Este jueves 19 de marzo llegarán a los cines de nuestro país el thriller chileno “Todos los males”, la nueva película del director Nicolás Postiglione, protagonizada por Teodoro Bustos, Fernanda Finsterbusch y Catrin Striebeck.

Ambientada en Valdivia en 1957, la segunda película del director chileno relata la historia de Daniel, un niño de 13 años que es abandonado por su padre en la casa de los Riedel, su familia de origen alemán, tras la muerte de su madre.

En un hogar marcado por los silencios, la moral rígida, el control y la religión, Daniel encuentra refugio en Ema, la hija de uno de los trabajadores de la hacienda de la familia. Poco a poco, el joven comenzará a descubrir los secretos familiares que esconden los Riedel mientras que una inesperada desaparición remecerá todo.

Tras su ópera prima “Inmersión”, el director Postiglione regresa con una película que mezcla el suspenso con el thriller y el horror psicológico, explotando temas como la herencia, las perversiones y la venganza.

En una conversación con La Cuarta, el cineasta abordó las distintas temáticas de “Todos Los Males”, el rol de la naturaleza y la religión en la historia, y las reacciones en su estreno en el Fantastic Fest y Festival de Sitges.

-¿Cómo nace la idea de este proyecto, de esta película “Todos los males”?

-Esta película supuestamente iba a ser mi primera película, pero se atrasó el financiamiento, demoró un rato, entonces terminé haciendo otra antes. Estuvo en carpeta muchos años. Partió originalmente como una adaptación de la novela ‘Bella cosa mortal’ de Alejandro Sieveking, que es una novela bacán, pero mucho más ambiciosa en términos de tiempo y escenas. Recorría años. La parte del sur de Chile y esta familia alemana era solamente un tercio de la película. En sus primeras versiones el guión abordaba la historia de Daniel, este niño protagonista, después en su adolescencia y después en su adultez, que era toda una cuestión mucho más grande. Y pero a medida que nos acercábamos a la fecha de filmación y cuando ya teníamos algo de plata conseguida para hacerla, la fuimos achicando un poquito.

-Pero la inquietud partía en buscar, contar una historia que sucediera en Chile, que no fuera en Chile de siempre, que fuera un Chile diferente, un rincón, una burbujita especial y peculiar. Demostrar que el cine chileno igual puede explorar zonas desconocidas. Quizás mucha gente piensa que el cine chileno a veces redunda con ciertos temas y tópicos. Yo no soy tanto de esa idea, pero siento que es algo que igual hay que pegar un combo para desmarcarse. Hay que tratar de salir de ahí. Sobre eso fuimos desarrollando la historia, estaba rica la comunidad alemana como para desarrollar una historia más tensa, encontrarnos en una burbuja, en un circuito muy especial, muy peculiar. Y explorar visualmente y dramáticamente todo lo que podía pasar dentro de ese contexto.

-Un detalle que llamó la atención fue que gran parte de la película se habla en alemán, además del español. ¿Por qué decidiste enfocarte en eso?

-O sea, no está lejos de la verdad. Por lo que estudié, investigué y lo que conozco personalmente de la comunidad alemana del sur, el idioma está muy presente. Es un idioma que se usa, sobre todo mientras más atrás te vas en la historia. (Antes) había una especie de hermetismo cultural muy fuerte que, bueno, obviamente para conveniencia de la película lo hace todo más gráfico. Pero no está lejos de la verdad, era realmente así. Lo que pasa es que nosotros lo cargamos con un tono más tenso, pero es verdad. Esta gente vivía en los campos, vivían distanciadas de las ciudades, entonces no tenían demasiados insumos culturales locales como para ir perdiendo el idioma tan rápido. Se comunicaban entre ellos en el idioma de la abuela y eso se permanecía de generación en generación. Las generaciones más jóvenes cada vez se iban distanciando un poco más hasta llegar al día de hoy, que ahora están hiper chilenizados todos, pero en esa época vivían lejos de la ciudad y la película explora justamente eso, como están haciendo industria, están haciendo campo, lechería, ganadería, pero sin tanto contacto con lo local.

-La película fue grabada en las cercanías de Valdivia, algo que me llamó la atención fueron las vistas aéreas de los bosques, cómo se sentía que casa estaba prácticamente en medio de la nada. Y bueno, la familia también tiene problemas con perros salvajes que atacan al ganado. En ese contexto, ¿qué rol tiene la naturaleza en la historia?

-La naturaleza, sobre todo la del sur de Chile, tiene diferentes roles. Uno, te atrapa en ese contexto. Incluso se dice en la película como ‘no puedes llegar caminando al pueblo a tomarte un bus para irte a Santiago, ni cagando, estamos lejos de todo’. Entonces hay bosques, selva, ríos. Estás como encerrado en esa naturaleza infinita. Y después están los insumos climáticos, como la lluvia, el viento, los sonidos, cuánto eso le aporta el hecho que esté neblinoso o que esté como hayan pájaros sobrevolando, haciendo como gritos y cosas. Todo eso siento que me ayudó a generar un aura de thriller que lo hiciera mucho más denso. Estás en medio de la nada y no es un desierto plano donde tú puedes ver al horizonte. No, esta cuestión está ahí como atrapado en esta neblina boscosa y lluviosa.

“Y los perros, que también si los queremos incluir en ese grupo de naturaleza, esto es un fenómeno que pasa comúnmente en los campos también. Pasa con jabalíes, pero también pasa con perros que en el fondo estás expuesto a estos bosques, a esta selva y dentro de la selva pasa de todo. Entonces entran los perros desde la selva, perros que fueron abandonados en algún momento, atacan, comen. La película muestra que se comieron como la oveja entera, en verdad no pasa eso, se comen un par de mordiscos y ya fue, pero existe ese fenómeno realmente. Yo tengo amigos de campo que están lidiando con estos perros salvajes y me contaban eso y decía ‘puta, esta es la raja para ayudarte a atraparte aún más dentro de ese contexto de la familia’”.

-En el bosque también está esta amenaza de los animales. Entonces igual te da esa sensación de que no pueden salir.

-Tiene un efecto como medio de cárcel, es como que al niño lo llevan a esta casa y si bien le ofrecen todo tipo de oportunidades, es también una especie de cárcel. Y eso se permite con la naturaleza que te atrapa, con los perros, en diferentes cosas que no lo dejan irse.

-Daniel, interpretado por Teodoro Bustos, es el protagonista de la película. Es abandonado por su padre en la casa de esta familia de origen alemán después de perder a su madre. Y su llegada cambia la dinámica de la familia.

-Para mí el niño tiene diferentes roles o misiones dentro de la película. Primero, que llegue desde afuera nos permite sorprendernos con las cosas que él descubre. Él es un agente externo que llega a iluminar las cositas que pasan dentro de estos rincones oscuros. A través de él vamos cachando las diferentes cosas y también vamos desenmascarando a la familia, porque cuando entras en la película, hay toda una primera cara que te muestra la familia, que es muy perfectista, ordenada, religiosa y correcta. A través de él vas descubriendo que hay cositas escondidas

-También hay un poco de pérdida de inocencia, bueno, más que un poco. Y también entra en la dinámica de la familia, pasa simbólica a ser parte de la familia. Al principio tiene distancia y al final, sin dar spoilers, pasa a usar una mecánica que es propia de la familia. Hay un poco de eso en él, entre su proceso externo de desenmascarar cosas y el proceso interno de perder su inocencia en este lugar donde tenía que supuestamente crecer.

-En la película, Daniel forma una relación cercana con Ema, la hija uno de los trabajadores de la hacienda. En la historia hay una diferencia bien marcada entre la familia y los trabajadores.

-La línea se raya entre algo como clasista y racista. Hay algo de la familia o de la matriarca de la familia de separar bien las aguas. Lo dice en un momento ‘todos aquí saben cuál es su lugar’. Y eso es algo que la película explora, si está correcto o no separar. En la familia no se permiten o al menos no se promueven ese tipo de interacciones, pero este niño como que llega un poco a desenmascarar y también a desdibujar esas reglas. Entonces eso genera un debate y un poco de reflexión, cuánto problema puede nacer a través de esa misma fricción, interclase, interracial también. Y como eso también es parte de la dinámica de los alemanes y de los locales chilenos, de separar las cosas. La película explora las fricciones que despiertan en torno a eso, sin obviamente ser una película clasista o racista, como que lo deja ahí en pantalla.

-Hilda y Hermann son los dos hijos de la familia Riedel, quienes abordan algunas temáticas complejas y tienen secretos bastante perturbadores. ¿Cómo fue la construcción de estos personajes?

-Volviendo como a la matriarca que decide todo en la familia. Yo siempre lo pensé como que estos niños tenían pulsiones y las pulsiones son reprimidas. Obvio, también quizás cualquier mamá lo haría con sus hijos si fueran menores de edad, pero en ese contexto aún más. Entonces hay pulsiones de exploración sexual o de exploración de violencia, de la vida, la muerte, la sangre y lo grotesco en el niño Hermann. Esta es como mi lógica con toda la película, las pulsiones que se reprimen se convierten en perversiones,

“Si te nacen las ganas de ser algo, pero por el contexto cultural no puedes hacerlo, pasa a definirse como una perversión, si tú insistes con hacerlo. Es una lógica que quizás no aplica a todos los casos, pero al caso de esta familia sí, es como que estos niños quieren explorar estas cosas y obviamente la mamá no los deja. Entonces, si insisten ya es como que van desarrollando esas exploraciones y esas pulsiones que tienen, a ocultas”.

“Y eso es algo que si te fijas con las generaciones anteriores de la familia también existía, es como el viejo ese que se acostaba con las trabajadoras. Y el fondo era una pulsión que tenía, que no estaba permitida por ningún caso, pero el viejo insistía, entonces se generaba una especie de perversión en él. Y esa misma dinámica de represión versus pulsión, que equivale a perversión, es como la que los niños vienen a mostrar e integrar en la película. Y eso es lo que Daniel va desenmascarando. Que la familia tiene pulsiones reprimidas, entonces tiene una serie de cosas ocultas que no están en la primera plana de la familia, pero están ahí ocultas. Y los niños Hilda y Hermann son justamente los vehículos que hacen eso”.

“Por eso se llama un poco ‘Todos los males’. Es como todos los males que existen debajo de la superficie que uno no ve. Esa es un poco la lógica del título, como desenmascarar todos los males. Y justamente la película parte con este póster o cuadro familiar que dice algo como ‘la fe en Dios eliminará todos los males’. Esa es la ironía, los males existen igual, aunque tengas fe en Dios. Hay pulsiones, somos humanos que tenemos como necesidades que queremos satisfacer y si las reprimimos por cosas como religiosas y coculturales, puede que se conviertan en perversiones por insistir sobre ellos”.

-Tal como lo mencionas, la religión está muy presente en la película, especialmente en la madre de la familia. ¿Qué rol tiene la religión en la historia?

-Yo creo que en general la iglesia arma una serie de reglas que definen un poco el diario vivir de muchas familias. Y estas familias alemanas en esos años eran muy religiosas. La figura de la iglesia y del sacerdote era algo clave para ellos, tener ese alineamiento y esa especie de doctrina moral. Entonces, juega un rol clave. A mí me apena que la película no lo haya desarrollado más porque tenía muchas cosas que hacer, dentro de los 90 minutos había mucho que desarrollar a nivel de trama, pero traté de incluir un poquito la figura de la iglesia dentro de la familia. Como el niño haciendo su confirmación y qué rol importante juega eso para la familia. Son cosas reales que pasaban en esos años, en ese contexto y que hasta el día de hoy quizás pasan. Yo creo que básicamente el rol que juega culturalmente es mucho más grande de lo que mostró la película. Es decir, en esos años la familia alemana era mucho más religiosas, mucho más heavy, y jugaba casi todos los días un rol muy especial dentro de la casa. Y la película hizo lo que pudo con el segundaje que tenía.

-La película fue parte del Fantastic Fest y el festival de Sitges. ¿Cuáles fueron las primeras reacciones del público?

-La película tiene como una condición que puede ser muy buena para algunos y quizás no tan buena para otros. Está como en una delgada línea entre thriller, como que promete terror, pero no es realmente terror, pero lo promete. Sitges y Fantastic Fest son festivales que son absolutamente de género. Es raro, porque es como que la gente incluso aplaude en las películas, durante la película, no solo al final. Era un público muy hambriento por terror, cosas gráficas. Y la película en ese contexto parece mucho más drama que terror, pero vas a un festival de drama parece más terror que drama. Entonces tiene una condición como híbrida. Mucha gente se me acercó y me dijo ‘bacán tu película’, ‘me encantó’, el director del festival Fantastic Fest me saludó, me abrazó y me dijo ‘la raja tu pelicula’. Creo está evidenciando su característica más híbrida, entonces quedo en deuda con la gente que quiere terror. Eso es un poco lo que pasa con el thriller, que es como el salto entre drama y terror es la cosa que queda entre medio. Y esos públicos eran muy de terror, que estaban estrenando Frankenstein. A mí me gusta como el híbrido, pero quizás no siempre el público está tan listo para recibirlo de esa manera.