Galaxy A57 es más de un 20% más rápido que el A56 del año pasado, es decir, si quieres mantenerte en la misma familia de productos, la buena noticia es que han ido mejorando con el tiempo.

La mala noticia es que, comparando con la experiencia global que Samsung ha vendido en sus otros equipos, sobre todo con Inteligencia Artificial, no da el ancho.

El Galaxy A57 sí incorpora algunas funcionalidades de IA como el poder borrar objetos en fotografías o mejorar su calidad o el sistema de Best Face para elegir los mejores rostros en fotos grupales. Pero funciones más avanzadas como editar fotos en tiempo real, aislar audio en videos, cámara lenta o estabilizador de imagen, simplemente no se la puede. Incluso el borrador de objetos no está a la altura de lo que la misma Samsung ha mostrado con la prueba de borrar una mano colocada en el rostro, la cual en sus modelos con procesadores avanzados logra reconstruir la cara, pero acá falla estrepitosamente.

Es decir, tiene IA, pero si quieres la mejor IA, tienes que ir por la serie S.

Con la cámara pasa algo similar: si bien viene con tres lentes en la parte trasera (un principal, un gran angular y un lente macro) los resultados no son tan buenos ni se acercan a lo que Samsung ha vendido como identidad de su marca: una fotografía confiable.

Puede que se deba precisamente a que su procesador enchula de peor manera las fotos, pero las diferentes pruebas que sacamos tienen colores algo opacados, con poco detalle de luces y sombra y resultados que no destacan pero tampoco son inútiles. Es una cámara que cumple y que quizás su único pecado sea que el zoom que ofrece es solo de 2x y más encima es digital, es decir, un recorte de lo que saca su cámara principal. Y el macro, bueno, no sirve de mucho y está solo para decir que tiene “triple cámara”.

Y en video podrás grabar en 4K pero solo a 30 cuadros por segundo. Es una cámara más que suficiente para el día a día, pero no esperes convertirte en influencer ni con sus fotos ni sus videos.

Pero hay otras cosas que elevan el valor de este equipo: su pantalla de 6,7 pulgadas con tecnología Super AMOLED+ permite incluso mostrar contenido HDR por lo que es perfecto para consumir contenido. También es muy destacable que venga con la última versión del sistema operativo de Samsung, el OneUI 8.5 y que además prometa venir con 6 actualizaciones de OS para el futuro, lo que significa que al menos se mantendrá vigente por 6 años (tiempo suficiente para buscar una nueva alternativa o bien para heredarlo). Además es comaptible con Bluetooth 6 y WiFi 6 y conectividad 5G, por lo que lento en sus transferencias de archivos no será.

Y considerando que puede encontrarse en precio de lanzamiento desde los $349.990, es difícil equivocarse con un teléfono de gama media con la apuesta del Galaxy A57 . Es un teléfono que entrega lo que cuesta y nada más, pero esta vez empaquetado en un diseño que lo hace sentir algo más premium. Es como la mona que se viste de seda pero a todos nos gusta como es que queda.

La nueva línea busca simplificar el acceso al streaming y a servicios de televisión desde una sola interfaz, incorporando aplicaciones gratuitas y de suscripción.

Los televisores permitirán acceder directamente a plataformas de canales nacionales como TVN Play, Mega Go y 13 Go, además de otros servicios de entretenimiento.

Según explicó la compañía, la apuesta responde al crecimiento del streaming y a la necesidad de ofrecer experiencias más simples para navegar entre múltiples aplicaciones y contenidos.

Los nuevos modelos también incluirán compatibilidad con asistentes de voz como Alexa, Google Home y herramientas del ecosistema Apple.

Entre las funciones destacadas se encuentran las actualizaciones automáticas, el control remoto desde celulares mediante la aplicación de Roku y el sistema Backdrops, que transforma la pantalla en una galería visual.

La línea debutará inicialmente con modelos de 32, 40 y 43 pulgadas, aunque la compañía confirmó que durante el segundo semestre se sumarán versiones de hasta 86 pulgadas.

El modelo de 32 pulgadas tendrá resolución HD y Dolby Audio, mientras que las versiones de 40 y 43 pulgadas ofrecerán resolución Full HD y mejoras enfocadas en una experiencia más inmersiva.

Los precios sugeridos serán de $129.990 para el modelo de 32 pulgadas, $159.990 para el de 40 pulgadas y $179.990 para la versión de 43 pulgadas.

Los televisores estarán disponibles a través de tiendas como Mercado Libre, Falabella, Ripley, Paris, Walmart y la tienda oficial de Aiwa en Chile.

El videojuego desarrollado por el estudio Shapefarm apuesta por una estética que evoca directamente a las series de animación japonesa que marcaron a toda una generación durante los años noventa.

Su estilo visual fue construido a partir de animación dibujada a mano, colores pastel y filtros que imitan el desgaste de antiguas cintas VHS, reforzando la sensación de estar viendo un anime de otra época.

De ahí que los desarrolladores explicaron que la intención fue concretar una carta de amor genuina hacia la animación japonesa clásica. Para lograrlo, el estudio investigó técnicas y referencias visuales vinculadas a producciones históricas del anime, tomando inspiración directa de series como Neon Genesis Evangelion, Sailor Moon, Dragon Ball y Cowboy Bebop.

El juego seguirá a Maki y Omura, dos personajes que deberán colaborar constantemente para salvar su estación espacial utilizando herramientas y habilidades complementarias para resolver distintos desafíos.

La experiencia cooperativa recuerda directamente a títulos recientes de Hazelight Studios como los celebrados It Takes Two y Split Fiction, especialmente porque el director Jakob Lundgren trabajó previamente en ambos proyectos.

Orbitals también buscará diferenciarse gracias a un diseño espacial deliberadamente caótico y desgastado, con vehículos torpes y escenarios que remiten al futurismo sucio popularizado por Cowboy Bebop.

Vean el tráiler con su jugabilidad a continuación.

El juego llegará exclusivamente a Nintendo Switch 2 a mediados de este año, aunque por ahora no tiene una fecha de lanzamiento revelada.

La nueva película volverá a tener a Millie Bobby Brown como protagonista de la franquicia inspirada en las novelas The Enola Holmes Mysteries de Nancy Springer.

Dicha saga reimagina el universo de Sherlock Holmes al introducir a Enola, la hermana menor de Sherlock y Mycroft, quien también posee grandes habilidades detectivescas.

En esta nueva entrega, la historia trasladará su acción hasta Malta, donde Enola enfrentará el caso más complejo y peligroso de su carrera.

Según la sinopsis oficial, los sueños personales y profesionales de la protagonista chocarán en medio de una investigación marcada por múltiples amenazas. En ese contexto, el teaser también adelanta que la relación entre Enola y Tewkesbury avanzará hacia un eventual matrimonio.

Claro que todo también apunta a que esos planes se verán alterados tras el secuestro de Sherlock Holmes, quien volverá a ser interpretado por Henry Cavill.

Vean el tráiler a continuación.

El elenco también incluirá nuevamente a Louis Partridge, Helena Bonham Carter, Himesh Patel, Sharon Duncan-Brewster y Susan Wokoma.

El guion fue escrito otra vez por Jack Thorne, responsable de adaptar las dos películas anteriores basadas en las novelas de Nancy Springer.

La dirección ahora estará a cargo de Philip Barantini, cineasta que previamente dirigió los cuatro episodios de la exitosa serie Adolescence.

La serie regresará el próximo 1 de julio con una tanda de nueve episodios que buscarán ampliar la escala de la historia presentada en su primera entrega.

El nuevo tráiler anticipa un escenario marcado por viajes en el tiempo, amenazas apocalípticas y el regreso de varios personajes clásicos del universo mutante.

En el avance, Bishop deja clara la misión principal del equipo: volver a reunir a los X-Men en la década de los noventa.

La historia mostrará al grupo dividido a través de distintas eras temporales, quedando expuestos al poder de Apocalypse tanto en el pasado lejano como en el futuro.

Y para derrotar al villano, los mutantes deberán concretar un esfuerzo conjunto que, según adelanta el propio tráiler, podría costarle la vida a algunos integrantes del equipo.

El adelanto también incluye una aparente referencia a Deadpool, aunque todavía no está claro si efectivamente se trata del personaje.

Vean el tráiler de la temporada 2:

El tráiler cierra con una imagen que ya es utilizada en un póster, ya que es una referencia directa a una de las portadas más clásicas de Wolverine: el primer número de su miniserie a cargo del legendario Frank Miller.

We’re back, baby.

Marvel Animation’s #XMen97 Season 2 streams July 1, only on Disney+. pic.twitter.com/aVUr6jibrQ

— Marvel Studios (@MarvelStudios) May 27, 2026

Según la descripción oficial compartida por Disney, la serie abordará además el aumento de nuevas formas de intolerancia mutante en los años noventa tras la desaparición temporal de los X-Men.

Consideren que la primera temporada fue ampliamente celebrada por los fanáticos y terminó transformándose en una de las producciones televisivas mejor recibidas de Marvel en los últimos años.

Aunque la producción todavía no recibe luz verde oficial, un nuevo reporte indica que el desarrollo inicial de la siguiente temporada ya comenzó.

La información fue publicada por The Hollywood Reporter, que aseguró que la preproducción arrancará durante el otoño del hemisferio norte. Es decir, durante el último trimestre de este año.

El reporte también indica que el rodaje comenzaría a inicios de 2027, manteniendo así el plan original de cinco temporadas que Amazon había comprometido desde el inicio del proyecto.

Desde Amazon MGM Studios aseguran que la serie ya acumula más de 185 millones de espectadores en todo el mundo.

Además, recalcan que la primera temporada concretó el lanzamiento más exitoso en la historia de Prime Video.

Los seguidores de la obra de J. R. R. Tolkien esperan que la cuarta temporada se enfoque en la caída de Númenor, uno de los eventos más catastróficos de la Segunda Edad.

Ese acontecimiento no solo marca un punto de quiebre en la historia de la Tierra Media, sino que además altera completamente su geografía.

El reporte también sostiene que Amazon presentó planes para ampliar Bray Studios, complejo ubicado cerca de Windsor que ha funcionado como una de las principales bases de producción de la serie.

La compañía buscaría sumar seis nuevas instalaciones de grabación y un estacionamiento de gran tamaño para reforzar sus operaciones en Reino Unido.

Bray Studios se transformó en el centro principal de producción de la serie tras el traslado desde Nueva Zelanda hacia Inglaterra.